LETRA ' EL AMOR DE MI VIDA
'Me duele mas dejarte a tí que dejar de vivir
me duele más tu adiós
que el peor castigo que me imponga Dios.
No puedo ni te quiero olvidar
ni a nadie me pienso entregar
sería inútil tratar de huir
porque a donde voy te llevo dentro de mí.
El amor de mi vida has sido tú
mí mundo era ciego hasta encontrar tu luz,
hice míos tus gestos, tu risa y tu voz,
tus palabras, tu vida y tu corazón.
El amor de mi vida has sido tú,
el amor de mi vida sigues siendo tú,
por lo que más quieras no me arranques de tí,
de rodillas te ruego no me dejes así...
Por qué me das libertad para amar
si yo prefiero estar preso de tí,
quizá no supe encontrar la forma
de conocerte y hacerte felíz.
El amor de mi vida has sido tu
mi mundo era ciego hasta encontrar tu luz,
hice mío tus gestos, tu risa y tu voz,
tus palabras, tu vida y tu corazón.
El amor de mi vida has sido tú,
el amor de mi vida sigues siendo tú,
por lo que más quieras no me arranques de tí,
de rodillas te ruego no me dejes así...
Por más que pienso no puedo entender
porque motivo te pude perder
porque de pronto me siento perdido
en la espalda de tu olvido, tu silencio y tu desdén.
Fuente: musica.com
Oltre mezzo secolo fa, Alexis de Curvè (autore delittuosamente dimenticato) scrisse “Tempo di Roma”, romanzo autobiografico, toccante: uno dei “canti” più sublimi levati in onore di Roma, della Roma da lui conosciuta grosso modo fra il 1946 e il 1950. «La vida es dura para quien lo recuerda todo» ¿Seria de algún interés la descripción de un alma y de una época ?  Stazione Termini (Roma, 1959) Llegue a Roma a la Stazioni Termini ese año y cerca también me despedí en 1966 imaginando que era la ultima vez. Y lo fue.  |
| William Klein, Roma,1959 Al inicio el otoño de 1959 llegue Roma, no encontré mientras durante horas caminaba por esa hermosa urbe a Henri Cartier-Bresson cuando inmortalizaba en su futuro libro Roma 1959/Rome, 1959. No lo hubiese reconocido, hubiese pensado que era uno de esos miles de turistas que a cada momento con una cámara fotográfica en las manos retrataban cualquier cosa de la ciudad eterna. Roma con el tiempo crecería dentro de mi hasta ser hoy a 59 años de esa época las añoranza que me producen una profunda tristeza que es la penitencia que paga por no haber sabido vivir en esos años donde fascinado se me presentaba todo en su primera vez. Pero vi muchachas como las que fijo en el tiempo ese gran fotógrafo que fue William Klein |
ME HUBIESE GUSTADO VIVIR LA DECADA DE LOS SESENTA
Para Rafael Igor
El hubiese deseado vivir mi época. Muchos jóvenes de hoy en sus sueños le sería difícil imaginar los sucesos que marcaron la vida de mi generación: Revolución Cubana, Patricio Lumumba, Jean Paul Sartre, Edith Piaf, Viet-Nat,Ingmar Berman, Amenaza Atómica, Federico Fellini,Los Beatles, Mayo del 68,La Masacre de Tlatelolco, Che Guevara, Woodstock,Santana, Joan Baez,John Lennon, Violeta Parra, Nouvelle Vague francesa, Salvador Allende y tantos episodios más, películas, espectáculos y hechos. Me hubiese gustado decirle que la "mejor época de nuestras vidas es la que vendrá". En Venezuela, pese a todo, es posible construir una nueva sociedad. Creo que “el sujeto activo de esta revolución”; si es que la habrá, serán los mayores de 50 años. Muchos de ellos y ellas vivieron en medio de sueños, pueden convertir esa nostalgia en una poderosa e invencible “fuerza y motor de cambio”. Solamente en la WEB podremos recrear esa época donde los jóvenes creíamos que podíamos conquistar el cielo.
El hubiese deseado vivir mi época. Muchos jóvenes de hoy en sus sueños le sería difícil imaginar los sucesos que marcaron la vida de mi generación: Revolución Cubana, Patricio Lumumba, Jean Paul Sartre, Edith Piaf, Viet-Nat,Ingmar Berman, Amenaza Atómica, Federico Fellini,Los Beatles, Mayo del 68,La Masacre de Tlatelolco, Che Guevara, Woodstock,Santana, Joan Baez,John Lennon, Violeta Parra, Nouvelle Vague francesa, Salvador Allende y tantos episodios más, películas, espectáculos y hechos. Me hubiese gustado decirle que la "mejor época de nuestras vidas es la que vendrá". En Venezuela, pese a todo, es posible construir una nueva sociedad. Creo que “el sujeto activo de esta revolución”; si es que la habrá, serán los mayores de 50 años. Muchos de ellos y ellas vivieron en medio de sueños, pueden convertir esa nostalgia en una poderosa e invencible “fuerza y motor de cambio”. Solamente en la WEB podremos recrear esa época donde los jóvenes creíamos que podíamos conquistar el cielo.
FRAGMENTOS DISPERSOS DE UNA MUERTE Y UN NACIMIENTO (TEXTOS VÍDEOS )
"Quizá lo más importante es lo que no recordamos de un modo preciso, quizás lo más importante lo recordamos de un modo inconsciente."
00:09
"Pero es el destino humano tan solo un episodio entre dos olvidos? 
"Cómo nos damos o evitamos darnos cuenta de las cosas. "
Tan misterioso es el llegar a ser como el dejar de ser con la muerte. Por consiguiente,¿no cabe alguna esperanza del hecho que nuestra ignorancia sobre nuestro origen se corresponde con la referente de nuestro destino? (Eccles)
¿QUÉ ES LO QUE MEJOR SE LE DA A UNA PERSONA MEDIOCRE?
Reconocer a otra persona mediocre. Juntas se organizarán para rascarse la espalda, se asegurarán de devolverse los favores e irán cimentando el poder de un clan que seguirá creciendo, ya que enseguida darán con la manera de atraer a sus semejantes. Lo que de verdad importa no es evitar la estupidez, sino adornarla con la apariencia del poder. “Si la estupidez […] no se asemejase perfectamente al progreso, el ingenio, la esperanza y la mejoría, nadie querría ser estúpido”, señaló Robert Musil.
"Debemos insistir, por más evidente y claro que pueda parecer, en que el conocimiento aislado obtenido por especialistas en un campo limitado del saber carece en sí de todo valor. Su único valor posible radica en su integración con el resto del saber y en la medida en que nos ayuda a responder a la más acuciante de las preguntas: ¿Quién soy yo? "
ERWIN SCHRODINGER
"nuestra propia mente es capaz, a través del procesamiento inconsciente, de procesar una cantidad infinitamente mayor de información e incluso, si es necesario, lo hace organizándola en unidades con significado para que pueda ser utilizada por la consciencia. Mandler (1992)
El inconsciente desde el punto de vista cognitivo
Juan Pedro Núñez
“La facilidad con que una sociedad desprecia, y hasta sepulta, las visiones discrepantes depende evidentemente del conjunto de lagunas compartidas por sus ciudadanos. No nos damos cuenta de lo que nos desagrada ver y tampoco nos damos cuenta de que no nos damos cuenta.”
Daniel Goleman
1962 Urbino
Tres hechos que cambiaron mi vida iniciando un camino que hoy a tantos años retomo y trato de analizar. En ese momento leí presurosamente el libro de Musil "El hombre sin cualidades" oyendo con frecuencia mvt 3 de Symphony No 3 de Brahms . El impacto que significo la película Jules e Jim ; ninguno de estos tres hechos fueron realmente algo mas que una lectura,una audición, una vision; no estaba para nada consciente de lo que significarían esas tres obras de arte en mi vida.
Flaubert Dios está en los detalles
desde la plenitud ansia plenitud"
R, Musil
«De hecho –según afirma el neurocientífico Monte Buchsbaum–, una de las funciones más importantes del córtex cerebral consiste en seleccionar y filtrar el abrumador exceso de información que el ojo, el oído y el resto de los sentidos pueden llegar a verter sobre el sistema nervioso central.»
*
55 años después entiendo que "Brahms tiene la melancolía de la incapacidad; no crea desde la plenitud ansia plenitud" y en Musil “la ironía no es un gesto de superioridad sino una forma de lucha”,leyendo a Paul Mommaers "El hombre sin atributos, "es una novela de amor que se presenta explícitamente como una aventura mística, una mística sin Dios, en la que los amantes se unen conjuntamente con la naturaleza".
"Quizá lo más importante es lo que no recordamos de un modo preciso, quizás lo más importante lo recordamos de un modo inconsciente."
Puedo decir como otros parrafeando: DESTINO, que Musil llegara a mis manos a los diecinueve años. En el momento de mi evolución. En momentos que su mundo me sirvió para ocultar/evadir/mitigar el sufrimiento que padecía. No fue una lectura concienzuda más bien ligera, pero cada palabra de las miles que contenían sus 1.600 páginas fueron esculpidas en mí ser desde entonces a cada momento comenzaron a brotar en mis juicios, pensamientos y escritos, sin saber de donde provenían.
Hoy a 75 años leyendo los Diarios de Robert Musil y otros textos entro en la profundidad tanto de la película Jules e Jim y el romance de Musil. La película despertó sentimiento estéticos, me gustaba su belleza pero no entendía que a través de esa contemplación absorbía lo que provenía de la obra maestra de Truffaut como de Henri-Pierre Roché un autor capaz de escribir ardientemente sobre una pasión cincuenta años después de los acontecimientos, que narra la relación que el mismo escritor (Jim) mantuvo con Franz Hessel (Jules) y su mujer Helen Grund (Catherine). En la vida real, Franz y Helen no tuvieron una hija, sino un hijo.
No recuerdo haber leído ni escuchado:
“ Mi pequeña Catherine. A veces me haces pensar en una obra china que vi antes de la guerra. Al alzarse el telón, el emperador se inclina hacia el público y le confiesa: "están viendo al hombre más desdichado del mundo porque tengo dos esposas. La primera esposa y la segunda".
Hoy puedo entender eso.
En ese momento era imposible.
Ni esta definición de sus películas”
“No hago mis películas pensando en un público intelectual; son películas para todo el mundo, creo. Son películas que pretenden ser populares; intentan interesar al espectador por cosas pertenecientes al ámbito de los sentimientos, de las emociones y de la afectividad.”
No siempre podemos imponer lo que sabemos sobre lo que decimos. Los medios de la expresión pertenecen al mundo en que nos encontramos viviendo.Por eso, “el mundo en que nací” es el tema más abarcante que uno puede plantearse.
Hans Blumenberg Conceptos en historias.
Roma hace 50 años ...
Medio siglo ... un par de generaciones ... unos pocos o muchos años, pero para aquellos que estaban allí y para los que no, una oportunidad de respirar el aire de Roma de esos años simples con ritmos más sobrios, sin teléfonos celulares, internet y redes sociales ... para conocerte y reconocerte ...
¿UNA MUESTRA DEL DESTINO QUE LE ESPERABA A HOPPER?
Una frase un tanto coloquial asegura que “infancia es destino”, y aunque la afirmación merece discutirse y matizarse, lleva algo de razón. Durante esos primeros años de nuestra vida se sientan las bases de mucho de lo que después tomará forma en actos concretos, en decisiones que creemos tomar conscientemente, en equívocos y tropiezos pero también en logros y alegrías. Y quizá lo más paradójico de este proceso es que nunca se sabe. Por más que desde hace unos años existe una amplia aprehensión en torno a la “crianza” y la educación de los hijos, lo cierto es que nunca se sabe: la coincidencia de circunstancias en la vida de una persona es tan amplia, tan azarosa, que nunca se sabe.
Con esta breve reflexión quisimos acompañar la reproducción digital de este boceto, un dibujo sumamente elocuente que si bien pertenece a un “gran artista”, sorprende aún más por el momento en que fue realizado: nada menos que cuando ese gran artista tenía apenas 9 años y tomó su boleta de calificaciones, la volteó y comenzó a dibujar. Un niño como él quizá, un niño como el adulto que sin saber sería después, atraído por la soledad y la tristeza, por esos vagabundos del dharma que cenan solos en un merendero cualquiera en plena madrugada, que pasan sus domingos mirando por la ventana del cuarto donde viven o que comparten con otros sus penas de amor pero siempre desde un aislamiento que parece imbatible.
EDWARD HOPPER HIZO ESTE DIBUJO A LOS 9 AÑOS, AL REVERSO DE SU BOLETA DE CALIFICACIONES
¿Infancia es destino? Quizá queremos decir que no podemos saberlo porque, en el fondo, estamos seguros de que es así, pero preferimos pensar que las cosas serán diferentes.
El dibujo es parte de un archivo de más de mil piezas que hace unas semanas(Enero de 2018) recibió la Edward Hopper House, la casa-museo en Nyack, Nueva York, donde el pintor nació y creció y que desde hace varios años se habilitó como museo, tanto para dar a conocer como para difundir la vida y obra del pintor.
http://pijamasurf.com/2018/01/edward_hopper_hizo_este_dibujo_a_los_9_anos_al_reverso_de_su_boleta_de_calificaciones/
Al respecto señala Claudio Magris: «El estilo de la decadencia, o sea —en el contexto de la frase de Nietzsche [se refiere a la frase nietzscheana según la cual la vida ya no reside en la totalidad]— de la modernidad, es sentido por Musil como una expresión fragmentaria, adecuada a una vida que no conoce ya unidad alguna. La palabra que se emancipa de la frase, la frase que se libera de la página y la página que se rebela ante el conjunto de la obra obedecen, también para Musil a aquella demanda de «iguales derechos para todos» que reivindica cada detalle del bullicio vital contra todo proyecto unitario de la razón y la voluntad, contra todo intento de imponer una unidad de sentido y de valor, y por lo tanto un orden, a la multiplicidad e indeterminación de la vida, contra toda tentativa de constreñir la ilimitación informe de ésta a un entero dotado de confines precisos.»,
C. Magris (1993), p. 240.
Il Grido. 1957
Truffaut parla del film Jules et Jim, sub Ita
Sobre la disolución del hombre en la modernidad y la reflexión de Musil afirma Josep Casals: «Agarrotada por la osificación burocrática, en el momento presente «la democracia no es soberanía del demos sino la de sus organizaciones parciales»; lo que se expresa en ella ya no es la voz de los ciudadanos sino una voz anónima y condicionada por la burocracia, las leyes, los periódicos, las instituciones económicas... El individuo, apurado en un tejido tan compacto que inmoviliza toda voluntad individual, desplaza a una organización o al Estado «la carga de la propia dignidad», y el Estado responde tratando de modo puramente administrativo los problemas humanos. El dossier y el fichero, las herramientas de los periodistas y burócratas, son los símbolos de esta actitud que reduce los problemas a formulismos y que erradica toda sombra de complejidad espiritual. La época desvaloriza al individuo ¿nos dice Musil en Der Mann ohne Eigenschaften? «sin poder resarcir la pérdida mediante nuevas aportaciones de orden comunitario.» El resultado de todo es la serialización.», J. Casals (2003), pp. 328-329.
De este modo, cuando Ulrich acomete el asunto de la santidad y del misticismo desde una visión irónica, como nos informa el narrador, leemos: «—Los santos dicen: antes estaba encerrado, luego me arranqué de mí mismo y, sin conocimiento, me sumí en la divinidad. Los emperadores, al ir de caza (como nos decían nuestros libros de lectura), lo describen de otra forma: cuentan que se les apareció un ciervo con una cruz en la cornamenta, y que entonces el venablo asesino se les cayó de las manos; y luego mandaron construir una capilla en aquel lugar, para poder así continuar cazando. Y las damas inteligentes y ricas que yo frecuento, si se te ocurriera preguntárselo, te contestarían inmediatamente que el último que pintó tales experiencias fue Van Gogh. Puede que, en lugar de hablar de un pintor, te mencionen a Rilke; pero en general prefieren a Van Gogh, que supone una magnífica inversión y que se cortó la oreja porque su pintura le parecía insuficiente al lado del fervor de las cosas. Por el contrario, en nuestro pueblo, la mayor parte de la gente diría que cortarse la oreja no es expresión de un sentimiento alemán, sino que más bien lo sería el inconfundible vacío de la visión desde lo alto, sentido cuando uno se sube a la cumbre de una montaña. Para ellos, la soledad, las florecillas y los riachuelos rumorosos son la suma y el compendio de la elevación humana. E incluso en esta disposición noblemente bovina del goce de la naturaleza en crudo reside la última y mal comprendida consecuencia de una segunda vida misteriosa que, después de todo, tiene que existir o haber existido realmente. — En este caso, sería mejor que no te burlaras —objetó Agathe, sombría por el afán de saber y radiante de impaciencia. —Sólo me burlo porque lo amo —replicó brevemente Ulrich.»36 Dicenda.
Cuadernos de Filología Hispánica 123 2004, 22 109-128 Mauro Jiménez La novela filosófica a propósito de El hombre sin atributos de Rober Musil 36 R. Musil (2001), vol. 2, pp. 99-100
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QUIEN ERA CARYL CHESSMAN (FAMOSO CASO JUDICIAL )
En mayo del 2001, Ruben Patterson, un jugador profesional de los Seattle Supersonics de la NBA, fue condenado por intento de violación luego de haber forzado a la niñera de sus hijos a realizar un acto sexual sobre él. El castigo de Patterson que la ley le impuso fue una sentencia en suspenso que consistía en 15 días de arresto domiciliario (probablemente sin la niñera en casa) y 5 partidos de suspensión en la temporada de la NBA. "No soy ningún violador" dijo Patterson de manera elocuente a la prensa que asistía a la firma de su contrato por $33.8 millones de dólares con los Portland Trail Blazers. "Soy un gran tipo".
En junio de 1948, un insignificante ladrón y criminal de 27 años de edad llamado Caryl Chessman fue sentenciado en dos estados diferentes por el mismo crimen por el cual Ruben Patterson fue juzgado.
En el caso de Caryl Chessman, la condena recibida fue: doble pena de muerte. En los 12 años que transcurrieron entre su sentencia y su ejecución en la cámara de gas, Chessman vivió en la cárcel de San Quintín. Su dirección era: Celda 2455 en Pena de Muerte.
Caryl Chessman sentenciado
Durante ese tiempo trabajó sin cansancio en sus libros, verdaderas obras de historia legal americana, las cuales hoy no han podido ser igualadas. En esos años escribió tres memorias: Cell 2455 Death Row (1954, vendió más de un millón de copias), Trial by Ordeal (Juzgado por Dios, 1955), The Face of Justice (La cara de la Justicia, 1957); y una novela: The Kid Was A Killer (El chico era un asesino, 1960) más numerosos artículos jurídicos de gran importancia legal.
Chessman, pudo haber sido inocente de los crímenes por los cuales se lo ejecutó. Esos crímenes (dos asaltos sexuales) fueron derivados de una larga cadena de pequeños robos y asaltos cometidos.
El sobrenombre con el cual fué conocido Caryl Chessman era: El bandido de la Luz Roja Red Light Bandit"sobrenombre que se ganó al conocerse su modus operandi: las "Villa Cariño" de las afueras de San Francisco eran regularmente visitadas por un supuesto policía que utilizaba una luz roja en el techo de su automóvil.
Éste se acercaba a las víctimas estacionadas y se daba a conocer como policía, situación que aprovechaba para robar dinero y artículos de valor de las víctimas y, algunas veces conducía a la mujer hacia otra área y las obligaba a realizar actos sexuales con él.
Sin embargo, la descripción física que dieron las víctimas sobre su agresor no coincidía con el aspecto de Chessman, y Caryl nunca pudo ser identificado por las mujeres agredidas en las ruedas de presos en las cuales Chessman fue incluido.
Esto no significa que Caryl Chessman fuese un inocente, porque eso no minimiza el daño y el sufrimiento de quienes fueron sus víctimas, pero él argumentó convincentemente durante 12 años que era inocente de los crímenes específicos por los cuales se lo condenaba a muerte. "Yo no soy un violador, nunca lo he sido. Yo soy un ladrón."
El inusual caso, junto a la enorme popularidad de los libros de Caryl Chessman, llevaron que la gente se volcara a su favor y saliera a las calles a reclamar el cambio de su condena. Entre los reclamos que se hacía, se intentaba convencer a las autoridades penales y estatales del cambio de conducta que Chessman había logrado tras 12 años en prisión. Se escribió un petitorio de alcance mundial por su cambio de sentencia, entre los que firmaron el petitorio se encontraban: Eleanor Roosevelt, Pablo Cassals, Ray Bradbury, Norman Mailer, Dwight MacDonald and Robert Frost.
Quien era Caryl Chessman
![[Chessman_4.jpg]](https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjG4IBqdViMihrfIdZ1DsK81X7IYntUUmmHKQqjpbBMyOJwvs6XYiEjKehFefUKwYgDqzbLTEulspz7AQeQLdQ7F09MsOjCcOBlm1QPw5YP4N4_ZKQPFpDKsCe3LJN-bHDUiDU8fRM7Riw/s320/Chessman_4.jpg) |
Mientras vivía en prisión, sus libros fueron traducidos a numerosos idiomas; periodistas de toda América y Europa venían a entrevistarlo periódicamente; los artistas populares de la época como Ronnie Hawkins escribieron canciones ("The Ballad of Caryl Chessman" para ayudar a librarlo de la pena de muerte que, luego de 8 intentos abortados e incontables demoras legales después, le llegó. La balada rezaba: "Que lo dejen vivir... que lo dejen vivir."
Irónicamente, el gobernador de California que finalmente autorizó la ejecución de Chessman alegando que sus manos estaban atadas, era un ferviente opositor de la pena capital. El 2 de mayo de 1960 Caryl Chessman fue ejecutado en la cámara de gas en la prisión de San Quintín. Afuera, la gente se había agrupado en señal de protesta a la espera de un cambio de rumbo de la situación. En el frente de la cárcel se encendió simbólicamente la llama de la vida y los medios se hicieron eco de la protesta reclamando por un nuevo juicio.
https://www.taringa.net/posts/info/13943725/Quien-era-Caryl-Chessman.html
Cambios indiscriminados
El juicio original fue conducido bajo una nube de sospechas y Chessman cometió el error de representarse a sí mismo en la corte. Durante el proceso, la estenógrafa de la corte falleció cuando un tercio de los procedimientos había sido transcrito; los dos tercios restantes de la transcripción fueron hechos por un familiar del abogado acusador, sin la aprobación de Chessman. Este familiar, un alcohólico crónico, hizo cambios indiscriminados e incluso fue incapaz de interpretar su propia letra manuscrita en la lectura final. En resumen, aquello fue un ejemplo del más vulgar travestismo burocrático.
Casi al final del libro The Face of Justice, cuando la muerte se aproximaba nuevamente en 1957, Chessman sostuvo que había “preparado un paquete especial, el cual guardé en un lugar en que no puede ser hallado, editado, suprimido o destruido contra mis deseos. Ese paquete es la evidencia que muestra indiscutiblemente que yo no soy el ´Bandido de la linterna roja´.
http://www.operamundi-magazine.com/2010/02/caryl-chessman-una-larga-pena-de-muerte.htm
Gente de Noantri
#Video
... como dos viejos amigos sentados en el bar compartiendo "una gota" de recuerdos. Una brisa de nostalgia que se escapa de los cajones de la memoria y de repente ... fluyen imágenes antiguas, que se enmarcan con las notas del "Maestro Morricone".
Sí, porque ... no solo hubo una vez Occidente o América ... sino también Trastevere y este es el distrito donde también nació Ennio. La amistad con Sergio Leone, entre los pupitres de la escuela, madurando su sensibilidad musical entre juegos y visiones, en nuestros callejones.
Este video quiere ser nuestra pequeña y modesta contribución, para él y para los grandes y pequeños fotógrafos, para las fotos de clase y los robados, que en varias épocas, desde el período de posguerra hasta el final de los años 70 ... y han dejado un recuerdo precioso de ello ...
CANCIONES,TEXTOS NOSTALGIA
AÑOS PREVIOS
Tema: Sous le ciel de Paris (Bajo el cielo de París)
Autor/Intérprete: Jean Dréjac (Letra) Herbert Giraud (música)/ Edith Piaf, Yves Montand
Año de Lanzamiento: 1954
Comentarios: Una de las canciones más hermosas dedicadas a París en toda la historia de la música, no sólo porque su fondo musical recuerda sonidos propios de las tradiciones parisinas, con el acordeón tipicamente presente en la chanson francesa sino porque su letra exalta con propiedad el espíritu y los espacios de la París más tradicional. Esta canción tuvo a dos grandes intérpretes, quienes le dieron la fama que tuvo en Francia y Europa: Edith Piaf y al cantante francés de origen italiano Yves Montand.
LES FEUILLES MORTES
Título: Les feuilles mortes (Las hojas muertas)
Autor/intérprete: Jacques Prévert, Joseph Kosma/ Edith Piaf, Yves Montad, et al.
Año de Lanzamiento: 1945
Comentarios: Una de las canciones más reproducidas de la música francesa. Llega a su máxima expresión con la interpretación de Yves Montad y de Edith Piaf, dos de los más célebres exponentes de la chanson. Ha tenido diferentes traducciones, siendo las más conocidas en inglés (Automn Leaves) y en español (Las hojas muertas), interpretada por Julio Jaramillo. Una canción nostálgica que con sentido metafórico recuerda a los amores pasados, aquellos que murieron inevitablemente, como muere una hoja y cae de su árbol.
Ver ý escuchar interpretación de Yves Montand en el famoso salón parisino de L'Olympia aquí.
Escuchar la interpretación de Edith Piaf aquí.
LE CHANT DES PARTISANS
Tema: Le Chant des Partisans (El Canto de los Partisanos)
Autor/Intérprete: Leonard Cohen/ Leonard Cohen feat. Noir Désir
Año de Lanzamiento: N.D.
Comentarios: Confundida por su título con la canción que sirvió de himno a la Resistencia francesa durante la segunda Guerra Mundial, esta composición del poeta canadiense Leonard Cohen e interpretada por él mismo y la banda de rock francesa Noir Désir no tuvo la acogida esperada más por desconocimiento y porque realmente su objetivo no fue comercial. The Partisans, como también se le conoce, está cantada en inglés y francés y relata, al igual que la canción que la inspiró, acontecimientos de la invasión de la Alemania Nazi a Francia, en 1944.
Ver vídeo aquí.
When they poured across the border
I was cautioned to surrender
This I could not do;
I took my gun and vanished.
Cuando ellos cruzaron la frontera
Fui conminado a rendirme
Pero eso era algo que no podía hacer;
Tomé mi arma y disparé.
I have changed my name so often
I've lost my wife and children
But I have many friends,
And some of them are with me
Cambié varias veces de nombre,
Perdí a mi esposa y a mis hijos
Pero tengo tantos amigos,
Y muchos de ellos están aquí conmigo.
And old woman gave us shelter,
Kept us hidden in the garret,
Then the soldiers came;
She died without a whisper.
Una anciana nos dio hospedaje,
Nos mantuvo escondidos en el desván,
Pero entonces llegaron los soldados;
Ella murió sin musitar palabra.
There were three of us this morning
I'm the only one this evening
But I must go on;
The frontiers are my prison.
Eramos tres esta mañana
Ahora soy el único en la noche,
Pero debo continuar;
Las fronteras son mi prisión.
Oh, the wind, the wind is blowing,
Trhu the graves the wind is blowing,
Freedom soon will come,
Then we'll come from the shadow!
Oh, el viento, el viento sopla
A través de las cavernas el viento sopla,
La libertad pronto vendrá,
Entonces volveremos de las tinieblas!
Les allemands étaient chez moi,
Ils me dissent: "resigne-toi",
Mais je n'ai pas peur;
J'ai repris mon arme.
Los alemanes estaban en mi casa,
Me dijeron: "resígnate"
Pero no sentí miedo;
Volví a tomar mi arma.
J'ai changé cent fois de nom,
J'ai perdu femme et enfants
Mais j'ai tant d'amis,
J'ai la France entière!
He cambiado cien veces de nombre,
He perdido a mi esposa y a mis hijos,
Pero tengo muchos amigos,
Tengo a toda Francia!
Un viel homme dans un grenier
Pour la nuit nous a caché,
Les allemands l'ont pris,
Il est mort sans surprise.
Un anciano en un granero
Por la noche nos escondió,
Los alemanes lo capturaron,
Murió sin sorpresa.
Oh, the wind, the wind is blowing,
Trhu the graves the wind is blowing,
Freedom soon will come,
Then we'll come from the shadow!
Oh, el viento, el viento sopla
A través de las cavernas el viento sopla,
La libertad pronto vendrá,
Entonces volveremos de las tinieblas!
NATHALIE
Tema: Nathalie
Autor/intérprete: P. Delanoë, Gilbert Bécaud
Año de Lanzamiento: 1964
Comentarios: Si no es la canción más famosa de Monsieur 100 000 volts, quizás es la canción que lo impulsó a ser uno de los cantantes franceses más recordados y una de las canciones mejor recordadas por el público internacional del compositor y cantante nacido en Toulon, Francia y muerto en París en 2001. Esta canción describe el amor de un parisino por su guía moscovita en la era soviética, en plena Plaza Roja de Moscú y de allí la dedicatoria de estas letras que describen el recorrido por la mítica ciudad.
Ver vídeo aquí.
La place Rouge était vide
Devant moi marchait Nathalie
Il avait un joli nom, mon guide:
Nathalie...
La plaza roja estaba vacía
Delante mío caminaba Nathalie
Qué bello nombre tenía ella, mi guía:
Nathalie...
La place Rouge était blanche
La neige faisait un tapis
Et je suivais par ce froid dimanche
Nathalie...
La plaza Roja estaba de blanco
La nieve hacía una alfombra
Y seguía aquel frío domingo
A Nathalie...
Elle parlait en phrases sobres
De la révolution d'octobre
Je pensais déjà
Qu'après le tombeau de Lénine
On irait au café Pouchkine
Boire un chocolat...
Ella me hablaba sobriamente
De la revolución de octubre
Yo ya pensaba
Que después de la tumba de Lenin
Iríamos al Café Pouchkine
A beber un chocolate...
La place Rouge était vide
Je lui pris son bras, elle a souri
Il avait des cheveux blonds, mon guide
Nathalie... Nathalie
La plaza Roja estaba vacía
Le tomé su brazo, ella sonrió
Tenía cabellos rubios, mi guía
Nathalie...Nathalie
Dans sa chambre à l'université
Une bande d'étudiants
L'attendaient impatiemment
On a ri, on a beaucoup parlé
Ils voulaient tout savoir Nathalie traduisait
En su habitación en la universidad
Una bandada de estudiantes
La esperaban impacientemente
Hemos reído, hemos hablado mucho
Querían saberlo todo, Nathalie traducía
Moscou, les plaines d'Ukraine,
Et les Champs-Élysées
On a tout mélangé et on a chanté
Et puis ils ont débouché
En riant à l'avance
Du champagne de France
Et on a dansé...
Moscú, las llanuras de Ucrania
Y los Campos Elíseos
Lo hemos mezclado todo y hemos cantado
Y después destapamos
Mientras reíamos al hacerlo
Champaña de Francia
Y bailamos...
La, la la...
Et quand la chambre fut vide
Tous les amis étaient partis
Je suis resté seul avec mon guide,
Nathalie...
Y cuando la habitación quedo vacía
Cuando todos los amigos se habían ido
Quedé solo con mi guía,
Nathalie...
Plus question de phrases sobres
Ni de révolution d'octobre
On n'en était plus là
Fini le tombeau de Lénine
Le chocolat de chez Pouchkine
C'était loin déjà...
No era asunto de frases sobrias
Ni de revolución de Octubre
No estábamos allá
Adios a la tumba de Lenin
Al chocolate de la casa de Pouchkine
Eso estaba ya lejos...
Que ma vie me semble vide
Mais je sais qu'un jour à Paris
C'est moi qui lui servirai de guide,
Nathalie... Nathalie
Ay que mi vida me parece simple
Pero yo sé que un día en París
Seré yo quien le sirva de guía,
A Nathalie...Nathalie.
JE T'ATTENDS
Título: Je t'attends (Te espero)
Autor/Interprete: Charles Aznavour, Gilbert Bécaud/Gilbert Bécaud
Año: 1963
Mes jours passent, mes nuits pleurent
Et pleure le temps
Ma raison sombre et se meurt
Quand meurt le temps
Ce temps mort que je regrette
Tant et tant
Car sans joie ma vie s'arrête
Et je t'attends
J'attends l'air que je respire
Et le printemps
J'attends mes éclats de rire
Et mes vingt ans
Mes mers calmes et mes tempêtes
En même temps
Car sans joie ma vie s'arrête
Et je t'attends
Je t'attends
Viens ne tarde pas
D'où que tu viennes, qui que tu sois
Viens le temps est court
Je t'attends
Mon rêve inconnu
Quel est ton nom, quel est ton but
Le mien c'est l'amour
Pour que mes jours se transforment
Et que vraiment
Ma vie par toi prenne forme
A chaque instant
Parce que le vide me hante
Avec mon sang
Comme un peintre je t'invente
Et je t'attends
Mes doigts par petites touches
Font tes dents
Avant de croquer ta bouche
Eperdument
Mais ces rêves ne me laissent
Que tourments
Car je traîne ma détresse
Et je t'attends
Te espero
Pasa el tiempo y sin ti no sé vivir
la razón es para mí siempre sufrir
y ahora el viento al pasar me da a entender
que en la vida sólo a ti esperaré.
Yo recuerdo tu mirar y tu besar
tu sonrisa bajo el sol primaveral
estoy solo sin saber lo que tú harás
en mi alma hay dolor al esperar.
Ven... a mí ven no tardes más
ven por favor te ruego yo
no podré esperar ven a mí
yo quiero saber si has de venir
por fin así dímelo amor.
Es la herida que envejece sin piedad
más mi amor siempre será eternidad
en mis blancas noches tú revivirás
el recuerdo de mi amor al despertar.
En mi mente siempre como un altar
y tu rostro grabo en mí para soñar
el momento ha de llegar muy pronto ya
y veré la realidad al despertar.
Ven... ven a mí ven, ven no tardes más
ven por favor te ruego yo no podré esperar
ven... oh ven a mí yo... yo quiero saber
si has de venir por fin así dímelo amor.....
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NOSTALGIAREGRESARE A ROMA DESPUÉS DE 60 AÑOS ?
Hoy amanecí realista preguntándome que iría a buscar a Roma un hombre de 76 o 78 años próximo a la muerte a esa ciudad que es tan distinta a la que conoció en los 1959-1961? A intentar de encontrar en sus muros, calles y monumentos destellos de lo sentimientos que lo estremecieron hace 60 años? Podría ser el capítulo final para cancelar agónicamente la penitencia que hasta ahora ha sido benigna.
Aquella ciudad era la capital de un país Campesino-industrial se estaba trasformando en Industrial-campesino. Pero ni antes ni ahora he creído que Roma sea una sola; son varias ciudades conviviendo o amontonadas.
Cada barrio tiene sus peculiaridades y las afueras de la ciudad también. Ningún escrito o película las abarcaría todas; cuando mucho han retratado partes de esa ciudad. Vasco Pratolini con su hermoso libro Il mio cuore a Ponte Milvio (1954) presento poéticamente la parte políticamente empeñada, Pier Paolo Pasolini presento los suburbios, sus habitantes y su idiosincrasia en libros sus novelas Muchachos de la calle (1955), Una vida violenta (1959) y Mujeres de Roma (1960) y en sus películas Accattone (1961) Este joven como miles de ragazzi di vita está condenado al fracaso. Demasiado voluble, demasiado inconstante, demasiado ocioso, demasiado pasional.
¿COMO ERA ROMA HACE 55 AÑOS?
¿COMO ERA ROMA HACE 55 AÑOS?
Mamma Roma (1962) retrato de los seres que moraban los suburbios proletarios como aquél en el que halló el fin de sus andanzas vitales. De los tugurios se movían los jóvenes malhechores, los parias sociales y delincuentes de poca monta y en la película de Pietro Germi Un maldito embrollo (Un maledetto imbroglio) donde el comisario Ingraballo se encarga del caso e irá desvelando las miserias de todos los que están en mayor o menor grado involucrados, entre ellos la bella Claudia Cardinale y su novio electricista.es otra Roma. Y en pocos momentos llegamos a la Roma de La Dolce Vita(1960) de Federico Fellini. Roma es la ciudad protagonista, la de la dolce vita se vive en fiestas nocturnas, en las calles a ritmos veloces, en el chismorreo o en los cabarets. No es la vida de las casas de familia ni la del comercio o la del trabajo; tampoco la del estudio o la de la ciencia.
Amore, amore, amore, amore mio… (“Amor, amor, amor, amor mío…”)
In braccio a te me scordo ogni dolore… (“En tus brazos me olvido de mis penas”)
Voglio restar(e) con te… (“Quiero quedarme contigo”…)
Sinnó mi m(u)oro… (“Si no me muero…”)
Voglio restar(e) con te… (“Quiero quedarme contigo”…)
Sinnó mi m(u)oro… (“Si no me muero…”)
Fotograma de la película Mamma Roma de Pasolini.
"Los vicios y falsa moral de unos personajes miembros de la burguesía italiana, ofreciendo además un “canto de piedad” hacia la clase obrera italiana, empobrecida, “malvivente”, y en ocasiones rozando la “borgata”, esto es “estando en el arroyo”, con algunos personajes que son a la vez novios y chaperos; sentimentales y gigolós; inofensivos y asesinos…
En un edificio “perbene” situado en Piazza Farnese de Roma, el Comisario Ingravallo (Pietro Germi) investiga el robo en casa del apartamento de Fumi (Peppino de Martino) y pronto descubre el interés que tiene el propietario en ocultar la verdad, ya que teme un escándalo si la prensa desvela su carácter afeminado, protegiendo así al chapero que le ha robado."
La película es un retrato rápido y visionario de Roma hecho mediante los recuerdos de un joven de provincias que llega a la estación de Termini, poco antes de la Segunda Guerra Mundial. Roma se nos muestra como realidad multiforme, interminable y contradictoria a través de una serie de escenas y personajes heterogéneos: desde un desfile de moda eclesiástica a la recreación de los prostíbulos, desde los enfrentamientos con la policía hasta el atasco en la autopista A90, con un estilo que pasa del lirismo a la sátira, de la nostalgia a lo truculento sin solución de continuidad.
a
Tráiler:
COMENTARIOS DE ESA ÉPOCA
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| Foto di Marcello Geppetti © MGMC/dolceVita GALLERY |
La Fontana di Trevi
"Cuando hablamos de «Dolce Vita» el término nos evoca fiesta, glamour, noches locas por Vía Veneto en la grandiosa película de Federico Fellini con ese fantástico Mastronianni ejerciendo de cronista de la vida social romana. Escéptico y con una frustrante sensación de fracaso, rodeado de personajes que bajo su apariencia fascinante son casi tan inútiles y fracasados como él. Pero lo que nunca olvida el espectador es esa icónica escena del baño de Anita Ekberg en la Fontana di Trevi, de una exuberancia plástica que deslumbra." ( https://www.larazon.es/lifestyle/gente/la-dolce-vita-significa-roma-BA14054360)
Otro de los referentes es Vía Condotti y la emblemática joyería Bulgari, que adquirió su máximo esplendor en los años de la «Dolce Vita», a lo que sin duda ayudaron muchas de las actrices que trabajaban en Roma, ya que en esos años se convirtió en el destino de las grandes productoras de Hollywood, en los famosos estudios Cinecittà, y también el lugar de moda a donde acudían la aristocracia internacional y los intelectuales como Henry Miller o Tennessee Williams.
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| Via Veneto |
Brigitte Bardot, Ava Gardner, Audrey Hepburn, Clark Gable o Charlton Heston aterrizaron en Roma cuando los estudios de Cinecittà eran el centro de la cinematografía europea. Entre toma y toma se perdían por las calles de Roma, iban de compras, solos o con sus familiares y casi siempre escondidos tras unas enormes gafas de sol. Les rodeaban miles de ojos que buscaban recuperarse de la amargura de la posguerra con la fascinación por ese nuevo mundo, el del cine, en el que todos los sueños eran posibles y que incurrió repentinamente en Roma
El milagro italiano
"Mientras en aquella década Italia lograba abandonar lentamente la mísera posguerra (con la ayuda del Plan Marshall americano y de un modo irregular para la castigada población), las imágenes de los divos del cine por las calles de la capital difundían, en una sociedad aún muy provinciana, una imagen de frívola modernidad que atraía y escandalizaba por igual.
Tras la exitosa Ben-Hur (William Wyler, 1959), la carísima Cleopatra (Joseph L. Mankiewicz, 1963) será la última gran película rodada en Cinecittà. A partir de entonces decae el interés por las superproducciones históricas, y el auge de la televisión transforma el escenario audiovisual. La fiesta romana toca a su fin, y la beautiful people se va con la música a otra parte."
Este texto se basa en un artículo publicado en el número 555 de la revista Historia y Vida.
Personajes de esa época :
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Audrey Hepburn
Asistió al estreno en Roma de Desayuno con diamantes (Blake Edwards). La capital italiana sería su residencia durante varios años.
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| Federico Fellini Con su obra La dolce vita, el director italiano retrató la desenfrenada vida de la Roma de los años sesenta. La película fue un éxito, pero despertó feroces críticas de los sectores más conservadores.
Brigitte BardotLa mas famoso actriz francesa de esos años Brigitte Bardot visitó en varias ocasiones la ciudad de Roma. A principios de los sesenta participó en diversas producciones franco-italianas, como La verdad o A rienda suelta. |
LAS BELLAS CANCIONES ITALIANAS DE TODOS LOS TIEMPOS ( I )
Enrico Carico - TORNA A SURRIENTO di (E. De Curtis, G. De Curtis ) 1904
Una furtiva lagrima Negli occhi suoi spunto: Quelle festose giovani Invidiar sembro. Che piu cercando io vo? Che piu cercando io vo? M'ama! Sì, m'ama, lo vedo, lo vedo. Un solo instante i palpiti Del suo bel cor sentir! I miei sospir, confondere Per poco a' suoi sospir! I palpiti, i palpiti sentir, Confondere i miei coi suoi sospir Cielo, si puo morir! Di piu non chiedo, non chiedo. Ah! Cielo, si puo, si puo morir, Di piu non chiedo, non chiedo. Si puo morir, si puo morir d'amor.
"Nel Blu Dipinto Di Blu" (Volare) 1958 - Domenico Modugno originale con Testi Lyrics - Cantare
«Che sarà» —en español: «¿Qué será?»— es una canción escrita por los autores italianos Jimmy Fontana y Franco Migliacci e interpretada por José Feliciano
CANCION DE 1974; DEL GRUPO ITALIANO: I SANTO CALIFORNIA
ITALIA DESPARECIDA LA DE LOS AÑOS 60 Pasolini, un caso excepcional
Pier Paolo Pasolini llega al cine y nos deja “Accatone” (1961) donde el viejo neorrealismo se inserta en los barrios marginales para ofrecer su aproximacín desencantada del subproletariado. Pasolini hace neorrealismo en “Accatone” y lo continúa en su posterior “Mamma Roma”, con Anna Magnani, en el cual Leprohon señala que oscila entre “la generosidad de corazón y la critica social”. Pasolini es un marxista que logra empero la apoyatura de los elementos católicos próximos a la llamada izquierda. Su controvertida película “Teorema” logra la aprobación de la Oficina Católica del Cine, aunque aquí se expusiera el amor a través de un complejo simbolismo que equiparaba las relaciones homosexuales con la comunión.
Pero la gran cumbre de Pasolini parece ser “El Evangelio según San Mateo” donde logra conjugar el cristianismo con el marxismo, simbolizando una posición adoptada en los agitados años sesenta por buena parte del planeta.
Pero la gran cumbre de Pasolini parece ser “El Evangelio según San Mateo” donde logra conjugar el cristianismo con el marxismo, simbolizando una posición adoptada en los agitados años sesenta por buena parte del planeta.
Jesús en El Evangelio Según San Mateo (1964) Passolini
- La larga noche del 43
"Realización de Florestano Vancini, periodista de Ferrara, nacido en 1926, quien durante los cincuenta desarrolla gran actividad en el campo documental y en 1960 debuta en el largometraje con este título proveniente de un cuento de Giorgio Bassani, autor reiteradamente llevado al cine.
En su relato, escrito a comienzos de los cincuenta, Bassani narra el asesinato de once personas, ocurrido en Ferrara, en 1943, por parte de un violento grupo de fascistas de Bolonio y Verona.
El film desarrolla en forma paralela los aspectos políticos con una historia sentimental e introduce algún personaje que no estaba en la historia de Bassani.
Esta historia no solamente recreaba el pasado y utilizaba el entorno histórico para una historia, la de amor, cuyas características se proyectan más allá del tiempo y la época, sino que es también una crítica a la supervivencia de los elementos fascistas tras la guerra. Elementos que por supuesto no son ya fascistas sino que se han “camaleonado” debidamente; una crítica que tampoco es exclusiva de una nación o una etapa histórica."
http://sanjurjo-toucon.blogspot.com/2008/11/cine-italiano-de-los-comienzos-los-aos.html
- IL SORPASSO
"Si “Divorcio a la italiana” arroja su ácida mirada sobre el conservadurismo del sur de Italia y la ausencia de la ley de divorcio que perjudica a los habitantes de toda la península, en 1962 el realizador Dino Risi con “Il Sorpasso” entra a cuestionar toda una mentalidad surgida del “boom” económico. Es memorable la interpretación de Vitorrio Gassman, junto a Jean-Louis Trintignant y Catherine Spaak, presentando al vivillo por excelencia, al hombre que procura pasarla bien mientras se aprovecha de los demás. Estamos ante una variante del neorrealismo que no posee ya la descarnada mirada de los primeros años, ni la posterior actitud rosa de muchas comedias posteriores, sino que a través del humor vehiculiza una mirada testimonial, crítica y cuestionadora de aquel momento.·
http://sanjurjo-toucon.blogspot.com/2008/11/cine-italiano-de-los-comienzos-los-aos.html
PAOLO DI PAOLO CAPTÓ EN SUS FOTOGRAFÍAS LA ITALIA EN LOS AÑOS 50 Y 60 MARAVILLOSAMENTE- IL SORPASSO
http://sanjurjo-toucon.blogspot.com/2008/11/cine-italiano-de-los-comienzos-los-aos.html
Paolo de Paolo nos regala su mirada de una Italia muy alejeada de la Dolce Vita, nos acerca a una Italia impregnada de neorrealismo y de belleza.
"Siempre había querido ser profesor de Filosofía. Y la víspera de graduarme me enamoré de una Leica III C expuesta en un escaparate. Así comenzó esta aventura". El fotógrafo Paolo di Paolo (Larino, Italia, 1925) recuerda de esta forma el momento en que su vida cambió para siempre.
Ahora, el universo del genial artista, se puede disfrutar en la exposición "Paolo di Paolo: Lost World" formada por más de 250 imágenes, en gran parte invisibles hasta ahora, del archivo del fotógrafo.
Di Paolo relató la vida de su país tras la demoledora Segunda Guerra Mundial, una Italia que se abría en canal y que el cine supo canalizar en los maravillosos estudios de la Cineccitá.
Di Paolo abandera el espíritu neorrealista, que no era otro que el de una imperiosa necesidad de sinceridad, de describir la realidad tal y como era, y siempre con un nivel didáctico a nivel moral. Amamos su mirada en blanco y negro y tan llena de verdad.
https://culturainquieta.com/es/foto/item/15503-paolo-di-paolo-capto-en-sus-fotografias-la-italia-en-los-anos-50-y-60-maravillosamente.html
Miércoles 30 de mayo
"Este es un film de familia. La familia es también la dominante en la trama argumental. Se trata de hablar de familia o mejor dicho familias, de amor y de cobardía, de paternidades y maternidades. Todo ello envuelto en una especie de melodrama antiguo, demodé.Porque esta familia es francamente demodé. "
Habitantes de un campamento gitano de Roma abandonan el lugar tras ser desmanteladas el 27 de julio las chabolas en las que vivían. MASSIMO PERCOSSI EFE
'Pan y chocolate' (Pane e cioccolata, 1974) comedia dramática que no ha perdido nada de actualidad
Inolvidable papel de Nino Manfredi encarnando a un inmigrante italiano que intenta labrarse un futuro en una Suiza totalmente ajena para él. En un tono de comedia dramática que no ha perdido nada de actualidad, la película de Franco Brusatti fue un éxito de crítica y público y ha dejado grandes momentos para el recuerdo con toques de surrealismo y patetismo, propiciados muchas veces por el choque cultural y los estereotipos hacia los inmigrantes.
Pan y Chocolate
Miércoles 30 de mayo
Título original: "Pane e Cioccolata" (1974)
Dirección: Franco Brusati
Intérpretes: Nino Manfredi, Johnny Dorelli, Anna Karina, Paolo Turco, Ugo D'Alessio, Tano Cimarosa, Gianfranco Barra, Giorgio Cerioni
Guión: Franco Brusati y Nino Manfredi
Fotografía: Luciano Tovoli
Música: Daniele Patucchi
Producción: Verona Produzione
País: Italia
Duración: 100 min.
"-Commissario: È Italiano?
-Nino Garofoli: Beh... nessuno è perfetto, signor commissario."
Nino es un emigrante italiano en Suiza. Está a prueba en un restaurante, pero por un percance fortuito en la calle, pierde el puesto y no pudiendo quedarse, se ve obligado a regresar a su país. Sin embargo, por miedo a la deshonra que supondría volver así, decide quedarse.
Pierde la maleta, pero la fortuna parece sonreírle; hace amistad con su vecina griega y su hijo, y consigue trabajo para un italiano que ha hecho fortuna en el país. (FILMAFFINITY)
Pierde la maleta, pero la fortuna parece sonreírle; hace amistad con su vecina griega y su hijo, y consigue trabajo para un italiano que ha hecho fortuna en el país. (FILMAFFINITY)
Después de ser despedido del restaurante y perder el permiso de trabajo,
Nino decide quedarse y trabajar de manera ilegal, creyendo que podrá ganar el dinero suficiente como para llevar a su esposa e hijos a Suiza para así tener una vida mejor, aunque su dignidad se vea a veces afectada por las circunstancias. A medida que transcurre la historia, aparecen problemas inusuales 
que provienen de diferencias culturales y también derivan de estereotipos creados por la sociedad y a veces por él mismo. Problemas que a veces surgen de su falta de educación formal y de sus diferencias en prácticas culturales, y que derivan en situaciones cada vez más surrealistas, patéticas y desopilantes al estilo de Lina Wertmüller. 
Nino decide quedarse y trabajar de manera ilegal, creyendo que podrá ganar el dinero suficiente como para llevar a su esposa e hijos a Suiza para así tener una vida mejor, aunque su dignidad se vea a veces afectada por las circunstancias. A medida que transcurre la historia, aparecen problemas inusuales 
que provienen de diferencias culturales y también derivan de estereotipos creados por la sociedad y a veces por él mismo. Problemas que a veces surgen de su falta de educación formal y de sus diferencias en prácticas culturales, y que derivan en situaciones cada vez más surrealistas, patéticas y desopilantes al estilo de Lina Wertmüller. 
Una comedia dramática donde el protagonista intenta integrarse sin éxito en una sociedad en la que él no cae bien. Pane e Cioccolata es una película extraordinaria que inspira risa y pena a la vez por aquellos inmigrantes del sur de Italia que buscaban refugio en Suiza. 
El trabajo, pensado en un principio para Ugo Tognazzi, fue modificado en parte por el mismo Manfredi, basado en su experiencia vivida en primera persona como hijo de inmigrantes italianos en Estados Unidos.
Por esas vueltas de la política global y la crísis económica mundial "Pan y Chocolate" no ha perdido ni un ápice de actualidad, convirtiéndose en un lúcido y descarnado espejo para todos los inmigrantes de raiz latina. 
La película fue un gran éxito tanto de parte del público como de la crítica; fue lanzada con éxito en numerosos países europeos y en 1978 también en Estados Unidos.
Ganadora en 1974 de los Premios David di Donatello a Mejor película y actor (Nino Manfredi) y del David europeo para el director Franco Brusati, y ganadora en el Festival de Berlín del Oso de Plata y el Premio OCIC, además de muchos otros premios y nominaciones.
Ver escena:
http://otro-cine.blogspot.com/2012/04/pan-y-chocolate.html
COMO ES LA ROMA DE HOY EN DIA ?
Para tener una panorámica de Italia y de Roma es necesario encontrar en algunas películas,leer algunos libros y documentales pedazos,escenas de las distintas romas existentes.
En el umbral del Cielo, las figuras de la calle
Se vuelven figuras del Cielo, el movimiento majestuoso
De hombres que se empequeñecen en distancias espaciales,
Que cantan, con el más pequeño y todavía más pequeño sonido,
La absolución indescifrable, y un final-
El umbral, Roma, y, atrás, una Roma más misericordiosa,
Ambas iguales en la construcción de la mente.
Como si en una dignidad humana
Dos paralelas se hicieran una, una perspectiva de la que
Los hombres formaran parte, tanto en la pulgada como en la milla.
Con qué facilidad las banderas al viento se cambian en alas...
Las cosas, oscuras en los horizontes de la percepción,
Se vuelven acompañamientos de la fortuna, pero
De la fortuna del espíritu, más allá del ojo,
Fuera de su esfera y, sin embargo, no mucho más allá,
El final humano en la más amplia culminación del espíritu,
El ápice del conocimiento en la presencia del ápice
De lo desconocido. El pregón de los chicos de los diarios
Se convierte en otro murmullo; el olor
De los remedios, una fragancia que no se echa a perder...
La cama, los libros, la silla, las atareadas monjas,
La vela como eludiendo la vista, estas son
Las fuentes de la felicidad bajo la forma de Roma,
Una forma entre antiguos círculos de formas,
Y éstas bajo la sombra de una forma
En una confusión de cama y libros, un augurio
Sobre la silla, una móvil transparencia sobre las monjas,
Una levedad sobre la vela desgajándose de la mecha
Para unirse a una flotante excelencia, para escapar
Del fuego y ser parte solo de aquello
Que el fuego simboliza: lo celestial posible.
Háblale a tu almohada como a ti mismo.
Sé orador pero en una lengua precisa
Y sin elocuencia, Oh, adormecido,
De la tristeza que es el monumento de esta habitación,
Para que sintamos, en esta extensión iluminada,
Lo genuinamente pequeño, para que cada uno de nosotros
Se vea a sí mismo en ti, y escuche su voz
En la tuya, maestro y hombre digno de compasión,
Absorto en tus partículas de acción ínfima,
Tu letargo en lo profundo de la vigilia,
En la tibieza de tu lecho, al borde de tu silla, vive,
Aunque vive en dos mundos, impenitente
En uno, y el mayor de los penitentes en el otro,
Impaciente por la grandeza que necesitas
Entre tanta miseria; y, no obstante, encontrándola
Solo en la miseria, la inspiración de la ruina,
La profunda poesía de lo pobre y de lo muerto,
Como en la gota final de la sangre más profunda,
Mientras cae del corazón y yace allí para ser vista,
Incluso como la sangre de un imperio, es posible,
Para un ciudadano del cielo, aunque todavía en Roma.
Es el discurso de la pobreza el que más nos persigue.
Es más viejo que el más viejo discurso de Roma.
Éste es el énfasis trágico de la escena.
Y tú - Eres tú el que lo dice, sin discurso,
La sílaba sublime entre cosas sublimes,
El único hombre invulnerable entre
Vulgares capitanes, la majestad desnuda, si tu quieres,
De los arcos de un nido de pájaros o de las bóvedas manchadas por la lluvia.
Los sonidos se filtran. Las edificios son recordados.
La vida de la ciudad nunca se va, ni tú lo quieres.
Forma parte de la vida en tu cuarto.
Sus cúpulas son la arquitectura de tu cama.
Las campanas siguen repitiendo nombres solemnes
En coros y coros de coros,
Poco dispuestos a que la misericordia deba ser un misterio
Del silencio, a que cualquier soledad de la sensación
Deba darte algo más que sus peculiares acordes
Y reverberaciones empeñadas en seguir susurrando.
Hay una especie de grandeza total en el final,
En el que cada cosa visible es aumentada y, no obstante,
No es mayor que una cama, una silla y monjas ajetreadas,
El teatro más inmenso, y el atrio con columnas,
El libro y la vela en tu cuarto ambarino,
Grandeza total de un edificio total,
Elegido por un inquisidor de estructuras
Para sí mismo. Se detiene ante este umbral,
Como si el propósito de todas sus palabras tomara la forma
Y la figura del pensamiento y se realizara.
Versión: Isaías Garde
Regresare para ahogar la nostalgia ante una realidad desoladora,aterradora . Todo es peor aunque la ciudad en si tiene más colores y sobre todo riqueza,oropeles.
WALLACE STEVENS - A UN VIEJO FILÓSOFO EN ROMA
 |
| Wallace Stevens (Reading (Pensilvania), 2 de octubre de 1879 – Hartford (Connecticut), 2 de agosto de 1955) |
En el umbral del Cielo, las figuras de la calle
Se vuelven figuras del Cielo, el movimiento majestuoso
De hombres que se empequeñecen en distancias espaciales,
Que cantan, con el más pequeño y todavía más pequeño sonido,
La absolución indescifrable, y un final-
El umbral, Roma, y, atrás, una Roma más misericordiosa,
Ambas iguales en la construcción de la mente.
Como si en una dignidad humana
Dos paralelas se hicieran una, una perspectiva de la que
Los hombres formaran parte, tanto en la pulgada como en la milla.
Con qué facilidad las banderas al viento se cambian en alas...
Las cosas, oscuras en los horizontes de la percepción,
Se vuelven acompañamientos de la fortuna, pero
De la fortuna del espíritu, más allá del ojo,
Fuera de su esfera y, sin embargo, no mucho más allá,
El final humano en la más amplia culminación del espíritu,
El ápice del conocimiento en la presencia del ápice
De lo desconocido. El pregón de los chicos de los diarios
Se convierte en otro murmullo; el olor
De los remedios, una fragancia que no se echa a perder...
La cama, los libros, la silla, las atareadas monjas,
La vela como eludiendo la vista, estas son
Las fuentes de la felicidad bajo la forma de Roma,
Una forma entre antiguos círculos de formas,
Y éstas bajo la sombra de una forma
En una confusión de cama y libros, un augurio
Sobre la silla, una móvil transparencia sobre las monjas,
Una levedad sobre la vela desgajándose de la mecha
Para unirse a una flotante excelencia, para escapar
Del fuego y ser parte solo de aquello
Que el fuego simboliza: lo celestial posible.
Háblale a tu almohada como a ti mismo.
Sé orador pero en una lengua precisa
Y sin elocuencia, Oh, adormecido,
De la tristeza que es el monumento de esta habitación,
Para que sintamos, en esta extensión iluminada,
Lo genuinamente pequeño, para que cada uno de nosotros
Se vea a sí mismo en ti, y escuche su voz
En la tuya, maestro y hombre digno de compasión,
Absorto en tus partículas de acción ínfima,
Tu letargo en lo profundo de la vigilia,
En la tibieza de tu lecho, al borde de tu silla, vive,
Aunque vive en dos mundos, impenitente
En uno, y el mayor de los penitentes en el otro,
Impaciente por la grandeza que necesitas
Entre tanta miseria; y, no obstante, encontrándola
Solo en la miseria, la inspiración de la ruina,
La profunda poesía de lo pobre y de lo muerto,
Como en la gota final de la sangre más profunda,
Mientras cae del corazón y yace allí para ser vista,
Incluso como la sangre de un imperio, es posible,
Para un ciudadano del cielo, aunque todavía en Roma.
Es el discurso de la pobreza el que más nos persigue.
Es más viejo que el más viejo discurso de Roma.
Éste es el énfasis trágico de la escena.
Y tú - Eres tú el que lo dice, sin discurso,
La sílaba sublime entre cosas sublimes,
El único hombre invulnerable entre
Vulgares capitanes, la majestad desnuda, si tu quieres,
De los arcos de un nido de pájaros o de las bóvedas manchadas por la lluvia.
Los sonidos se filtran. Las edificios son recordados.
La vida de la ciudad nunca se va, ni tú lo quieres.
Forma parte de la vida en tu cuarto.
Sus cúpulas son la arquitectura de tu cama.
Las campanas siguen repitiendo nombres solemnes
En coros y coros de coros,
Poco dispuestos a que la misericordia deba ser un misterio
Del silencio, a que cualquier soledad de la sensación
Deba darte algo más que sus peculiares acordes
Y reverberaciones empeñadas en seguir susurrando.
Hay una especie de grandeza total en el final,
En el que cada cosa visible es aumentada y, no obstante,
No es mayor que una cama, una silla y monjas ajetreadas,
El teatro más inmenso, y el atrio con columnas,
El libro y la vela en tu cuarto ambarino,
Grandeza total de un edificio total,
Elegido por un inquisidor de estructuras
Para sí mismo. Se detiene ante este umbral,
Como si el propósito de todas sus palabras tomara la forma
Y la figura del pensamiento y se realizara.
Versión: Isaías Garde
Regresare para ahogar la nostalgia ante una realidad desoladora,aterradora . Todo es peor aunque la ciudad en si tiene más colores y sobre todo riqueza,oropeles.
A los que le gusta la “filosofía” de Paulo Coelho , la música de Richard Clayderman o el bodrio de 'A Roma con amor', Woody Allen para ellos la Roma kitsch de los años 60 a la de hoy 2019; es siempre la misma.
"Este es un film de familia. La familia es también la dominante en la trama argumental. Se trata de hablar de familia o mejor dicho familias, de amor y de cobardía, de paternidades y maternidades. Todo ello envuelto en una especie de melodrama antiguo, demodé.Porque esta familia es francamente demodé. "
Esta es una parte importante de Roma
GOLPEARON SU COCHE Y LE EXIGIERON QUE DEJE EL CLUB
El ghanés Barusso, de la Roma, agredido por hinchas de su equipo
Debido a las reglas sobre el número de jugadores no europeos, la Roma debe deshacerse de Barusso si es que quiere fichar a un jugador no comunitario
10/08/11 - .
- 4
El centrocampista ghanés de la Roma, Ahmed Barusso, fue agredido por hinchas de su equipo, que golpearon su coche y le exigieron que dejara el club de la capital italiana, reveló el agente del futbolista.
Varios hinchas de la Roma dieron golpes con el pie al coche del jugador, cuando éste dejaba el centro de entrenamiento de la entidad, gritando: "¡Debes irte!".
"Es realmente desconcertante. Un grupo de hinchas atacó brutalmente a Ahmed fuera del centro de entrenamiento. La gente traslada sus frustraciones debidas a los fracasos de la Roma sobre sus jugadores. Es un incidente terrible", señaló el agente.
Barusso, de 26 años, lleva cuatro temporadas en la Roma, pero fue cedido en varias ocasiones, pasando por el Galatasaray turco, el Siena, el Brescia, el Torino y el Livorno. Sólo disputó tres partidos de la Serie A del 'Calcio'.
Debido a las reglas sobre el número de jugadores no europeos, la Roma debe deshacerse de Barusso si es que quiere fichar a un jugador no comunitario.
Italia vive un repunte de agresiones xenófobas
El racismo, una tendencia aún minoritaria, experimenta un repunte en los últimos años alimentado por la institucionalización del mensaje del odio
Roma
"Un hombre dispara desde el balcón de su casa una carabina de aire comprimido e hiere en la espalda a una bebé que va en brazos de su madre, ambas de etnia gitana, cerca de un campamento de la comunidad romaní. Sucedió hace unas semanas en Roma, a plena luz del día. El agresor es un italiano que días después dijo que estaba probando su arma."
E San Pietro è già sede di alcuni dei più importanti eventi religiosi mondiali:
ELIO VITTORINI AI TEMPI DEL “POLITECNICO”
ELIO VITTORINI AI TEMPI DEL “POLITECNICO”
Cinquant’anni senza Elio Vittorini: l’intellettuale siciliano morì a Milano il 12 febbraio 1966. In questo pezzo ricordiamo la sua avventura, non priva di travagli, alla guida del Politecnico.
È il dicembre del 1947 quando esce il numero 39 del Politecnico, la “rivista di cultura contemporanea” diretta da Elio Vittorini per Einaudi. Il pezzo di copertina è di Vasco Pratolini, un’inchiesta-reportage sulla città di Firenze. “I fiorentini sono faziosi, beceri, geniali. Il loro spirito è bizzarro perché è composito, sincero soltanto quando è cinico”, scrive[1].
Nella rubrica delle lettere, un tale G.C. da Biella chiede conto al direttore “delle critiche della Pravda a Pablo Picasso con la sua conseguente espulsione”. Vittorini risponde: «Non mi risulta che Picasso sia stato espulso dal P.C. Un’espulsione, per ragioni simili, sarebbe una novità sensazionale nei metodi del P.C. e non saprei assolutamente spiegarmela. Non sarebbe giustificata da nessun punto di vista». Poco sotto, un riquadro invita i lettori a regalare un abbonamento al giornale per le feste in arrivo. Dono non azzeccatissimo, se non altro perché proprio con il numero 39 l’esperienza del Politecnico – nato settimanale nel settembre ’45 e diventato mensile un anno e mezzo dopo – giunge al capolinea.
Se Picasso ha i suoi grattacapi con la Pravda[2], la grana di Vittorini assumerà le severe sembianze di Palmiro Togliatti. Fin dagli esordi, il Politecnico avrebbe dovuto decisamente agganciarsi alla linea rivoluzionaria del Pci. O almeno queste erano le intenzioni di Vittorini, che non esita a definirsi comunista; d’altro canto, Togliatti e compagnia guardano con attenzione al nucleo di intellettuali che gravita intorno alla redazione di viale Tunisia, a Milano.
Ma bastano pochi numeri della rivista per chiarire a entrambi le parti che, insomma, dev’esserci stato un equivoco. La visione politico-culturale di Vittorini è tutt’altro che ortodossa, e il suo lavoro al Politecnico – generoso, appassionato, a volte persino caotico – ne è uno specchio. Che riflette, ad esempio, la grande fascinazione per la letteratura e il mondo americano. Uno dei suoi primi colpi è la pubblicazione a puntate di Per chi suona la campana di Ernest Hemingway[3]. Racconta: «Era il 1942 quando riuscii ad avere, via Svizzera, una copia di For whous the bells tolls. Cominciai allora io stesso a tradurlo, sapevo che presto non ci sarebbe più stato Mussolini ad impedire di pubblicarlo. Ma poco tempo dopo venni arrestato, e la mia traduzione andò perduta col testo». Poco male: la prima puntata del romanzo di Hemingway campeggia sulla rivista, accompagnata da un disegno di Renato Guttuso.
Non solo Hemingway, però. Sul primo numero del Politecnico, nell’elegantissimo formato ideato da Albe Steiner, c’è un pezzo di Henry Miller (titolo sibillino: L’America non è sempre il paradiso). Più avanti troveranno spazio opere o interventi di Charlie Chaplin, Walt Withman e persino di un altro zio Walt d’America, Disney in persona. Accade sul numero 20: l’articolo firmato dal creatore di Mickey Mouse («Walt Disney: la mia officina») è corredato con disegni di Paperino – definito nella didascalia un papero furente – e Topolino («Il topo ragazzo Mickey Mouse è uno dei personaggi più sconsolanti di Disney: euforico, furbo ma non troppo. Un uomo che non sa di essere un topo[4]»).
E insomma se è vero che fu il Politecnico a pubblicare le prime lettere dal carcere di Antonio Gramsci, e che in copertina figuravano pezzi come «Principio di carattere e principio di casta[5]», e all’interno saggi di Georg Luckás, d’altro canto l’ortodossia filo-Pci era ben altra cosa. La tentazione è quella di immaginare lì a Botteghe Oscure una sequela di alzatine di spalle a ogni numero del Politecnico.
Ad esempio: sin dal secondo numero Vittorini affida a Oreste Del Buono (e ad altri collaboratori) il compito di “sdoganare” il fumetto[6], con l’obiettivo di illustrare la dignità del nuovo formato: ecco i balloons con Braccio di Ferro, Barnaby o il signor O’Malley. Passano pochi giorni e Nilde Iotti censura su Rinascita la “sottoletteratura dei fumetti”, incapace di veicolare contenuti ideologici, formativi o culturali. Anni dopo, intervistato da Umberto Eco su Linus, Vittorini dirà candidamente: «Avevamo cercato di servirci dei fumetti come mezzo di divulgazione letteraria, ma si trattava più che altro di un divertimento per noi stessi. Del resto uno spirito di fumetto c’era anche nel tipo di impaginazione che usavamo per il Politecnico».
Ma la dialettica, al Politecnico, era piuttosto vivace anche dall’interno. Franco Fortini, al fianco di Vittorini dalla prima uscita della rivista[7], tiene una rubrica intitolata Diario di un giovane borghese intellettuale. Ecco quello che compare sotto la voce 13 settembre: «Vittorini mi scrive, indignato per il mio “Kafka” “astruso e inutile”. Dice che è contro lo spirito del Politecnico. Ho telefonato, molto di malumore, a Milano, ma Vittorini non c’era […] Può darsi che sia davvero astruso e inutile, letterario e sbagliato. La buona volontà non basta, è noto. Ed effettivamente, scrivendolo, sentivo di non aver risolto quasi nulla. Ma è possibile oggi parlare altrimenti di Kafka? Non si corre il rischio, parlandone, di riprendere il tono degli innumerevoli articoli che compaiono dovunque sulla sua opera, articoli psicologico critici, mistico letterari, e francamente insopportabili?». La polemica si riferisce al numero 37: il servizio di copertina presenta “cinque inediti di Kafka”, accompagnati da due pezzi critici, uno di Carlo Bo e uno di Fortini.
La verità è che di carne al fuoco, nella cucina di viale Tunisia, ce n’era davvero tanta. È come se Vittorini – e i suoi collaboratori – non vedesse l’ora di rovesciare sulla nazione tutte le istanze represse da vent’anni di dittatura, con una miscela di curiosità intellettuale e zelo pedagogico. La rivista considera ogni linguaggio una tecnica, ma non vuole eccedere negli specialismi. Parla ai lettori in modo rigoroso ma non accademico; invita a uscire «dai compartimenti stagni dei tecnicismi e a rendere traducibili i diversi linguaggi, riconducendoli ai concreti motivi umani da cui hanno avuto origine».
Anche in questo caso, l’accavallarsi di idee e spunti rischia di generare disarmonia – e alzatine di spalle a Botteghe Oscure – eppure le intenzioni sono decisamente moderne. Ecco quanto scrive Vittorini a un suo redattore, Marcello Venturi[8], sulla struttura e sulla direzione che avrebbe dovuto seguire per scrivere i suoi reportage: «Vorrei ora impegnarti in un lavoro nuovo. […] Prendendo come esempio l’articolo sulle Puglie, desidererei che qualcosa di simile tu mi facessi su qualche paese tipico della tua zona. 
Come lavorano, come mangiano, come amano gli uomini e le donne di famiglie di diversi ceti sociali, le condizioni della donna e dei giovani, le abitazioni di uomini ricchi e poveri. Questo lo schema, ma tutto deve essere raccontato, vivo». E reportage del genere compariranno via via sui numeri del giornale. Italo Calvino ne firma due (Liguria magra e ossuta e Riviera di Ponente), Giorgio Caproni uno (Viaggio tra gli esiliati di Roma).
Come lavorano, come mangiano, come amano gli uomini e le donne di famiglie di diversi ceti sociali, le condizioni della donna e dei giovani, le abitazioni di uomini ricchi e poveri. Questo lo schema, ma tutto deve essere raccontato, vivo». E reportage del genere compariranno via via sui numeri del giornale. Italo Calvino ne firma due (Liguria magra e ossuta e Riviera di Ponente), Giorgio Caproni uno (Viaggio tra gli esiliati di Roma).
(Da rivedere la sezione dedicata alla critica musicale: con un pezzo siglato “Firmus”, il Politecnico intona il funerale del jazz, perché «appare chiaro che artisticamente parlando è stato un fenomeno assai circoscritto e di modesta portata[9]»).
Dopo tanto abbozzare e far grossomodo finta di nulla, la prima vera cannonata per il Politecnico arriva per mezzo di un articolo su Rinascita, firmato da Mario Alicata. Dirigente del Pci, intellettuale raffinato – lavorò con Giaime Pintor e Luchino Visconti – Alicata scrisse: «Bisognava lavorare a una cultura nuova, e lavorare per una cultura nuova significa riuscire a creare e diffondere un linguaggio nuovo. Orbene, il linguaggio col quale essi vogliono parlare è risultato quanto mai astratto ed esteriore: intellettualistico, insomma. Mi si chiederà che cosa intendo per intellettualismo. Ecco, per esempio secondo me è intellettualismo giudicare “rivoluzionario” e “utile” uno scrittore come Hemingway, le cui doti non vanno al di là d’una sensibilità da “frammento”, da “elzeviro”, e “rivoluzionario” e “utile” un romanzo come Per chi suona la campana,che rappresenta la riprova estrema dell’incapacità dell’Hemingway a comprendere e a giudicare (cioè, poi, a narrare) qualcosa che vada al di là d’uno suo quadro di sensazioni elementari e immediate: egoistiche».
Ora, si capisce che per Vittorini le parole “Hemingway” e “incapace” non possono comparire nella stessa frase, eppure il direttore del Politecnico prova a non cadere nella provocazione e a rispondere nel merito. E quindi, risponde: «Qui si incorre in una serie di errori. Si vede in Alicata il Partito comunista stesso».
E: «L’errore principale è di ritenere il Politecnico comunista per il fatto di essere diretto da un comunista».
E: «La politica agisce sul piano della cronaca, la cultura sul piano diretto della storia».
In un crescendo wagneriano la polemica giunge al culmine. A scrivere al Politecnico è stavolta il segretario del Pci in persona, Palmiro Togliatti. La lettera, come riferisce nel sommario Vittorini, arriva quando il giornale era “già pronto per andare in macchina”, e viene pubblicata nella sua versione integrale. L’immagine che mi viene in mente di Togliatti si sovrappone a quella di un gatto. «Ma davvero si può arrivare a un punto tale per cui una rivista comunista non potrà esprimersi criticamente a proposito di una pubblicazione culturale fatta da comunisti, senza che s’apra la ridicolissima campagna sulla nostra intolleranza, sul soffocante controllo che noi pretenderemmo esercitare sopra le attività intellettuali?».
E: «La politica, tu dici, è cronaca; la cultura è storia. Falsa generalizzazione!».
E: «Quando il Politecnico è sorto, l’abbiamo tutti salutato con gioia […] Ma a un certo punto ci è parso che le promesse non venissero mantenute. L’indirizzo annunciato non veniva seguito con coerenza, veniva anzi sostituito, a poco a poco, da una strana tendenza a una specie di cultura enciclopedica, a una astratta ricerca del nuovo, del diverso, del sorprendente».
E: «A noi rincrescerebbe che il Politecnico non riuscisse a fare opera di rinnovamento. Il nostro voleva essere più che altro un richiamo alla serietà del compito che vi sta davanti».
E il punto che preferisco, dove sul finire della frase Togliatti incontra Edgar Allan Poe: «Negli ultimi tempi del fascismo, ci furono tentativi di reazione al cretinismo ufficiale; ma anch’essi scarsamente efficaci, perché mancanti di unità e anche di serietà, tanto che si esaurirono nell’attività intermittente, come un fenomeno di fuggevole fosforescenza sopra un corpo in decomposizione, di piccoli gruppi slegati l’uno dall’altro».
Vittorini scrive sul numero 35 un’accorata risposta al segretario del Pci, Suonare il piffero per la rivoluzione?, il cui culmine arriva in questi due passaggi, a): «Se Hemingway, mettiamo, si compromette politicamente, noi potremo considerare nemica la sua persona, ma i suoi libri non sono nemici, sono ancora nostri amici[10], e io ho molto in contrario a vederli rifiutati come letteratura della borghesia reazionaria»; e b): «Rivoluzionario è lo scrittore che riesce a porre attraverso la sua opera esigenze rivoluzionarie diverse da quelle che la politica pone; esigenze interne, segrete, recondite dell’uomo ch’egli soltanto sa scorgere nell’uomo, che è proprio di lui scrittore scorgere e che è proprio di lui scrittore rivoluzionario porre».
Ma a quel punto il destino del Politecnico, che già non era in una fase diciamo espansiva, è segnato. In una lettera inviata a Italo Calvino nel 1956, Vittorini scrisse: «Se qualcosa di pubblico mi piacerebbe di fare, di questi tempi, non sarebbe di dirigere un Politecnico, ma di tornarmene in Sicilia e mettere in piedi un quotidiano[11]». Eppure, Vittorini, che impeto, e quanta libertà, possiamo ancora ritrovare sulle pagine di quella tua rivista.
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[1] Opinione sua.
[2] E non sarà l’unica volta: qualche anno dopo il PCUS non gradirà un suo ritratto commemorativo del compagno Stalin.
[3] «Più importante di Joyce e Proust, è lo Stendhal dei nostri giorni».
[4] Di fianco all’intervento di Disney ecco il pezzo «Come si studia la storia nell’U.r.s.s.»
[5] Esattamente, “casta”.
[6] Con un pezzo intitolato «Il mondo a quadretti».
[7] E per esempio nel numero doppio 33/34 ha scritto un saggio bellissimo sul Canto notturno di un pastore errante dell’Asia.
[8] Partigiano, giornalista all’Unità, futuro direttore della collana Universale economica Feltrinelli. Così lo introduce Vittorini: «Marcello Venturi è un altro giovane che non ha mai pubblicato un rigo. Un altro scrittore del Politecnico. È toscano delle parti di Lucca. Suo padre è ferroviere».
[9] Il pezzo è del 1946. Nel 1965 John Coltrane pubblica A love supreme.
[10] I libri sono degli amici. E Vittorini ancora in difesa di Hemingway: «Giuseppe Mazzini, per citare un esempio illustre, scrisse che Leopardi era un poetucolo decadente al paragone del grande poeta civile G.B. Piccolini».
[11] Quando Vittorini lascia il Pci, Togliatti non rinuncia a un’ultima stoccata e con lo pseudonimo di Roderigo di Castiglia fa uscire su Rinascita un pezzo intitolato Vittorini se n’è ghiuto e soli ci ha lasciato: «A dire il vero, nelle nostre file pochi se ne sono accorti. Pochi si erano accorti, egualmente, che nelle nostre file egli ci fosse ancora. Vittorini? Sì, era stato accanto a noi nel combattimento contro la tirannide interna e l’invasore straniero. Come tanti altri. Né meglio, né peggio, dicono […]. Fondò una rivista che finì per scontentare tutti perché conteneva di tutto e non conteneva nulla […]. (Scrisse libri) di cui è difficile parlare, perché è a tutti difficile trovar la pazienza di leggerli sino alla fine. Nei precedenti, almeno, qualcosa c’era […] Vittorini pensa che rimanga, per lui e per gli altri, la libertà. Ma già ragiona, egli stesso, come uno schiavo».
Elio Vittorini – Una nuova cultura
Il 29 settembre 1945, nel primo numero della rivista letteraria «Il politecnico» [1], tra le più importanti ed influenti del Novecento italiano, il fondatore Elio Vittorini (1908-1966) pubblica l’editoriale emblematicamente intitolato Una nuova cultura.
Lo scrittore partigiano, autore del celebre romanzo Uomini e no (1945), traccia in queste pagine le linee guida del giornale, e soprattutto chiarisce i punti fondanti di quella cultura cosiddetta dell’«impegno» della quale Vittorini è senza dubbio l’esponente di maggior rilievo.
«Non più una cultura che consoli nelle sofferenze ma una cultura che protegga dalle sofferenze, che le combatta e le elimini.
Per un pezzo sarà difficile dire se qualcuno abbia vinto in questa guerra. Ma certo vi è tanto che ha perduto, e che si vede come abbia perduto. I morti, se li contiamo, sono più di bambini che di soldati; le macerie sono di città che avevano venticinque secoli di vita; di case e di biblioteche, di monumente, di cattedrali, di tutte le forme per le quali è passato il progresso civile dell’uomo; e i campi su cui si è sparso più sangue si chiamano Mauthausen, Maidanek, Buchenwald, Dakau.
Di chi è la sconfitta più grave in tutto questo che è accaduto? Vi era bene qualcosa che, attraverso i secoli, ci aveva insegnato a considerare sacra l’esistenza dei bambini. Anche di ogni conquista civile dell’uomo ci aveva insegnato ch’era sacra; lo stesso del pane; lo stesso del lavoro. E se ora milioni di bambini sono stati uccisi, se tanto che era sacro è stato lo stesso colpito e distrutto, la sconfitta è anzitutto di questa “cosa” che c’insegnava la inviolabilità loro. Non è anzitutto di questa “cosa” che c’insegnava l’inviolabilità loro?
Questa “cosa”, voglio subito dirlo, non è altro che la cultura: lei che è stata pensiero greco, ellenismo, romanesimo, cristianesimo latino, cristianesimo medioevale, umanesimo, riforma, illuminismo, liberalismo ecc., e che oggi fa massa intorno ai nomi di Thomas Mann e Benedetto Croce, Benda, Huizinga, Dewey, Maritain, Bernanos e Unamuno, Lin Yutang e Santayana, Valéry, Gide e Berdiaev.
Non vi è delitto commesso dal fascismo che questa cultura non avesse insegnato ad esecrare già da tempo. E se il fascismo ha avuto modo di commettere tutti i delitti che questa cultura aveva insegnato ad esecrare già da tempo, non dobbiamo chiedere proprio a questa cultura come e perché il fascismo ha potuto commetterli?
Dubito che un paladino di questa cultura, alla quale anche noi apparteniamo, possa darci una risposta diversa da quella che possiamo darci noi stessi: e non riconoscere con noi che l’insegnamento di questa cultura non ha avuto che scarsa, forse nessuna, influenza civile sugli uomini.
Pure ripetiamo, c’è Platone in questa cultura. E c’è Cristo. Dico: c’è Cristo. Non ha avuto che scarsa influenza Gesù Cristo? Tutt’altro. Egli molta ne ha avuta. Ma è stata influenza, la sua, e di tutta la cultura fino ad oggi, che ha generato mutamenti quasi solo nell’intelletto degli uomini, che ha generato e rigenerato dunque se stessa, e mai, o quasi mai, rigenerato, dentro alla possibilità di fare, anche l’uomo. Pensiero greco, pensiero latino, pensiero cristiano di ogni tempo, sembra non abbiano dato agli uomini che il modo di travestire e giustificare, o addirittura di render tecnica, la barbarie dei fatti loro. È qualità naturale della cultura di non poter influire sui fatti degli uomini?
Io lo nego. Se quasi mai (salvo in periodi isolati e oggi nell’U.R.S.S.) la cultura ha potuto influire sui fatti degli uomini dipende solo dal modo in cui la cultura si è manifestata. Essa ha predicato, ha insegnato, ha elaborato princìpi e valori, ha scoperto continenti e costruito macchine, ma non si è identificata con la società, non ha governato con la società, non ha condotto eserciti per la società. Da che cosa la cultura trae motivo per elaborare i suoi princìpi e i suoi valori? Dallo spettacolo di ciò che l’uomo soffre nella società. L’uomo ha sofferto nella società, l’uomo soffre. E che cosa fa la cultura per l’uomo che soffre? Cerca di consolarlo.
Per questo suo modo di consolatrice in cui si è manifestata fino ad oggi, la cultura non ha potuto impedire gli orrori del fascismo. Nessuna forza sociale era “sua” in Italia o in Germania per impedire l’avvento al potere del fascismo, né erano “suoi” i cannoni, gli aeroplani, i carri armati che avrebbero potuto impedire l’avventura in Etiopia, l’intervento fascista in Spagna, l'”Anchluss” o il patto di Monaco. Ma di chi se non di lei stessa è la colpa che le forze sociali non siano forze della cultura, e i cannoni, gli aeroplani, i carri armati non siano “suoi”?
La società non è cultura perché la cultura non è società. E la cultura non è società perché ha in sé l’eterna rinuncia del “dare a Cesare” e perché i suoi princìpi sono soltanto consolatori, perché non sono tempestivamente rinnovatori ed efficacemente attuali, viventi con la società stessa come la società stessa vive. Potremo mai avere una cultura che sappia proteggere l’uomo dalle sofferenze invece di limitarsi a consolarlo? Una cultura che le impedisca, che le scongiuri, che aiuti a eliminare lo sfruttamento e la schiavitù, e a vincere il bisogno, questa è la cultura in cui occorre che si trasformi tutta la vecchia cultura.
La cultura italiana è stata particolarmente provata nelle sue illusioni. Non vi è forse nessuno in Italia che ignori che cosa significhi la mortificazione dell’impotenza o un astratto furore. Continueremo, ciò malgrado, a seguire la strada che ancora oggi ci indicano i Thomas Mann e i Benedetto Croce? Io mi rivolgo a tutti gli intellettuali italiani che hanno conosciuto il fascismo. Non ai marxisti soltanto, ma anche agli idealisti, anche ai cattolici, anche ai mistici. Vi sono ragioni dell’idealismo o del cattolicesimo che si oppongono alla trasformazione della cultura in una cultura capace di lottare contro la fame e le sofferenze?
Occuparsi del pane e del lavoro è ancora occuparsi dell'”anima”. Mentre non volere occuparsi che dell'”anima” lasciando a “Cesare” di occuparsi come gli fa comodo del pane e del lavoro, è limitarsi ad avere una funzione intellettuale e dar modo a “Cesare” (o a Donegani, a Pirelli, a Valletta) di avere una funzione di dominio “sull’anima” dell’uomo. Può il tentativo di far sorgere una nuova cultura che sia di difesa e non più di consolazione dell’uomo, interessare gli idealisti e i cattolici, meno di quanto interessi noi?» [2].
Di chi è la sconfitta più grave in tutto questo che è accaduto? Vi era bene qualcosa che, attraverso i secoli, ci aveva insegnato a considerare sacra l’esistenza dei bambini. Anche di ogni conquista civile dell’uomo ci aveva insegnato ch’era sacra; lo stesso del pane; lo stesso del lavoro. E se ora milioni di bambini sono stati uccisi, se tanto che era sacro è stato lo stesso colpito e distrutto, la sconfitta è anzitutto di questa “cosa” che c’insegnava la inviolabilità loro. Non è anzitutto di questa “cosa” che c’insegnava l’inviolabilità loro?
Questa “cosa”, voglio subito dirlo, non è altro che la cultura: lei che è stata pensiero greco, ellenismo, romanesimo, cristianesimo latino, cristianesimo medioevale, umanesimo, riforma, illuminismo, liberalismo ecc., e che oggi fa massa intorno ai nomi di Thomas Mann e Benedetto Croce, Benda, Huizinga, Dewey, Maritain, Bernanos e Unamuno, Lin Yutang e Santayana, Valéry, Gide e Berdiaev.
Non vi è delitto commesso dal fascismo che questa cultura non avesse insegnato ad esecrare già da tempo. E se il fascismo ha avuto modo di commettere tutti i delitti che questa cultura aveva insegnato ad esecrare già da tempo, non dobbiamo chiedere proprio a questa cultura come e perché il fascismo ha potuto commetterli?
Dubito che un paladino di questa cultura, alla quale anche noi apparteniamo, possa darci una risposta diversa da quella che possiamo darci noi stessi: e non riconoscere con noi che l’insegnamento di questa cultura non ha avuto che scarsa, forse nessuna, influenza civile sugli uomini.
Pure ripetiamo, c’è Platone in questa cultura. E c’è Cristo. Dico: c’è Cristo. Non ha avuto che scarsa influenza Gesù Cristo? Tutt’altro. Egli molta ne ha avuta. Ma è stata influenza, la sua, e di tutta la cultura fino ad oggi, che ha generato mutamenti quasi solo nell’intelletto degli uomini, che ha generato e rigenerato dunque se stessa, e mai, o quasi mai, rigenerato, dentro alla possibilità di fare, anche l’uomo. Pensiero greco, pensiero latino, pensiero cristiano di ogni tempo, sembra non abbiano dato agli uomini che il modo di travestire e giustificare, o addirittura di render tecnica, la barbarie dei fatti loro. È qualità naturale della cultura di non poter influire sui fatti degli uomini?
Io lo nego. Se quasi mai (salvo in periodi isolati e oggi nell’U.R.S.S.) la cultura ha potuto influire sui fatti degli uomini dipende solo dal modo in cui la cultura si è manifestata. Essa ha predicato, ha insegnato, ha elaborato princìpi e valori, ha scoperto continenti e costruito macchine, ma non si è identificata con la società, non ha governato con la società, non ha condotto eserciti per la società. Da che cosa la cultura trae motivo per elaborare i suoi princìpi e i suoi valori? Dallo spettacolo di ciò che l’uomo soffre nella società. L’uomo ha sofferto nella società, l’uomo soffre. E che cosa fa la cultura per l’uomo che soffre? Cerca di consolarlo.
Per questo suo modo di consolatrice in cui si è manifestata fino ad oggi, la cultura non ha potuto impedire gli orrori del fascismo. Nessuna forza sociale era “sua” in Italia o in Germania per impedire l’avvento al potere del fascismo, né erano “suoi” i cannoni, gli aeroplani, i carri armati che avrebbero potuto impedire l’avventura in Etiopia, l’intervento fascista in Spagna, l'”Anchluss” o il patto di Monaco. Ma di chi se non di lei stessa è la colpa che le forze sociali non siano forze della cultura, e i cannoni, gli aeroplani, i carri armati non siano “suoi”?
La società non è cultura perché la cultura non è società. E la cultura non è società perché ha in sé l’eterna rinuncia del “dare a Cesare” e perché i suoi princìpi sono soltanto consolatori, perché non sono tempestivamente rinnovatori ed efficacemente attuali, viventi con la società stessa come la società stessa vive. Potremo mai avere una cultura che sappia proteggere l’uomo dalle sofferenze invece di limitarsi a consolarlo? Una cultura che le impedisca, che le scongiuri, che aiuti a eliminare lo sfruttamento e la schiavitù, e a vincere il bisogno, questa è la cultura in cui occorre che si trasformi tutta la vecchia cultura.
La cultura italiana è stata particolarmente provata nelle sue illusioni. Non vi è forse nessuno in Italia che ignori che cosa significhi la mortificazione dell’impotenza o un astratto furore. Continueremo, ciò malgrado, a seguire la strada che ancora oggi ci indicano i Thomas Mann e i Benedetto Croce? Io mi rivolgo a tutti gli intellettuali italiani che hanno conosciuto il fascismo. Non ai marxisti soltanto, ma anche agli idealisti, anche ai cattolici, anche ai mistici. Vi sono ragioni dell’idealismo o del cattolicesimo che si oppongono alla trasformazione della cultura in una cultura capace di lottare contro la fame e le sofferenze?
Occuparsi del pane e del lavoro è ancora occuparsi dell'”anima”. Mentre non volere occuparsi che dell'”anima” lasciando a “Cesare” di occuparsi come gli fa comodo del pane e del lavoro, è limitarsi ad avere una funzione intellettuale e dar modo a “Cesare” (o a Donegani, a Pirelli, a Valletta) di avere una funzione di dominio “sull’anima” dell’uomo. Può il tentativo di far sorgere una nuova cultura che sia di difesa e non più di consolazione dell’uomo, interessare gli idealisti e i cattolici, meno di quanto interessi noi?» [2].
La «nuova cultura» teorizzata da Vittorini non deve solamente «consolare» l’uomo nelle sofferenze, ma intervenire nella società sporcandosi le mani, agendo e modificando quanto c’è di sbagliato. Deve impegnarsi, con tutta se stessa, nella creazione di una società giusta, dunque umana e solidale, e nella difesa dell’uomo. L’intellettuale deve così partecipare in prima persona, deve spalancare le porte del suo miserevole cantuccio ed uscire in strada, camminare in mezzo al fango e tra la gente, ascoltarne i problemi e quantomeno tentare di risolverli, senza delegare ciò allo Stato e ai partiti, interessati solamente ai propri beceri interessi.
Personalmente, in un’epoca complicata, in cui minacciosa e sinistra l’ignoranza dilaga, con piena soddisfazione di chi detiene il potere, in cui le istituzioni sono marce sino al midollo, reputo le esortazioni di Vittorini estremamente attuali. Ma come può la cultura mutare l’attuale stato delle cose, come può difendere l’uomo dalle sofferenze? Educandolo. «Sapere è potere», citando Bacon. E la cultura può educare l’uomo solamente ponendosi al suo stesso livello, eliminando quel suo carattere spocchioso, altezzoso, arrogante che troppe volte la contraddistingue. La cultura deve farsi società. L’intellettuale «che si sente più legato ad Annibal Caro o a Ippolito Pindemonte che a un contadino pugliese o siciliano» [3], deve scomparire, in quanto nocivo come il fascista d’allora ed il politico corrotto d’oggi.
Noi di Freemaninrealworld, nella nostra modestia, da anni oramai agiamo in questo senso, seguendo la via tracciata da Vittorini e ancor prima da Gramsci [4], diffondendo cultura senza pretendere nulla in cambio. Per noi si tratta di una missione, che perseguiamo quotidianamente, giorno e notte, tra innumerevoli difficoltà, animati dalla folle speranza che un giorno le cose cambieranno.
NOTE
[1] Per un approfondimento sul rotocalco fondato da Vittorini si veda l’articolo Riviste letterarie del Novecento – Il Politecnico.
[2] Il Politecnico (1945-1947), rist. anast., Einaudi, Torino 1975.
[3] Antonio Gramsci, Letteratura e vita nazionale, Einaudi, Torino 1950.
[4] Per un approfondimento sull’idea gramsciana di cultura si veda l’articolo Antonio Gramsci – Riflessioni sulla letteratura, sulla cultura e sulla figura dell’intellettuale in Italia.
UNA NUOVA CULTURA
Albe Steiner, Il Politecnico e la grafica come scienza
Analisi e Redesign dello storico periodico edito dall'Einaudi dal 1945 al 1947, con la direzione di Elio Vittorini e l'innovativo progetto grafico curato da Albe Steiner.
Studente
GERARDO LISANTI
Relatore
FRANCESCO MAZZENGA
Coordinatore di Scuola
ENRICO PUSCEDDU
Gerardo Lisanti©
A.A. 2013/2014
Accademia di Belle Arti di Roma
Tesi di Diploma Accademico in Grafica Editoriale
IL REDESIGN
Il numero 40
Illustrazione di Copertina di Riccardo Guasco
Thanks!
UNA NUOVA CULTURA
Albe Steiner, Il Politecnico e la grafica come scienza
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Studente
GERARDO LISANTI
Relatore
FRANCESCO MAZZENGA
FRANCESCO MAZZENGA
Coordinatore di Scuola
ENRICO PUSCEDDU
ENRICO PUSCEDDU
Gerardo Lisanti©
A.A. 2013/2014
Accademia di Belle Arti di Roma
Tesi di Diploma Accademico in Grafica Editoriale
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Tesi di Diploma Accademico in Grafica Editoriale
IL REDESIGN
Il numero 40
Illustrazione di Copertina di Riccardo Guasco
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