No hay nada como las películas para entender que influencias sufrimos en los años de nuestra formación. El cine crea imaginarios políticos. El cine puede tener también un carácter epistémico que incluso nos permita un acercamiento superior a la veracidad empírica respecto a otras formas de percepción. En esos años sesenta cuando todavía el Internet ni la TV tenían la prevalencia que luego adquirieron las películas servian además de entretener para pensar y reflexionar teóricamente lo
político.
LA DOLCE VITA (por Federico Fellini, EE. UU. 1960)
Una de las películas más famosas de Fellini, entre las más citadas y conocidas en el extranjero, una obra inmortal y altamente icónica que ha encantado durante décadas y que aún hoy fascina con su tremenda relevancia. Será el encanto de Mastroianni, será la belleza de Roma, pero La Dolce Vita primero hipnotiza y luego golpea, embruja y luego golpea el estómago, como en el final increíblemente impactante. Como a menudo ha sucedido con tantas obras maestras controvertidas, la película ha terminado paradójicamente terminando con los estilos de vida y los hábitos frívolos que criticó y demolió amargamente, lo que demuestra que la interpretación de una película es más importante que la intención inicial de un director.
'Al final de la escapada' ‘À bout de souffle’
(por Jean-Luc Godard, Francia 1960)
"À bout de souffle’ es una película francesa escrita por François Truffaut, y dirigida por Jean-Luc Godard. Estrenada en 1960, dio inicio no solo a una década y a uno de los movimientos más icónicos del cine, sino a cómo sería percibido, de ahora en adelante, el séptimo arte."
"Tanto el personaje de Michel como el de su novia Patricia -interpretada por la icónica Jean Seberg-, se encuentran perdidos en la búsqueda de una identidad sólida. Y es por medio de un diálogo honesto, una relación tangible y una caracterización tan excepcional como innovadora, que Godard nos transporta a un universo que casi se sale de la ficción, y que casi nos permite vivir la historia junto a los personajes."
( https://culturizando.com/a-bout-de-souffle-la-pelicula-de-godard-que-cambio-el-cine-para-siempre/)
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| Fotograma de ‘À bout de souffle’, con Jean-Paul Belmondo y Jean Seberg – Fuente: Raymond Cauchetier (IMDb).- |
LA AVENTURA (por Michelangelo Antonioni, Italia 1960)
Un grupo de amigos, todos de la rica burguesía romana, hacen un viaje en barco desde las islas Eolias. De repente, uno de ellos desaparece misteriosamente en el mar. Unos días después, los amigos no solo se olvidan de ella y de las búsquedas, sino que la película comienza a contar más y no nos da ninguna solución. El anti-misterio de Antonioni es sin duda el pináculo de su cine sobre incomunicabilidad, mostrándonos seres humanos que son cínicos y solos pero nunca realmente malos, demasiado para pensar en sus problemas, que a menudo no existen.
“Nunca he entendido a las islas, rodeadas de tanto mar… Pobrecitas”.
"Lo dice Patrizia desde un lujoso yate en las aguas de Sicilia. Es una frase que diría alguien que quiere decir algo, pero no tiene nada interesante que decir. Es una frase a la que nadie responde, porque no requiere respuesta, ni siquiera alguien que la escuche, porque no tiene sentido más allá del impulso que la ha creado: el más puro aburrimiento. Es también, pese a todo, una frase que encapsula el sentido de ‘La aventura’, no sólo porque su historia también nace del ‘ennui’ de sus personajes de alta cuna y bajos valores morales, sino también porque describe su tema central: el aislamiento. Personas rodeadas de mar, ahogados en sus propios vacíos. Pobrecitas."
Y es que el conflicto que desata la historia es la misteriosa desaparición de Anna (Lea Massari) mientras paseaba en barco con sus amigos en la isla de Lisca Bianca. Entre ellos se encuentra Sandro (Gabriele Ferzetti), su amante y causante de todas sus penas, y Claudia (Mónica Vitti), su mejor amiga y una nueva rica haciéndose un hueco en sociedad, además de un matrimonio completamente harto de sí mismo. Vagan sin rumbo entre las aguas sicilianas, como una representación ácida de lo perdidas que están sus vidas en esta libérrima modernidad.
Así es como Antonioni empieza a explorar las características de esta nueva sociedad entregada al hedonismo y a la indiferencia, donde nada vende más que el sexo y las depravaciones, y donde los valores antaño establecidos como “objetivos” ya no valen nada. No es sólo un retrato bañado en pesimismo: es una crítica a la pérdida no tanto de un código ético, o incluso de un Dios, sino del erotismo. “Eros está enfermo”, declaró en el Festival de Cannes hace ya más de cincuenta años, cuando presentó su película. Aunque sus reservas ante el destape de la época pudieran leerse como una pataleta conservadora, en la reflexión que el cineasta italiano realiza en películas como ‘La aventura’ va más allá de un simple “antes se vivía mejor”.
El futuro de esta Italia de los 60 estaba intercambiando la Iglesia o el matrimonio por la tecnología y el placer. No es que fuese un mal cambio, pero tuvo un coste que Antonioni intenta explicar con unos personajes que, ante la posibilidad de tenerlo todo, se sienten insatisfechos, vacíos, distraídos. Nada capta su atención por mucho tiempo, porque nada tiene verdadera importancia. Porque todo es reemplazable, incluso las personas. No es un sentimiento ajeno en la era de la tecnología, de las redes sociales y Tinder, y quizás por eso ‘La aventura’ sigue conectando con el público más de medio siglo después.
.ROCCO Y SUS HERMANOS (por Luchino Visconti, Italia 1960)
Una película que marca el paso de Luchino Visconti del neorrealismo al melodrama con una amplia amplitud épica, y que, en cualquier caso, tiene en mente los elementos fundamentales de ambos hilos, esta epopeya familiar no tiene nada que envidiar a los grandes cuentos populares transmitidos a través de la forma literaria, y Nadie se sorprendería si se basara en una gran novela rusa del siglo XIX. Familia, envidia, celos, problemas personales y sociales, en la película está toda Italia que pasa de la guerra al auge económico.
"Una de las mejores películas de la historia del cine y la cima de la obra de Luchino Visconti junto a "El Gatopardo". La familia de Rosario Parondi, con sus hijos Rocco, Simone, Ciro y Luca, emigra a Milan donde ya vive Vicenzo, el hijo mayor. El ambiente de la gran ciudad choca pronto con las ideas pueblerinas y anticuadas de los emigrantes."
NUNCA EL DOMINGO (por Jules Dassin, Estados Unidos / Grecia 1960)
Enérgica comedia con un ritmo deslumbrante y diálogos brillantes, esta película que anticipa muchos tonos de Nouvelle Vague se ha convertido en un culto especialmente por su famosa canción y por la fascinante actuación de Melina Mercouri. Nos reímos y reflexionamos, gracias a muchas discusiones intelectuales que muestran cómo la verdadera inteligencia reside en el sentimiento popular, y no en los esnobs que se esconden en las academias.
(Ingmar Bergman, 1960)
Suecia, siglo XIV. Como cada verano, una doncella debe hacer la ofrenda de las velas en el altar de la Virgen. El rey Töre envía a su hija Karin en compañía de Ingrid, una muchacha que odia a Karin en secreto. Antes de cruzar el bosque, Ingrid se detiene y abandona a la princesa, pero la muchacha prosigue su camino y se encuentra con unos pastores, aparentemente afables, que la invitan a compartir su comida.
Otro magnífico ejemplo de cómo se pueden tratar los temás más serios del mundo -la religión, la muerte, la venganza, el amor- sin resultar pesado ni cargante, como si se contara un cuento a un niño. Revisar maravillas como esta película ayuda a deshacerse de falsos prejuicios sobre la obra de uno de los más originales y auténticos cineastas de todos los tiempos. Impresionante e inolvidable.
Daniel Andreas
LA NOCHE (por Michelangelo Antonioni, Italia 1961)
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El director de alienación e incomunicabilidad está aquí en su apogeo: Antonioni con La Notte firma una película atmosférica, creada a partir de momentos muertos y tiempos muy largos, pero al mismo tiempo elegante y llena de una sensación envolvente. Por supuesto, estamos en presencia de un cine muy intelectual, ese cine de salón que la mayoría de la gente considera aburrido y demasiado presuntuoso, pero viendo a dónde hemos llegado, todavía tenemos películas como esta.
LOLITA (Stanley Kubrick, 1962)
Humbert Humbert, un profesor cuarentón, llega a Ramsdale (New Hampshire) y alquila una habitación en casa de la viuda Charlotte Haze que tiene una hija de once años. Humbert se enamora perdidamente de la chiquilla y concibe un perverso plan: casarse con la madre para poder estar siempre cerca de la irresistible Lolita... Adaptación de la novela homónima de Vladimir Nabokov
Humbert Humbert, un profesor cuarentón, llega a Ramsdale (New Hampshire) y alquila una habitación en casa de la viuda Charlotte Haze que tiene una hija de once años. Humbert se enamora perdidamente de la chiquilla y concibe un perverso plan: casarse con la madre para poder estar siempre cerca de la irresistible Lolita... Adaptación de la novela homónima de Vladimir Nabokov
La deslumbrante novela de Nabokov tuvo una adaptación cinematográfica más que digna (era imposible igualar la perfección del texto), a cargo de otro maestro singular. La empresa era arriesgada, pero Kubrick se atrevió con la turbulenta relación de un hombre y su hijastra adolescente, creando una película bella, sugerente y desgarradora sobre el deseo y la perversa obsesión de la naturaleza humana. La polémica ya estaba servida de antemano, pero el arte acalló las voces religiosas que se levantaron contra su exhibición. Formidable.
Pablo Kurt
IL SORPASSO (por Dino Risi, Italia 1962)
Il sorpasso es una película italiana de comedia dramática de 1962 co-escrita y dirigida por Dino Risi y protagonizada por Vittorio Gassman y Jean-Louis Trintignant. El film es considerado una película de culto y uno de los ejemplos más famosos de la llamada commedia all'italiana.
EL ÁNGEL EXTERMINADOR (por Luis Bunuel, España / México 1962)
Hay muy pocas grandes películas de autor que se hayan convertido en culto en la historia del cine, y solo el estilo surrealista y abierto de Bunuel podría permitir tal combinación. La historia de un grupo de personas que, después de una cena, no puede salir de una suntuosa villa, bloqueada por una fuerza misteriosa y extraña, aún fascina, pregunta, hace sonreír y reflexionar al mismo tiempo. Absurda y surrealista, la obra maestra de Bunuel revela una crítica profunda y contundente de la hipocresía de la alta sociedad.
LAWRENCE DE ARABIA (por David Lean, Gran Bretaña, 1962)
Si busca la definición de éxito de taquilla épico en el vocabulario, seguramente encuentre la foto de David Lean, y más precisamente esta obra maestra. Quizás la película biográfica más grande de todos los tiempos, la película de Lean es un retrato fascinante y majestuoso de una metáfora muy importante y magnífica de cómo la obsesión devora el alma humana incluso cuando comienza con buenas intenciones, encarnadas por los ojos azules de Peter. O'Toole. Perderse en las dunas del desierto de Arabia, bajo las notas de esa música inconfundible, de pesadilla se convierte en puro cine. Solo en el cine para apagar un partido puede salir el sol.
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JULES Y JIM (por Francois Truffaut, Francia 1962)
Esta película de Truffaut es uno de los carteles más grandes y famosos de Nouvelle Vague, con ese tono nostálgico y delicado, melancólico e hipnótico. Sobre todo, nos da uno de los mejores personajes femeninos de la historia, un verdadero ícono del feminismo naciente en esos años, una figura que sostiene a los hombres como títeres y es la verdadera parte activa de la historia.
VIVIR SU VIDA (Jean-Luc Godard, 1962)
"Susan Sontag dijo que era 'una película perfecta' y 'una de las obras de arte más extraordinarias, hermosas y originales que conocía'. Muchos de nosotros estuvimos de acuerdo con Sontag y lo seguimos estando."
8½ (por Federico Fellini, Italia 1963)
Averigüe cuántas veces se ha mencionado y renovado esta película. Ve y mira ese comienzo y ese final nuevamente. Déjate cautivar por la mirada de Mastroianni. Piense en su infancia y tal vez en todos sus amores, escuchando las notas musicales de Nino Rota. En ese momento será fácil comprender el concepto de "obra maestra". Solo un genio puede transformar el bloqueo del escritor en su propia obra inmortal, yendo entre la biografía y la introspección psicológica más aguda que haría un bigote a Freud, con continuas lágrimas entre el sueño y la realidad, los recuerdos y el presente, tan frecuentes que dejan mucho. ambigüedad en lo que el espectador ve en la pantalla. Fellini es un gigante porque logra filmar y moldear pensamientos e imaginación, y este es el mayor testimonio de su cine.
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VIRIDIANA (por Luis Bunuel, España / México 1963)
Nunca ha habido ninguna duda de que Bunuel es el director más cáustico y poco convencional de la historia. Que una de sus películas pueda pasar a la historia incluso por una sola escena, la reconstrucción de la Última Cena realizada por una horda de pobres, esto se debe a la censura, que casi desvanece los méritos de un trabajo aún más fuerte y audaz, pero nunca blasfemo por el simple hecho de serlo. Bunuel critica a la sociedad, la religión y, al hacerlo, a la humanidad en su conjunto, mostrando que ser bueno no es tan fácil como alguien nos dice.
DOCTOR STRANAMORE (por Stanley Kubrick, EE. UU. 1964)
Kubrick lo ha dicho varias veces: quería hacer una película seria sobre los peligros de la Guerra Fría, pero solo al trabajar en la redacción del guión se dio cuenta de lo surrealista y absurda que era la situación, cuánto corría el riesgo del fin del mundo causado por comportamientos específicos. los humanos también abandonan para ser contados de una manera seria y dramática. Y así nació una de las mejores comedias de todos los tiempos, una película divertida, loca e incluso inquietante, sin duda la más anarquista de Kubrick. Quizás la sátira política más grande y más efectiva jamás creada, por el guión inteligente, por el uso racional de los lugares, por los ensayos extraordinarios de los actores (matriz de Peter Sellers en tres roles), por la audacia del tema y sobre todo en el que se trata y adapta en un momento histórico muy preciso.
EL EVANGELIO SEGÚN MATTEO (por Pier Paolo Pasolini, Italia 1964)
¿Puede una película basada en el Evangelio de Mateo, muy fiel a la historia de las Escrituras, ser tan nueva, original, innovadora y visceral? Si se da cuenta, hay un artista con una A mayúscula como Pasolini, un ateo que mejor que muchos creyentes comprometidos con el cine ha captado la esencia del cristianismo. La reinterpretación de Pasolini, hecha por jóvenes y diseñada para jóvenes, no entretiene demasiado en los pasos escatológicos y, sin embargo, es magnética, fascinante, misteriosa e incorporar el marxismo a la doctrina cristiana transforma a Jesús y a sus discípulos en un grupo de rebeldes que quieren cambiar. el mundo, chocando con el sistema construido, violento y conservador. Una obra política y religiosa, una obra maestra de rara belleza.
PERSONA (por Ingmar Bergman, Suecia 1966)
Dos figuras femeninas en el centro de la historia: Elisabeth, una actriz deprimida que ya no quiere hablar, y Alma, una joven enfermera con muchos proyectos, se encuentran viviendo juntas en la misma casa para tratar de superar el mutismo y el sufrimiento de la primera. . Esta relación los llevará a reflejarse entre sí hasta que pierdan su identidad y se conviertan en uno. Una de las obras más experimentales de Bergman en la que el director trata de llevar al espectador a las profundidades de los movimientos emocionales de los dos protagonistas, mostrando una vez más sus inmensas habilidades estilísticas y narrativas y su incesante análisis psicológico del ser humano.
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UN HOMBRE, UNA MUJER (por Claude Lelouch, Francia 1966)
No es una película sobre el amor, sino una película llena de amor. El trabajo de Lelouch sigue siendo un criterio para muchas historias sobre la relación entre el hombre y la mujer (solo piense en la trilogía Antes de Linklater), con ese uso inteligente de trucos narrativos y clichés en el momento adecuado, mezclando drama con pasión, dulzura con dolor, y aprovechando los mejores experimentos estilísticos tan populares en la época en el cine francés.
ANDREJ RUBLEV (por Andrej Tarkovskskij, Unión Soviética, 1966)
El cine de Tarkovsky siempre ha sido uno de los más fascinantes y difíciles para cualquier tipo de espectador, pero una vez penetrado en la piel y la mente, es difícil ahuyentarlo. Al igual que esta película, una de las más magnéticas y complejas para la expansión de los tiempos y los muchos temas abordados, un fresco de Rusia que se vuelve contemporáneo, para algunos conceptos que siempre permanecen actuales y universales, para esos sentimientos y pensamientos que tocan a cada hombre.
. BLOW-UP (por Michelangelo Antonioni, Gran Bretaña / Italia 1966)
LA BATALLA DE ARGEL (por Gillo Pontecorvo, Italia / Argelia 1966)
Para los no iniciados, esta película fue estudiada por varios movimientos de protesta a fines de la década de 1960, y notoriamente en los últimos años se ha mostrado en las bases militares estadounidenses para estudiar la guerra de guerrillas urbana. Si esto no te hace comprender lo importante e influyente que es la película de Pontecorvo, una muestra del corte documental audaz, riguroso y poderoso de la guerra de independencia de Argelia, no sé qué puede ser.
"La película narra algunos episodios de la guerra de independencia argelina que trascurren en la capital, Argel, en un contexto de enfrentamiento político-militar asimétrico entre la organización clandestina del Frente de Liberación Nacional y unas
autoridades francesas que pronto recurrirán a unidades militares de elite para poder enfrentar el desafío de los patriotas argelinos."
"Todos los estadounidenses sacarían algún provecho si vieran La
batalla de Argel, obra maestra que, a pesar de haber sido coproducida por un exdirigente del Frente de Liberación Nacional (FLN),
describe con clínica imparcialidad la crueldad que anidaba en todos
los bandos y elude las intenciones moralizantes y manipuladoras que
a menudo contaminan el arte político.
Álvaro Vargas Llosa
EL GRADUADO (por Mike Nichols, Estados Unidos 1967)
La protesta juvenil y la revolución sexual. Sin duda, la película que mejor resume estos dos conceptos, explorándolos con originalidad, sinceridad, atención e incluso miedo, es The Graduate , una de las películas simbólicas de la década y más allá. En la historia de un niño que aún no es un adulto pero ya no es un adolescente, de cómo no sabe qué hacer con la vida y las relaciones románticas, existe todo el mundo y la sociedad de ese período. Las canciones de Simon & Garfunkel, la actuación ligera de Dustin Hoffman que firma un debut para gritar, y ese final ambiguo que todavía nos angustia, nos entregan una película inolvidable.
.TIEMPO DE JUEGO - TIEMPO DIVERTIDO (por Jacques Tati, Francia 1967)
Jacques Tati no solo fue el genio de la comedia física francesa, sino también uno de los cineastas más ambiciosos y visionarios de la historia, uno de los pocos (y en esto recuerda a Chaplin, no solo por el estilo cómico) que comprende la capacidad de la comedia para contar El mundo circundante. Esta película profética nos muestra la deshumanización del mundo, ahora dominada por la tecnología y la globalización, siempre logrando hacer reír y pensar a la gente. La secuencia muy larga del restaurante debe tomarse y estudiarse diariamente en las escuelas de cine.
Midnight Cowboy, (por John Schlesinger, Estados Unidos 1969)
La destrucción del sueño americano es todo en esta película, una de las quejas sociales más fuertes e historias de amistad jamás contada por el cine. Valiente y controvertido, tanto que en el momento en que merecía la misma censura vista en las películas pornográficas, A Man from the Sidewalk pasó a la historia también por las fantásticas interpretaciones de John Voight y especialmente de Dustin Hoffman, el primero después de que Brando consagró definitivamente método actor como mantra para todas las interpretaciones en la siguiente década.
Z LA ORGÍA DEL PODER (de Costa-Gravas, Francia / Argelia 1969)
El cine político tiene muchos ejemplos maravillosos y muy buenos autores (nosotros en Italia éramos maestros en los años 70) pero quizás esta es la verdadera obra maestra del género. Entre la necesidad de investigar y el deseo de despertar a la gente, la película de Costa-Gravas es un gran retrato del golpe de estado del coronel en Grecia, y ahora adquiere aún más fuerza ante el simple pensamiento que se hizo en ese momento. El uso de medios técnicos y medios escénicos es perfecto, con tensiones emocionales y narrativas que viajan de la mano, y la capacidad de indignarse permanece intacta con cada visión.
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