"El gran cansancio de la existencia no es más, tal vez, que el enorme trabajo que nos tomamos para ser razonables durante veinte, cuarenta años y más, para no ser simple y profundamente uno mismo, es decir: inmundo, atroz y absurdo. Una pesadilla, tener que presentar desde la mañana hasta la noche un superhombre, como un pequeño ideal universal, al subhombre claudicante que se nos ha dado." (Celine)
"Para Céline la humanidad es abyecta, no existe nadie libre de culpa. Demostrar eso, que la maldad está presente en todas partes, es el motor de su primera novela. Mostrar cómo se manifiesta el egoísmo en África, en América, en París, entre burgueses, entre soldados, obreros, borrachos, enfermeras, prostitutas, nobles, ancianos, niños. ¿Qué es la noche para Céline? La vida misma, es decir, la guerra. Llegar a su fin es un acto de sinceridad, de desnudez. Todo aquél que se despoja de sus amables vestiduras, revela lo que hay en él de inadmisible. Por lo tanto, los nazis fueron los más sinceros de todos, al mostrar a cara descubierta todo el horror que eran capaces de provocar en el mundo. Viajar al fin de la noche es no extraviarse del camino de la soledad y la maldad: no intentar nada para alejarse del abismo, no maquillar la pesadilla. El nazismo fue para Céline el fin de su propia noche, fue su estación final, definitiva."
(Céline: el hombre enfadado por Andreu Navarra Ordoño )
Viaje al fin de la noche, "novela del pesimismo, dictada por el espanto ante la vida y el hastío que ella ocasiona"
León Trotsky
"Quien se niega a leer a Quevedo (cuya ideología no fue mucho mejor que la de Céline), o rechaza El mercader de Venecia por antisemita y Otelo por apología de la violencia de género es un filisteo, no un exquisito moralista. Pero lo grave es que las abominables desmesuras raciales y políticas de Céline mantienen un torturado parentesco con los rasgos que hacen su obra única e insustituible en la literatura del siglo XX". FERNANDO SAVATER 28 JUN 2011
"Muchos se resisten a reconocer el talento de Céline por sus simpatías hitlerianas, pero nadie como él describió con intuición genial esta humanidad obtusa y estúpida."
Vargas Llosa
Viaje al final de la noche(1932) y Muerte a crédito (1936)
"En aquellas dos primeras novelas lo que destaca es la ferocidad de una postura -la del verboso narrador- que arremete contra todo y contra todos, cubriendo de vituperios y exabruptos a instituciones, personas, creencias, ideas, hasta esbozar una imagen de la sociedad y de la vida como un verdadero infierno de malvados, imbéciles, locos y oportunistas, en el que sólo triunfan los peores canallas y donde todo está corrompido o por corromper. El mundo de estas dos novelas, narradas ambas en primera persona por un Ferdinand que parece ser el mismo (en Muerte a crédito cuenta su niñez y adolescencia hasta que se enrola en el Ejército y, en El viaje al final de la noche, su experiencia de soldado en la Primera Guerra Mundial, sus aventuras en el África y en Estados Unidos y su madurez de médico en los suburbios de París), sería intolerable por su pesimismo y negrura, si no fuera por la fuerza cautivadora de un lenguaje virulento, pirotécnico y sabroso que recrea maravillosamente el argot popular y finge con éxito la oralidad, y por el humor truculento e incandescente que, de tanto en tanto, transforma la narración en pequeños aquelarres apocalípticos. Estas dos novelas de Céline, más que para ser leídas, parecen escritas para ser oídas, para entrar por los oídos de un lector al que los dichos, exclamaciones, improperios y metáforas del titi parisién de los suburbios le sugieren todo el tiempo un gran espectáculo sonoro y visual a la par que literario. Qué oído fantástico tuvo Céline para detectar esa poesía secreta que escondía la jerga barriobajera enterrada bajo su soez vulgaridad y sacarla a la luz hecha literatura.."
"En aquellas dos primeras novelas lo que destaca es la ferocidad de una postura -la del verboso narrador- que arremete contra todo y contra todos, cubriendo de vituperios y exabruptos a instituciones, personas, creencias, ideas, hasta esbozar una imagen de la sociedad y de la vida como un verdadero infierno de malvados, imbéciles, locos y oportunistas, en el que sólo triunfan los peores canallas y donde todo está corrompido o por corromper. El mundo de estas dos novelas, narradas ambas en primera persona por un Ferdinand que parece ser el mismo (en Muerte a crédito cuenta su niñez y adolescencia hasta que se enrola en el Ejército y, en El viaje al final de la noche, su experiencia de soldado en la Primera Guerra Mundial, sus aventuras en el África y en Estados Unidos y su madurez de médico en los suburbios de París), sería intolerable por su pesimismo y negrura, si no fuera por la fuerza cautivadora de un lenguaje virulento, pirotécnico y sabroso que recrea maravillosamente el argot popular y finge con éxito la oralidad, y por el humor truculento e incandescente que, de tanto en tanto, transforma la narración en pequeños aquelarres apocalípticos. Estas dos novelas de Céline, más que para ser leídas, parecen escritas para ser oídas, para entrar por los oídos de un lector al que los dichos, exclamaciones, improperios y metáforas del titi parisién de los suburbios le sugieren todo el tiempo un gran espectáculo sonoro y visual a la par que literario. Qué oído fantástico tuvo Céline para detectar esa poesía secreta que escondía la jerga barriobajera enterrada bajo su soez vulgaridad y sacarla a la luz hecha literatura.."
“muchos se resisten a reconocer el talento de Louis-Ferdinand Céline (1894-1961). Pero lo tuvo, y escribió dos obras maestras, Viaje al final de la noche (1932) y Muerte a crédito (1936), que significaron una verdadera revolución en la narrativa de su tiempo. Luego de estas dos novelas su obra posterior se desmoronó y nunca más despegó de esa pequeñez y mediocridad en que viven, medio asfixiados y al borde de la apoplejía histérica, todos sus personajes.”
Vargas Llosa
"Vargas Llosa menciona con razón a Quevedo. El autor de los más bellos sonetos de amor escritos en nuestra lengua y de una obra de la riqueza e inventiva verbal del Buscón era, desde el punto de vista de nuestra ética social y de la honradez exigible a una persona, un perfecto mal bicho. Si las alusiones a las narices atribuidas a los conversos y su horror al tocino se suceden a lo largo de la novela en unos capítulos de lectura sabrosa, sus poemas satíricos y burlescos (412 sin contar los que contienen hirientes befas de algunos de sus colegas) compendian un vasto muestrario de racismo, antisemitismo, misoginia y homofobia que no perdonan a nadie con excepción de los militares y de los curas de misa y olla."
De este mundo empiezan a amaros es porque van a convertiros en carne de cañón”. Viaje al fin de la noche (1932). Louis Ferdinand-Céline (1894-1961).
"Sin duda alguna, la posición antisemita de Céline nos sitúa ante un personaje despreciable desde el punto de vista moral, pero eso nada nos dice de su altura artística. Dos de las novelas de este autor, Muerte a crédito y Viaje al fondo de la noche lo sitúan entre los nombres más importantes de la literatura francesa del siglo XX (junto a Marcel Proust y Albert Camus). Y eso es, a mi juicio, innegable."
Una referencia aun mas explicita seria llamado el “cuadro vivo”, un giño artístico consistente en la reproducción de un cuadro a través de decorados, vestuario y posición de los actores ante la cámara, como lo es en 
Sigamos a esa mujer en el otoño de sus vida, ha hecho el equipaje y mientras contempla la tarde ya se siente lejos, buscará a alguien o quizás mejor permanecerá sola. Esa mujer, madre, amiga, esposa, que toma café mientras unos ojos extraños la miran sin verla, mientras piensa en todo aquello que ha dejado atrás. Es educada distinguida, su apariencia es perfecta, siempre ha sabido mantenerse serena, ahora dueña de su vida, detiene el tiempo y piensa en si misma, como caen las hojas caen también sus sueños. 
En Autómata, vemos una gran ventana tras la mujer, la cual no tiene muchos detalles en su rostro pero que transmite una carga emocional reflejada en el solo hecho de la inclinación del mismo rostro, demostrando que no es el rostro, sino mas bien la situación y el ambiente que se crea para detonar un reflejo de identificación en nuestras propias emociones.
pie a un descanso y reflexión de nosotros mismos, o simplemente a pensar. No el solo hecho de pensar o reflexionar sobre algo sino sobre nosotros mismos. Hopper se interesa por la mujer, ya que logra entregar señales significativas e interesantes para reflejar la carga emocional, siendo esta su guía para transmitir sus emociones hacia una realidad interna que se exterioriza.
Hopper logró capturar la psicología de los personajes, de los lugares y de una época característica de la Norteamérica de 1950, transformándose en un referente e icono de la modernidad, es así como se identifica a Hopper dentro de la perspectiva e identidad norteamericana, que no refleja el sueño americano sino que es una vuelta a la realidad, los personajes son héroes humanizados, que ya no creen en la Norteamérica que se les invento, y que sufren de realidad o se encuentran en el estado de suspenso reflexión sobre su propia existencia y soledad, no encontrando una identificación con lo que los rodea, siendo extraños dentro de su realidad, desarraigados del espacio, generando una sensación de tristeza absorta que no alcanzamos a entender y a demostrar con todo nuestra emoción, sino que se queda dentro. Personajes perdidos en la ciudad, donde las grandes luces de la ciudad no iluminan a las personas dando la sensación de personas solas tanto externamente como en su interioridad, generando un extraña sensación y pensamiento del nuevo espíritu americano, crea una intemporalidad, un tiempo vacío, el cual ya queda demostrado 
tanto en sus personajes como en los espacios, congelando un momento en el espacio que de alguna manera pide una acción o se encuentra en un estado de estático y detenido, mostrándonos la situación angustiosa que viven estos personajes, demostrándolo la estructura y la arquitectura vacía de las ciudades norteamericanas, eliminando todo aquellos objetos cotidianos, dejando solo el vacío de los elementos característicos de un espacio y de una vida. En cuanto mas elimina aquellos elementos de una vida provinciana, mas se acerca a lo universal de un mundo contemporáneo.
Así se podría decir que Hopper representa tanto o de mejor manera el concepto norteamericano que el mismo Pollock, el cual representa el arte moderno como la expresión de los objetivos contemporáneos de la época, demostrándolo con su pintura abstracta. Pero en este sentido, podríamos decir que la pintura abstracta, en su último viaje la eliminación nos lleva a prescindir de las formas, lo cual también se ve representado por Hopper en su condición de figurativo ya que como se ha señalado, también tiene mucho de esto en sus obras, haciendo que solo se vea color, formas y líneas. Aunque como sabemos, siendo Hopper uno de los fundadores de la revista 
Reality,rechaza el arte abstracto y a sus contemporáneos de la escuela de Nueva York como William Kooning y Mark Rothko o Jackson Pollock, quienes admiraron algunas de sus obras.
Siendo esta luz un protagonista mas de estas obras, a diferencia de Caravaggio el cual la sombra ha de ser su personaje. Es así como Hooper define con gran precisión los haces de luz que entran en su cuadro, generando verdaderas barras de iluminación, siendo una gran influencia del cine norteamericano de los años cuarenta, mas conocido como cine negro. Con sus obras los artistas narran, reflexiona y transmite esos sentimientos que le inquietan y atormentan, y tratando de una personalidad reservada y retraída como la de Edward Hopper el estudio de su arte resulta revelador.
Lo que Hopper entendió sobre la pintura y la forma de hacer cine, es que éste se conforma a través de la aparente realidad, es una construcción. Así también Hopper en sus pinturas, toma elementos de la realidad para generar su propia ficción, esta idea ha repercutido en los cineastas, que han entendido que las metáforas visuales transforman los conceptos externos en algo interno de los personajes, en un mundo propio e intimo.
Lynch logra captar dentro de sus películas la sensación de aislamiento, algo espeluznante que ocurre dentro de escenarios normales o cotidianos, y esto se logra presencia en la mayoría de los cuadros de Hopper: lo grotesco, lo surreal, esa pesadilla durmiendo en las esquinas del cuadro, y que de alguna manera derrumba la visión del voyeur el cual al descubrir lo que esta mirando, se encuentra en mundo atractivo pero extraño a la vez, en la sensación de que nunca debería haber estado aquí, pero que te obliga a posicionarte como espectador de un lado o del otro. Logrando así, tanto en los cuadro como en las realizaciones influenciadas por Hopper, la realidad idílica de la américa que se ve asechada por lo oculto, por una realidad que evoca a la superstición y a la religión y a todas las tradiciones americanas que sobreviven en las comunidades mas aisladas, logrando sentir la inseguridad y locura dentro de los mismos personajes.
Hitchcock se ve influenciado no solo por los encuadres y composiciones, sino por algo inherente que va mas allá de lo puramente visual. Como Hopper, Hitchcocok observa a sus personajes, en el placer voyerista de mirar sin ser vistos, como en la ventana indiscreta, en la cual estamos en un constante visión de un cuadro con influencia Hooperianas, así como también en vértigo y en psicosis, demostrando que hasta la misma casa de la madre de Norman es la representación de La casa junto a las vías del tren, siendo ésta una de las primeras obras de Hopper en ser vendidas al museo de arte moderno de New York. Esta obra pintada en 1925 es uno de los mejores ejemplo de cómo Hopper dotó a sus arquitecturas de personalidad propia envolviéndolas de un halo de abandono haciéndolas parecer mas que un hogar en una constante amenaza representando lo aislado, siniestro y decadente.
Malas tierras, de Terrence Malick es la representación de este sentimiento de aislamiento para luego ponerlo en movimiento, la película road movie nos muestra la soledad de dos personas que solo pueden sobrevivir manteniéndose en movimiento, siendo como unos extraños dentro del mundo, demostrando una rivalidad entre los personajes y el mundo que les rodea. La soledad esta presente dentro de la visión de la Norteamérica sínica, pero al mismo tiempo compasivo y conmovedor.
Todd Haynes, ha sabido representar la vulnerabilidad de los personajes, los cuales se encuentran en una especie de burbuja claustrofóbica que logra aplastar sus vidas, es el caso de Lejos del cielo de 2002 y Safe de 1995.
es como se muestran en la pantalla, tras cortinas, ventanas, puertas, esculpidas en un contraste de luz y sombra como en el cine negro estas historias aparentemente triviales, se transformaron en una oportunidad para criticar la cultura superficial de consumo, reutilizando muchos de sus propios sueños, objetivos y fantasías, encontrando de manera concisa e implícita de hablar y transformar esos conceptos extremadamente vacíos en la bases del sueño americano. Cada cuadro, cada fotograma representa la claustrofobia que sienten los personajes femeninos atrapados en preciosos vestidos, pero que en el fondo están solas, remarcado por el mismo bienestar social que dicen tener.
En este cuadro nuestra atención no está en la pantalla de cine, sino en la soledad de la chica bajo la luz roja, detrás de las cortinas que van hacia el exterior, que por alguna razón se encuentra abatida e ensimismada, lo cual aterriza el glamour de la sala, hacia algo mas cercano y cotidiano.
