EDWARD HOPPER. RETROALIMENTACIÓN DE PINTURA Y CINE

Escrito por Florencia Dupont el 25/08/2013. 

Por Leonardo Rayo   I.  

El cine siendo una disciplina mas moderna, toma como referencia a aquellas artes que le preceden en el tiempo. Es un hecho que el cine se ha inspirado en la obra de pintores que han dado un papel fundamental a la luz, como lo son Vermeer, Caravaggio, Rembrandt, y no solo para los directores de fotografía si no también para los mismo directores los cuales ven la identificación de un encuadre, el enfoque visual, una mirada concreta o una puesta en escena.

                     

El cine nacido a finales del siglo XIX, muy rápidamente asimiló las características de sus antecesores para adaptarla a las necesidades técnicas que la requerían, como lo son las composiciones barrocas, las perspectivas renacentistas, iluminación tenebrista (Häxan,1922), encuadres expresionistas con escenarios angulosos por donde deambulan los siniestros personajes.

Así también, el cine encontró en los lienzos una gran cantidad de información sobre los usos y las épocas de las sociedades que deseaba retratar, encontrando una manera fidedigna de retomar las historia y épocas pasadas, como sucede en películas como Intolenacia de D.W. Griffith de 1916 .

                

La influencia de la pintura en el cine es física y concreta, incluyendo, en muchos casos la reproducción del lienzo en el mismo fotograma, o bien haciendo de la pintura la base argumental del film, como en La Kermesse Heroica de Jacques Feyder en 1935, o Los Sueños de Akira Kurosawa.

Una referencia aun mas explicita seria llamado el “cuadro vivo”, un giño artístico consistente en la reproducción  de un cuadro a través de decorados, vestuario y posición de los actores ante la cámara, como lo es en La Joven de la Perla, película de Peter Webber en 2003 y el cuadro de Vermeer de 1665.                                        Así también, en muchos casos la creación de conceptos e ideas se acogen a las coordenadas artísticas de los cuadros de época, siendo esta una influencia pictórica mas difícil de percibir ya que buscan retratar el concepto mismo de la obra siendo en muchos casos mas interesante, y en algunos casos los mismos realizadores no son consientes de que sus imágenes son deudoras de algún pintor o corriente artística anteriores a su obra.   II.  

“…El propósito y la finalidad de toda obra literaria consiste en recrear el mundo que me rodea como si fuera el reflejo de mi mundo interior. Todo esta revestido, relacionado, moldeado y reconstruido, de una formal personal y original…”

Goethe

Esta definición a la obra literaria se podrá aplicar en todo orden artístico, desde la pintura al cine, y es por eso que Hopper es tan importante para la pintura y la creación de imágenes contemporáneas, ya que él puso de manifiesto que las imágenes que en primera instancia parten de la realidad, de las cosas que nos rodean, pero que sin embargo son la expresión mas interna, proveniente de un mundo propio e íntimo. Hopper concebía los escenarios y protagonistas de sus cuadros como personajes de una película, es por eso que al ver una obra de Hopper nos encontramos con una narrativa interna dentro de la quietud del cuadro. De otro modo, el cine lo podemos construir desde la fotografía y arte de  las misma locaciones, pero aun así, lo mas difícil de lograr, es encontrar y reflejar el mundo interno de los personajes.

Sigamos a esa mujer en el otoño de sus vida, ha hecho el equipaje y mientras contempla la tarde ya se siente lejos, buscará a alguien o  quizás mejor permanecerá sola. Esa mujer, madre, amiga, esposa, que toma café mientras unos ojos extraños la miran sin verla, mientras piensa en todo aquello que  ha dejado atrás. Es educada distinguida, su apariencia es perfecta, siempre ha sabido mantenerse serena, ahora dueña de su vida, detiene el tiempo y piensa en si misma, como caen las hojas caen también sus sueños.      

El intricado universo femenino, siempre ha sido una de las mayores fuentes de inspiración para las todas las bellas artes, ese momento de intimidad el cual podemos robar de las musas que ha fascinado a escritores músicos y cineastas. El pintor estadounidense Edward Hopper a la cabeza de una larga lista de artistas nos ha dejado la imagen de una mujer sin nombre, ensimismada y absorta ante la luz, una imagen poderosa la cual nos hace sentir el deseo de conocer e intrincarse en el mundo de secretos que guarda bajo esa mirada hacia la expectativa de un mundo mejor, como lo es en Una mujer al sol.

Es así como Hopper hace de la mujer la representación de un sentimiento de opresión y alienación del mundo en el que vive.

En Autómata, vemos una gran ventana tras la mujer, la cual no tiene muchos detalles en su rostro pero que transmite  una carga emocional reflejada en el solo hecho de la inclinación del mismo rostro, demostrando que no es el rostro, sino mas bien la situación y el ambiente que se crea para detonar un reflejo de identificación en nuestras propias emociones.

En Habitación de hotel, vemos a una mujer abstraída, que está pensando, se ha pausado ese momento, similar a nuestra vida cuando después de bañarnos pensamos en el día, quedando en un estado de suspenso, ensimismado ante la vida, que no tiene que ver precisamente con un estado melancólico, sino con estar ensimismado, de salir de ese apabullamiento de salir del orden lógico, del flujo continuo y estructurado del día para dar pie a un descanso y reflexión de nosotros mismos, o simplemente a pensar.  No el solo hecho de pensar o reflexionar sobre algo sino sobre nosotros mismos. Hopper se interesa por la mujer, ya que logra entregar señales significativas e interesantes para reflejar la carga emocional, siendo esta su guía para transmitir sus emociones hacia una realidad interna que se exterioriza.

Esta guía también se transmitirá en los escenarios recurridos por Hopper, esas estaciones de servicio en desoladas carreteras trenes que atraviesan una zona árida e inhóspita, faros que imponen su perfil en altas colinas, moteles, cafeterías en las que los protagonista no chocan sus miradas y por fin tras mucho recorrer y lejana a nuestro mundo, aparece la gran ciudad cosmopolita.

Los paisajes urbanos pintados por Hopper transmiten desasosiego como si se tratara de ciudades fantasmales, donde de alguna forma, aunque la calle este vacía nos sentimos observados por algo o por alguien.

En Las primeras horas de una mañana de domingo, donde la colorida barra de barbería pasa a ser el personaje principal, observado minuciosamente por las ventanas aletargadas y los rincones oscuros, pasando a ser una pequeña barra  a la cual le atribuimos vida, sentimiento y distinción del entorno en que se encuentra, el cual mantienen una inestabilidad para todo el que observe, generando este suspenso e intranquilidad, observada por estas ventanas entre abiertas. Dentro de las pinturas de Hopper nos da la sensación de que los escenarios y las construcciones no están construidas bajo algo, una base sólida, como los mismos personajes que habitan en ellos, los cuales mantiene una inestabilidad que es clave dentro de sus trabajo.

                 

Hopper logró capturar la psicología de los personajes, de los lugares y de una época característica de la Norteamérica de 1950, transformándose en un referente e icono de la modernidad, es así como se identifica a Hopper dentro de la perspectiva e identidad norteamericana, que no refleja el sueño americano sino que es una vuelta a la realidad, los personajes son héroes humanizados, que ya no creen en la Norteamérica que se les invento, y que sufren de realidad o se encuentran en el estado de suspenso reflexión sobre su propia existencia y soledad, no encontrando una identificación con lo que los rodea, siendo extraños dentro de su realidad, desarraigados del espacio, generando una sensación de tristeza absorta que no alcanzamos a entender y a demostrar con todo nuestra emoción, sino que se queda dentro. Personajes perdidos en la ciudad, donde las grandes luces de la ciudad no iluminan a las personas dando la sensación de personas solas tanto externamente como en su interioridad, generando un extraña sensación y pensamiento del nuevo espíritu americano, crea una intemporalidad, un tiempo vacío, el cual ya queda demostrado tanto en sus personajes como en los espacios, congelando un momento en el espacio que de alguna manera pide una acción o se encuentra en un estado de estático y detenido, mostrándonos la situación angustiosa que viven estos personajes, demostrándolo la estructura y la arquitectura vacía de las ciudades norteamericanas, eliminando todo aquellos objetos cotidianos, dejando solo el vacío de los elementos característicos de un espacio y de una vida. En cuanto mas elimina aquellos elementos de una vida provinciana, mas se acerca a lo universal de un mundo contemporáneo.

Así se podría decir que Hopper representa tanto o de mejor manera el concepto norteamericano que el mismo Pollock,  el cual representa el arte moderno como la expresión de los objetivos contemporáneos de la época, demostrándolo con su pintura abstracta. Pero en este sentido, podríamos decir que la pintura abstracta, en su último viaje la eliminación nos lleva a prescindir de las formas, lo cual también se ve representado por Hopper en su condición de figurativo ya que como se ha señalado, también tiene mucho de esto en sus obras, haciendo que solo se vea color, formas y líneas. Aunque como sabemos, siendo Hopper uno de los fundadores de la revista Reality,rechaza el arte abstracto y a sus contemporáneos de la escuela de Nueva York como William Kooning y Mark Rothko o Jackson Pollock, quienes admiraron algunas de sus obras.

El pintor de los enigmas cotidianos de las ausencias, de los seres solitarios que habitan la gran ciudad y sobre todo el pintor de la luz y del silencio se ha convertido en el referente para muchos fotógrafos, cineastas y pintores como Luc tuymas en su obra Mayhem, Neo Rauch  con Gold, Gonzalo Sicre o Ángelo Mateo en Charris revolución.

“ …he tratado de pintar la luz blanca en vez de amarilla, ya que muchos pintores tiene la costumbre de pintar la luz amarilla, pero esta luz no es amarilla solo si es amanecer o atardecer, el resto del día se trata de una luz blanca…”

Es así como un pintor tan preocupado por la captación de luz en sus cuadros, no podía pasar desapercibido como un referente obligado en el cine. Un as de luz que penetra de forma oblicua y afilada a cada escenario, colándose por una ventana o desde un tubo fluorescente arrojando esa luz fría y eléctrica, expresando una atmosfera de incomunicación y aislamiento total que ha fascinado a los mas grandes directores de fotografía como Vittorio Estoraro o Eduardo Serra.

Siendo esta luz un protagonista mas de estas obras, a diferencia de Caravaggio el cual la sombra ha de ser su personaje. Es así como Hooper define con gran precisión los haces de luz que entran en su cuadro, generando verdaderas barras de iluminación, siendo una gran influencia del cine norteamericano de los años cuarenta, mas conocido como cine negro. Con sus obras los artistas narran, reflexiona y transmite esos sentimientos que le inquietan y atormentan, y tratando de una personalidad reservada y retraída como la de Edward Hopper el estudio de su arte resulta revelador.

“… supongo que en mis cuadros me represento a mi mismo, lo mas importante de un cuadro no se puede definir, no se puede explicar…”  

Hopper crece en un pequeño pueblo norteamericano de la época victoriana, y al trasladarse a New York, logra ver de manera distinta el entorno que le rodea, el cual se manifiesta como una gran ciudad moderna llena de impersonalidad y alienación. Hopper logra capturar esa esencia haciendo de voyeur, dice él mismo en sus entrevistas que le gustaba mirar desde las elevadas vías del tren hacia los apartamentos de la gente, especialmente de noche cuando las lámparas estaban encendidas y se podía ver el interior de los cuartos a través de las ventanas, entrando en las vidas ajenas y en los mementos íntimos de la sociedad norteamericana, experiencia que repetimos constantemente cuando asistimos al cine y deseamos ver la vida y los secretos que encierran los protagonistas mas allá de la pantalla.

Lo que Hopper entendió sobre la pintura y la forma de hacer cine, es que éste se conforma a través de la aparente realidad, es una construcción. Así también Hopper en sus pinturas, toma elementos de la realidad para generar su propia ficción, esta idea ha repercutido en los cineastas, que han entendido que las metáforas visuales transforman los conceptos externos en algo interno de los personajes, en un mundo propio e intimo.

Esto a su vez se ve complementado con la totalidad del cuadro, la luz, el color y la distancia que separa a las figuras, todos estos elementos van definiendo las características del personaje y a su vez una narrativa, y este es el lenguaje del cual se quiere nutrir el cine. En este sentido podemos ver a Hopper desde muchas perspectivas, siendo su estilo uno de los mas recurrentes dentro del cine americano, esto se debe a que representa un mundo totalmente singular y aislado, incluso en sus mismas localizaciones hay una sensación de inmensa soledad que afecta a los cuadros y que adquiere sentido a la hora de representar la imagen americana del siglo XX en el cine. El afamado director Todd Haynes es consiente de la influencia de Hopper dentro de sus largometrajes y en el de otros directores.

Lynch logra captar dentro de sus películas la sensación de aislamiento, algo espeluznante que ocurre dentro de escenarios normales o cotidianos, y esto se logra presencia en la mayoría de los cuadros de Hopper: lo grotesco, lo surreal, esa pesadilla durmiendo en las esquinas del cuadro, y que de alguna manera derrumba la visión del voyeur el cual al descubrir lo que esta mirando, se encuentra en mundo atractivo pero extraño a la vez, en la sensación de que nunca debería haber estado aquí, pero que te obliga a posicionarte como espectador de un lado o del otro. Logrando así, tanto en los cuadro como en las realizaciones influenciadas por Hopper, la realidad idílica de la américa que se ve asechada por lo oculto, por una realidad que evoca a la superstición y a la religión y a todas las tradiciones americanas que sobreviven en las comunidades mas aisladas, logrando sentir la inseguridad y locura dentro de los mismos personajes.

Hitchcock se ve influenciado no solo por los encuadres y composiciones, sino por algo inherente que va mas allá de lo puramente visual. Como Hopper, Hitchcocok observa a sus personajes, en el placer voyerista de mirar sin ser vistos, como en la ventana indiscreta, en la cual estamos en un constante visión de un cuadro con influencia Hooperianas, así como también en vértigo y en psicosis, demostrando que hasta la misma casa de la madre de Norman es la representación de La casa junto  a las vías del tren, siendo ésta una de las primeras obras de Hopper en ser vendidas al museo de arte moderno de New York. Esta obra pintada en 1925 es uno de los mejores ejemplo de cómo Hopper dotó a sus arquitecturas de personalidad propia envolviéndolas de un halo de abandono haciéndolas parecer mas que un hogar en una constante amenaza representando lo aislado, siniestro y decadente.

Edward Hopper después de volver de París en 1913 se instala en un estudio en Madison Square junto con su esposa Joe Nivison Hooper, con la cual recorrían en auto, durante largas temporadas, las extensas carreteras de los estados unidos, desde Nuevo México hasta Coten Massachusetts donde instalaron su casa de verano. Durante estos largos viajes, la pareja de artistas dejo plasmado tras el pincel la road movie de sus vivas por Norteamérica. Colinas, acantilados, atardeceres, interminables carreteras, casas junto a vías, imágenes que nos hablan con nostalgia de la América profunda que se ve representada constantemente en la pantalla grande.

Malas tierras, de Terrence Malick es la representación de este sentimiento de aislamiento para luego ponerlo en movimiento, la película road movie nos muestra la soledad de dos personas que solo pueden sobrevivir manteniéndose en movimiento, siendo como unos extraños dentro del mundo, demostrando una rivalidad entre los personajes y el mundo que les rodea. La soledad esta presente dentro de la visión de la Norteamérica sínica, pero al mismo tiempo compasivo y conmovedor.

Todd Haynes, ha sabido representar la vulnerabilidad de los personajes, los cuales se encuentran en una especie de burbuja claustrofóbica que logra aplastar sus vidas, es el caso de Lejos del cielo de 2002 y Safe de 1995.

Esta temática, ya enunciada por Douglas Sirk en Solo el cielo lo sabe, en la cual, al igual que Hopper, el melodrama gira en torno a la mujer la cual es aplastada moralmente por el doble discurso de una clase media norteamericana, en donde nos se les permite tomar las riendas de sus vidas, sintiéndose encarceladas en el mundo que les rodea, y es así como en una prisión, es como se muestran en la pantalla, tras cortinas, ventanas, puertas, esculpidas en un contraste de luz y sombra como en el cine negro estas historias aparentemente triviales, se transformaron en una oportunidad para criticar la cultura superficial de consumo, reutilizando muchos de sus propios sueños, objetivos y fantasías, encontrando de manera concisa  e implícita de hablar y transformar esos conceptos extremadamente vacíos en la bases del sueño americano. Cada cuadro, cada fotograma representa la claustrofobia que sienten los personajes femeninos atrapados en preciosos vestidos, pero que en el fondo están solas, remarcado por el mismo bienestar social que dicen tener.

Es así como el cine de melodrama tendrá que ver mucho con la pintura de Hopper, representado tanto en sus personajes como en el escenario en el que interactúan, comprendiendo el verdadero fondo de la sociedad norteamericana, a su vez representado por pequeños detalles resaltados con colores primarios como lo son: las pequeñas  barras de las barberías, la pequeña cafetería, las farmacias, etc, que configuran el espacio americano, y que siguen presente en el paisaje. Hopper hacia muchas localizaciones hasta encontrar la perspectiva adecuada para sus historias, al igual que un director de cine que recorre el set de rodaje con un visor de cámara para obtener el encuadre adecuado para su toma, y desde que punto visual quiere narrar su historia. Así mismo, Hopper era muy meticuloso a la hora de construir una imagen. Para realizar Cine de New York, Hopper recorrió cinco salas de cine diferentes para lograr la perspectiva adecuada, haciendo mas cincuenta bocetos para este cuadro, logrando así un resultado particular del cuadro sin representar ningún cine en particular. En este cuadro nuestra atención no está en la pantalla de cine, sino en la soledad de la chica bajo la luz roja, detrás de las cortinas que van hacia el exterior, que por alguna razón se encuentra abatida e ensimismada, lo cual aterriza el glamour de la sala, hacia algo mas cercano y cotidiano.

La relación de Hopper con la vida moderna fue muy ambigua, siendo el cine uno de los aspectos que mas le interesaban de esta modernidad, cuando no se le ocurría qué pintar, asistía a los cine a empaparse de aquellas películas, ocurriendo una especie de feedback artístico, ya que se nutria de lo que veía en el cine, no solo dentro de las temática sino también en el estilo que representaban aquellas películas. Es así como se puede apreciar que las pinturas de Hopper tienen un lenguaje muy cinematográfico, por lo cual inspiraría a los distintos cineastas, es el caso de Elia Kasan, el cual aseguró que Hopper era unos de los pintores que mas le había inspirado dentro de sus realizaciones, sin saber que Hopper a su vez era fanático de sus películas.

Hopper encuentra un referente dentro de sus películas favoritas, es el ejemplo de Marti de Delbert Mann, la cual inspiró la pintura de la pareja que esta en el cuadro la luz del sol en Bromstock, otro referente es la película los niños del paraíso de Marcel Carne, la cual dio vida a su último cuadro los dos comediantes, en el cual se representaba a él  y a Joe como dos actores del arte de la comedia saludando en el escenario, representando el cine en la pintura y la pintura en cine.            III.  

Hopper con sus lienzos intentaba sugerir mas que mostrar, una cualidad que le conecta con toda una corriente cinematográfica, cuyo principio se basa en renunciar a lo explicito, apelando así, a la imaginación del espectador. Esos rostros que miran hacia algo o alguien situado fuera de los márgenes del cuadro, nos recuerdan que esos altos momentos de tensión en los que un sonido o una sombra nos indican la presencia de algo fuera plano. El contraste entre la candidez del hogar y el mundo sórdido, enfermo y amenazante del exterior se encuentra en los cuadros y en las películas que representaron las obras de Hopper, representadas en general en el cine negro norteamericano, con esos rincones suburbanos que agradaban al Hopper mas cinéfilo. Tomando como referencia para uno de sus cuadros mas connotados, Los asesinos de 1927 escrita por Hemingway inspiró a Hopper a uno de sus mas afamados cuadros como lo es Halcones de la noche , que a su vez sirvió como referencia para realizar la representación cinematográfica de Forajidos, de Robert Siodmark en el año 1946. Entendiendo así que Hopper es la esencia no contemplada del cine negro en la pintura, y que tiene que ver con la soledad urbana, escenas sombrías, claros oscuros, extraños, encuentros en la noche, palidez en el rostro y labios muy bien pintados. Lo importante es entender que estos elementos recrean los estados psicológicos de los personajes, estos elementos hablan de la alienación y de la paranoia en la ciudad, esa especie de pérdida de valores y estilo de vida de épocas pasadas, creando autómatas, seres que se encontraban mas lejos unos de otros, generando así un retrato del siglo XX norteamericano, representando el lado mas oscuro del sueño americano generando en el espectador cierto desasosiego.

Con todos estos elementos que Hopper utilizó fue creando esa especie de narración con final abierto, que permite al espectador completar él mismo la historia. Estas imágenes que provienen del interior, aunque utilizaran elementos del mundo exterior para manifestarse.

Esta intertextualidad en la pintura y la puesta en escena cinematográfica, entre el gran arte y el arte del entretenimiento demuestra que no existen fronteras entre ambos medios de expresión.

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