DE JENNIFER GUERRA 15 DE DICIEMBRE DE 2022
Después de veinte años en la Maison, siete de los cuales como director creativo, Alessandro Michele dejó Gucci el 23 de noviembre. Su dimisión fue seguida con gran interés, no sólo por los expertos de la industria. Gracias a su visión híbrida y onírica, pero también capaz de crear prendas y accesorios concretos e icónicos, Michele logró en pocos años hacer que Gucci encarnara el Zeitgeist no sólo de la moda, sino también de la cultura pop, el arte y la contemporaneidad . discurso. Tanto es así que cada campaña, colección o elección de comunicación del diseñador ha generado posicionamientos, discusiones y brotes discursivos que han demostrado, como quizás no ocurría desde hace años, cómo la moda es culturalmente relevante y afecta la realidad.
La ropa y los complementos suelen considerarse un tema frívolo y de segundo orden, especialmente en entornos culturales donde todavía existe una clara separación entre la dimensión del intelecto y la del cuerpo, también en cuanto a la forma en que se debe adornar. Un cierto descuido o descuido en la vestimenta se ve casi como un signo de distinción moral frente a quienes toman decisiones más reflexivas frente al armario. Esta intolerancia hacia la moda es, en realidad, muy miope: por un lado, como enseña Miranda Priestly en una famosa escena de El diablo viste de Prada., un suéter cerúleo sacado de la canasta de ofrendas es, sin embargo, el resultado de una infinidad de procesos internos de creación y producción de moda de los que no se puede escapar; Por otra parte, el prejuicio según el cual la moda es un tema de poca importancia tiene raíces misóginas muy antiguas, que se remontan a la formulación de leyes suntuarias, medidas contra la ostentación del lujo difundidas en la época medieval, que limitaban la manera en que la gente, y las mujeres en particular, podían disfrazarse.
Por el contrario, la vestimenta ha jugado un papel decisivo a lo largo de la historia en la distinción de clases sociales, en la promoción de determinados valores morales y finalmente en la construcción y expresión de la identidad personal. Como recuerda la periodista Mariella Milani – en diálogo con la maquilladora y dragista Stephanie Glitter en el Basement Café by Lavazza Masterclass “El desafío de la moda a los estereotipos de género” – la moda no es sólo representativa del ethos, es decir, del espíritu de la época, pero también es un instrumento de imaginación y sueños. Entre la Segunda Guerra Mundial y los años noventa, hubo una época en la que los estilistas eran auténticas deidades, que vivían casi en una realidad separada, cuyo principal objetivo era crear una especie de fantasmagoría de la mujer. Al ampliar o reducir los escotes, acortar o alargar los dobladillos de las faldas, elegir formas anchas y neutras o estrechas y alusivas, los estilistas -en lugar de responder a la mirada masculina- crearon de vez en cuando un nuevo simulacro de mujer.
En el pasado, la moda tenía un fuerte componente idealista también porque en cierto sentido podía permitírselo: las marcas eran pocas y tenían el control directo de cada fase de la producción de la prenda, desde el diseño hasta el embalaje, pero sobre todo la demanda de La ropa era muy inferior a la actual. Hoy, sin embargo, la impresión es que el componente materialista de la moda ha superado al imaginativo y creativo. Por otra parte, ahora se producen cien mil millones de prendas al año, lo que corresponde a 92 millones de toneladas de residuos textiles que acaban en los vertederos, el equivalente a un camión por segundo. Si este ritmo continúa, se estima que el volumen de desechos textiles alcanzará los 134 millones de toneladas por año al final de la década. El problema, pues, no concierne sólo a la fast fashion o ultra fast fashion, que tiene un ciclo de vida aún más corto, sino también a las marcas más famosas. Ahora una marca produce al menos seis colecciones al año, sin contar las decenas de colecciones cápsula , colaboraciones con otras marcas, ediciones limitadas, etc.
Se suele decir que los estilistas ya no son capaces de producir nada nuevo, o que se limitan a volver a proponer colecciones del pasado con algunos pequeños cambios. Y si por un lado es cierto que la nostalgia está desempeñando un papel protagonista en la moda, como observa Mariella Milani al hablar de la popularidad de lo vintage, también lo es que una producción tan continua y masiva, orientada a la acumulación, hace que sea cada vez más Dificulta el proceso creativo. No sólo porque los estilistas trabajan bajo presión y con una petición constante de hacer algo nuevo, vendible y que además se vuelva viral en las redes sociales ., pero también porque el ruido de fondo creado por la competencia entre las propias casas de moda y entre las casas de moda y el fast fashion, dispuestos a copiar la colección el mismo día de su presentación, aplasta inevitablemente la imaginación.
En su importante libro teórico Dressing in Dreams Elizabeth Wilson escribe que la moda es una experiencia liminal. Al entrar en un museo de disfraces o ver un maniquí en un escaparate, sentimos cierta inquietud porque la moda “nos obliga a reconocer que el cuerpo humano es más que una entidad biológica. Es un organismo dentro de la cultura, casi un artefacto cultural, y sus límites son inciertos”. La ropa es a la vez materia e imagen, pero en el momento en que la materia se vuelve preponderante, desaparece el reconocimiento de que el cuerpo -vestido, pero no sólo- es "algo más". La ropa se reduce a una mercancía, una mercancía que también ha perdido su funcionalidad, o no se explicaría por qué un cinturón se vende como una falda, o por qué encontramos crop tops de algodón en las tiendas en enero. Esta mercancía se convierte en un significante vacío,
Si la moda continúa perdiendo su componente onírico a este ritmo, la esperanza de que se convierta en la fuerza impulsora del cambio social corre el riesgo de desvanecerse. La historia del traje enseña que si por un lado la vestimenta era fundamental para afirmar los roles de género, por otro los códigos con los que se llevó a cabo esta operación son completamente arbitrarios. Precisamente porque la moda lleva el cuerpo más allá de su mera dimensión natural, es la herramienta perfecta para ampliar las fronteras del género: hay épocas y contextos geográficos en los que el uso del maquillaje, los tacones o las faldas no ha sido en absoluto exclusivo de las mujeres y No existe ninguna razón biológica que prescriba un determinado tipo de vestimenta en función del género.
En los últimos años, el imaginario de la moda ha cambiado mucho. No sólo se ha hecho mucho para promover la diversidad étnica entre las modelos, hasta el punto de que en la presentación de las colecciones de otoño de 2022 se logró una paridad sustancial en el número de modelos blancas y no blancas, sino que se puede decir que la moda es yendo cada vez más en la dirección de una mezcla entre géneros. Muchos diseñadores, por ejemplo, han decidido no dividir más sus colecciones en masculina y femenina o han comenzado a proponer prendas sin género , a raíz de los cambios sociales relacionados con la identidad sexual. De hecho, sería un error pensar que la moda está impulsando estos cambios: precisamente porque está inmersa en el ethos, la moda es un instrumento de progreso social, no lo que lo dirige.
Sin embargo, este posicionamiento diferente de la imaginación de la moda en relación con el género debe compararse con la dimensión de producción de la ropa. El riesgo es que esta revolución se convierta en nada más que otra tendencia más, o incluso una microtendencia , que desaparecerá después de un tiempo, llenando los vertederos con toneladas más de ropa que ha pasado de moda. Como el género es una cosa seria, es importante que no se reduzca a una mercancía y que la moda vuelva a ser, al menos en parte, ese sueño capaz de imaginar algo verdaderamente diferente. Por eso es necesario un replanteamiento total de esta industria: menos ropa, mayor calidad, más atención a qué y a quién quiere representar. Sólo así la nostalgia por la época dorada de la moda no correrá el riesgo de convertirse en arrepentimiento.
Este artículo ha sido elaborado por THE VISION en colaboración con Basement Café by Lavazza para la primera temporada de Masterclasses, el spin-off dedicado a las reflexiones de grandes invitados de diferentes ámbitos que, desde el mundo periodístico al editorial, de la música a la actualidad asuntos, hablarán de sus pasiones. Las Masterclasses, de una hora de duración , son completamente gratuitas. Para participar, simplemente regístrese en el sitio.
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