DE ISABELLA DE SILVESTRO 8 JULIO 2021
No es habitual hoy en día que algunas de las mentes más brillantes del cine trabajen juntas en un mismo proyecto. Estamos acostumbrados a concebir la película como un producto artístico unitario resultante del trabajo de un único director. En los años 1960, en cambio, era frecuente que directores de gran calibre interactuaran artísticamente, trabajando juntos en una película antológica que, respetando el lenguaje expresivo de cada uno, llegaba a crear un producto artístico unitario.
Este es el caso de Ro.Go.Pa.G. , estrenada en cines en 1963, cuyo extraño título ya tiene su propia particularidad. De hecho, fue realizada por cuatro de los más grandes directores de la época: Roberto Rossellini, Jean-Luc Godard , Pier Paolo Pasolini y Ugo Gregoretti. Los cuatro cortometrajes que componen la película utilizan lenguajes contrastantes y abordan temas aparentemente lejanos. De hecho, si buscáramos un elemento de unidad podríamos encontrarlo en la incisividad de los relatos, en su tono crítico y, en particular, en el relato de una época narrada a través de las ansiedades, miedos, ambiciones y contradicciones de los hombres que fueron protagonistas. Estamos en el apogeo del boom económico: cruzamos el océano en un avión de línea, tememos la explosión de una bomba atómica, bailamos, comemos y trabajamos olvidando quién sigue muriendo de hambre, miramos la televisión y soñamos con ser dueños del mundo. un objeto a la vez. Estos, en definitiva, son los temas de Ro.Go.Pa.G.: cada episodio es un fragmento, una mirada única en el momento que aspira a inmortalizar.
La película comienza con el episodio dirigido por Roberto Rossellini, titulado Illibatezza. . La protagonista es Anna Maria, una joven que trabaja como azafata y por ello se ve obligada a pasar largas temporadas alejada de su novio al que envía películas caseras que cuentan su día a día. En uno de sus viajes conoce a un pasajero americano que la corteja de forma asfixiante y desagradable, identificándola con su ideal femenino angelical y maternal. Siguiendo el consejo de un psiquiatra consultado por su novio celoso, la chica cambiará su apariencia, transformándose en una provocativa pin up girl, disminuyendo así el interés del pasajero acosador. La historia es interesante si se lee a la luz de la afirmación que abre el cortometraje, tomada de una frase del psicoterapeuta austriaco Alfred Adler, según la cual "el hombre de hoy se ve frecuentemente oprimido por una angustia indefinible y, en el afán cotidiano, el inconsciente le sugiere un refugio que lo protegía y alimentaba: el útero materno. Para este hombre ahora privado de sí mismo, incluso el amor se convierte en la búsqueda quejumbrosa del útero protector”.
El segundo episodio, dirigido por el director francés Jean-Luc Godard, retoma el estilo puro de la Nouvelle Vague, con una voz en off que narra fríamente los hechos. El nuevo Mundo que el episodio escenifica es el que sigue a una explosión atómica que aparentemente ha dejado inalterados objetos e individuos, a pesar de haber arañado su esencia para siempre. Ambientado en un París asumido como símbolo de una escalofriante metrópolis del futuro, el cortometraje de Godard es la historia de una relación entre dos jóvenes que se deteriora debido al incomprensible comportamiento de la chica, que parece no poder ya comprender la lógica elemental de las pequeñas cosas del día a día. “En la persona que amaba”, dice el protagonista, “todo sentido moral había desaparecido abruptamente o peor aún, faltaba por completo ese sentimiento de libertad que aún ayer poseía hasta el más pequeño de los hombres”. El episodio es tan angustioso como sutiles y aparentemente insignificantes las huellas del apocalipsis. La destrucción del mundo que conocemos, nos dice Godard, no nos dejará sin sangre bajo los escombros de un mundo espectacularmente explotado. En cambio, dejará todo aparentemente sin cambios, pero corrompido para siempre en una pérdida irrecuperable de significado.
El episodio final está dirigido por Ugo Gregoretti. El pollo de corral es el sorprendente ejemplo de una brillante crítica social y moral, bien escrita y bien interpretada por un Ugo Tognazzi expresivo y muy creíble, que juega en casa a interpretar al hombre medio del boom. En la inauguración, un economista de la nueva escuela que habla a través de un laringófono capaz de dar a su voz un inquietante timbre robótico, da una conferencia sobre las últimas fronteras del consumo. La nueva economía, afirma, ya no se basa en una producción que interprete y satisfaga las necesidades del hombre, sino, por el contrario, en necesidades del hombre que deben ser estimuladas, si no creadas, para impulsar la producción: "La psicología del envejecimiento del producto tal vez sea el principal aliado de nuestra industria”, afirma el economista. Como prosiguió la conferencia -lo que casi sugiere que en determinadas situaciones la expresión "poderes fuertes" no es la herramienta retórica de los teóricos de la conspiración más imaginativos, sino un verdadero mundo elitista y cerrado de sujetos que tienen en sus manos la dirección económica y social de En el mundo capitalista occidental, se alterna la historia de una familia. El matrimonio y sus dos hijos pequeños, fascinados por los anuncios de televisión, personifican perfectamente el núcleo humano del consumo, es decir, la nueva clase pequeña y media que recientemente se ha enriquecido gracias al boom económico y que, por tanto, aspira a aumentar espectacularmente el número de cosas que pueden comprar. poseer sin que ello suponga una satisfacción real y definitiva. sino un mundo real elitista y cerrado de individuos que sostienen la dirección económica y social del mundo capitalista occidental: las vicisitudes de una familia alterna. El matrimonio y sus dos hijos pequeños, fascinados por los anuncios de televisión, personifican perfectamente el núcleo humano del consumo, es decir, la nueva clase pequeña y media que recientemente se ha enriquecido gracias al boom económico y que, por tanto, aspira a aumentar espectacularmente el número de cosas que pueden comprar. poseer sin que ello suponga una satisfacción real y definitiva. sino un mundo real elitista y cerrado de individuos que sostienen la dirección económica y social del mundo capitalista occidental: las vicisitudes de una familia alterna. El matrimonio y sus dos hijos pequeños, fascinados por los anuncios de televisión, personifican perfectamente el núcleo humano del consumo, es decir, la nueva clase pequeña y media que recientemente se ha enriquecido gracias al boom económico y que, por tanto, aspira a aumentar espectacularmente el número de cosas que pueden comprar. poseer sin que ello suponga una satisfacción real y definitiva.
En el episodio, la pareja es enviada a "la Suiza de los lombardos" para comprar un terreno para una segunda residencia que no pueden permitirse. Marido y mujer se detienen con sus hijos en un restaurante de carretera para almorzar. La familia ingresa al restaurante por una puerta en la que hay un cartel de prohibición de entrada y por ello son inmediatamente amonestados por la camarera que los invita a entrar por el lado derecho, es decir, el que antes de entrar al restaurante se traga a los clientes. en un laberinto de artículos a la venta que atraen inmediatamente a los niños. La puerta con la prohibición que permitiría un cómodo acceso a las mesas es una metáfora de aquel "antes del tiempo", ya desaparecido, donde a una necesidad le seguía una acción que la satisfacía y no, por el contrario, otra necesidad construida de forma manipulativa. camino.
La escena que da nombre al episodio tiene lugar justo en el restaurante, donde a la familia le ofrecen un "pollo de corral". Cuando el niño le pregunta a su padre por qué prefiere un pollo de corral a un pollo de granja, el padre responde “Porque es más sabroso, tal vez porque come con más apetito, es decir, come cuando quiere y como le gusta. Bueno, ya sabes, es este libre albedrío lo que probablemente lo hace más sabroso. El pollo de granja, en cambio, no lo es, como es un polluelo, lo colocan en su pabellón, lo acostumbran, lo someten a una disciplina, no puede decidir nada en absoluto, simplemente hace lo que le dicen: rojo luz, despertador; luz verde, comer; campana, eso es todo. Eso es todo. Pero mientras tanto tiene comida asegurada y científicamente gana peso. Su subconsciente actúa. De todos modos, no puede decidir nada.
El significado de la historia reside enteramente en esta metáfora: el hombre consumidor es para el hombre libre lo que el pollo de granja es para el pollo de corral. Si se enfrentara a una elección consciente, todo hombre preferiría la sabrosa libertad a la insípida esclavitud del consumo, pero, nos dice Gregoretti, la naturaleza manipuladora y al mismo tiempo ingeniosa del mercado reside precisamente en la forma furtiva en que sabe cómo adoctrinar a su "gallina" haciéndole creer que la libertad es posesión y no libre albedrío, autoconciencia y necesidades reales. El personaje interpretado por Tognazzi es un hombre que se vuelve agresivo por la frustración de no poder nunca estar a la altura. La tierra a la que aspira y que no podría permitirse ni siquiera endeudándose genera un desprecio por el mundo que es el del zorro que no puede llegar a las uvas y para no admitirlas decide que no están maduras. De hecho, en el único momento de lucidez, el protagonista derrotado le dirá a su esposa: “¿Estás llorando? Quizás antes era mejor que ahora y lo llorábamos. A la gente le puede parecer lo contrario, pero es verdad”. Es gracias a esta amarga observación que el director nos advierte contra las trampas del nuevo régimen consumista que se estaba imponiendo en esos años.
El tercer episodio es también aquel cuya fama superó a la de los otros tres. Esta es La Ricota de Pier Paolo Pasolini, un cortometraje que sigue a un grupo que filma la pasión de Cristo en la campiña romana. Alternando colores con blanco y negro, la narración avanza rápidamente, neurótica y por momentos deliberadamente grotesca. El protagonista es Stracci, un pobre extra que hace de buen ladrón y que tiene su propio vía crucis personal. Después de llevar la cesta del almuerzo recibida de la producción a su esposa y a sus cuatro hijos hambrientos, Stracci, en medio de imprevistos y vicisitudes, intenta por todos los medios conseguir más alimentos para aplacar su eterna hambre de proletario. Su destino es trágico: incitado por la comparsa burlona a atiborrarse, acabará muriendo de indigestión en la cruz.
El director, interpretado por Orson Welles, comenta: “Pobres trapos. Morir: no tenía otra manera de recordarnos que él también estaba vivo". Sin embargo, la línea original ideada por Pasolini era diferente – “ pobre Stracci, morir era su única manera de hacer una revolución” – pero el director se vio obligado a cortar y revisar muchas escenas tras los viciosos procesos judiciales que afectaron a la película. De hecho, Pasolini fue condenado por desacato a la religión y tuvo que esperar hasta mayo de 1964 la absolución del tribunal de apelación de Roma, que se expresó afirmando que el hecho no constituía un delito.
Lo que hoy se recuerda de La Ricotta , más allá de la pasión de Stracci y su muerte simbólica por los pecados de quienes construyeron una fortuna con su pobreza, es lo que el director interpretado por Orson Welles le dice al periodista que lo entrevista durante un descanso de rodaje. A la pregunta "¿Qué opinas de la sociedad italiana?", el director y alter ego de Pasolini responde: "La gente más analfabeta, la burguesía más ignorante de Europa". Finalmente, después de haber recitado el poema titulado Soy una fuerza del pasado , al darse cuenta de la desorientación del periodista, Welles lo acusa de ser un hombre común y corriente , o más bien "un monstruo, un criminal peligroso, conformista, colonialista, racista, esclavista, indiferente".
Será precisamente esta culpa abierta que Pasolini dirige al nuevo modelo de hombre que ha producido la sociedad de consumo, lo que hará de La Ricotta uno de los retratos más agudos de la sociedad italiana entre dos tiempos: uno ahora considerado rancio y decadente, y por este renegado, y uno nuevo y prevaleciente que reduce al individuo a opresor sin que este tenga al menos la honestidad para reconocerlo o la inteligencia para comprenderlo.
En las páginas de Espresso , tras el estreno de la película, Alberto Moravia escribirá que “la Italia del pasado, de hecho, era el país del hombre, en toda su humanidad; Italia, en cambio, hoy es sólo el país del hombre medio”. Es de este hombre medio, presentado por Rossellini como el hombre perpetuamente hijo, por Godard como el asustado por una barbarie apocalíptica que quita el sentido de la vida y su elaboración, por Pasolini como el instigador moral de la crisis de Stracci. pasión, y por Gregoretti como consumidor insaciable y estúpido como un pollo de granja, que captamos el verdadero significado de una época. Es una obra colectiva que nos lo devuelve, donde el talento y la mirada de un autor se encuentran con los de los demás, en un mosaico de inteligencias y lenguajes que hoy nos resulta tanto más precioso cuanto más ajeno a nosotros. nuestra manera de hacer cine.
![El estudiante [Cuento - Texto completo.] Anton Chejov](https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjUgZbXiUlJWHAttOBNps7N0uofcnsuzZmj4gBska-4-E1jMHX-oiBYBTLsGc13f20-eWM8WarYPnMv89dY40JFqEOsLO4gTWCGEy12gHeVfW3sMaAhW9x6rSt6wBby8pCXw6HzdTErVz9NY4gAb4yt0DHyHH7dCpnQF16YwJJ4uu06hOGeWLRURqgp/w72-h72-p-k-no-nu/jpg.jpg)
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