sábado, 8 de marzo de 2014

EL MALDITO ESCRITOR FRANCES LOUIS-FERDINAND CELINE

"El gran cansancio de la existencia no es más, tal vez, que el enorme trabajo que nos tomamos para ser razonables durante veinte, cuarenta años y más, para no ser simple y profundamente uno mismo, es decir: inmundo, atroz y absurdo. Una pesadilla, tener que presentar desde la mañana hasta la noche un superhombre, como un pequeño ideal universal, al subhombre claudicante que se nos ha dado." (Celine)

"Para Céline la humanidad es abyecta, no existe nadie libre de culpa. Demostrar eso, que la maldad está presente en todas partes, es el motor de su primera novela. Mostrar cómo se manifiesta el egoísmo en África, en América, en París, entre burgueses, entre soldados, obreros, borrachos, enfermeras, prostitutas, nobles, ancianos, niños. ¿Qué es la noche para Céline? La vida misma, es decir, la guerra. Llegar a su fin es un acto de sinceridad, de desnudez. Todo aquél que se despoja de sus amables vestiduras, revela lo que hay en él de inadmisible. Por lo tanto, los nazis fueron los más sinceros de todos, al mostrar a cara descubierta todo el horror que eran capaces de provocar en el mundo. Viajar al fin de la noche es no extraviarse del camino de la soledad y la maldad: no intentar nada para alejarse del abismo, no maquillar la pesadilla. El nazismo fue para Céline el fin de su propia noche, fue su estación final, definitiva." 
(Céline: el hombre enfadado por Andreu Navarra Ordoño )



Viaje al fin de la noche, "novela del pesimismo, dictada por el espanto ante la vida y el hastío que ella ocasiona"
 León Trotsky



"Quien se niega a leer a Quevedo (cuya ideología no fue mucho mejor que la de Céline), o rechaza El mercader de Venecia por antisemita y Otelo por apología de la violencia de género es un filisteo, no un exquisito moralista. Pero lo grave es que las abominables desmesuras raciales y políticas de Céline mantienen un torturado parentesco con los rasgos que hacen su obra única e insustituible en la literatura del siglo XX".  28 JUN 2011

"Muchos se resisten a reconocer el talento de Céline por sus simpatías hitlerianas, pero nadie como él describió con intuición genial esta humanidad obtusa y estúpida."

Vargas Llosa



 Viaje al final de la noche(1932) y Muerte a crédito (1936)
"En aquellas dos primeras novelas lo que destaca es la ferocidad de una postura -la del verboso narrador- que arremete contra todo y contra todos, cubriendo de vituperios y exabruptos a instituciones, personas, creencias, ideas, hasta esbozar una imagen de la sociedad y de la vida como un verdadero infierno de malvados, imbéciles, locos y oportunistas, en el que sólo triunfan los peores canallas y donde todo está corrompido o por corromper. El mundo de estas dos novelas, narradas ambas en primera persona por un Ferdinand que parece ser el mismo (en Muerte a crédito cuenta su niñez y adolescencia hasta que se enrola en el Ejército y, en El viaje al final de la noche, su experiencia de soldado en la Primera Guerra Mundial, sus aventuras en el África y en Estados Unidos y su madurez de médico en los suburbios de París), sería intolerable por su pesimismo y negrura, si no fuera por la fuerza cautivadora de un lenguaje virulento, pirotécnico y sabroso que recrea maravillosamente el argot popular y finge con éxito la oralidad, y por el humor truculento e incandescente que, de tanto en tanto, transforma la narración en pequeños aquelarres apocalípticos. Estas dos novelas de Céline, más que para ser leídas, parecen escritas para ser oídas, para entrar por los oídos de un lector al que los dichos, exclamaciones, improperios y metáforas del titi parisién de los suburbios le sugieren todo el tiempo un gran espectáculo sonoro y visual a la par que literario. Qué oído fantástico tuvo Céline para detectar esa poesía secreta que escondía la jerga barriobajera enterrada bajo su soez vulgaridad y sacarla a la luz hecha literatura.."

“muchos se resisten a reconocer el talento de Louis-Ferdinand Céline (1894-1961). Pero lo tuvo, y escribió dos obras maestras, Viaje al final de la noche (1932) y Muerte a crédito (1936), que significaron una verdadera revolución en la narrativa de su tiempo. Luego de estas dos novelas su obra posterior se desmoronó y nunca más despegó de esa pequeñez y mediocridad en que viven, medio asfixiados y al borde de la apoplejía histérica, todos sus personajes.”

Vargas Llosa  
"Vargas Llosa menciona con razón a Quevedo. El autor de los más bellos sonetos de amor escritos en nuestra lengua y de una obra de la riqueza e inventiva verbal del Buscón era, desde el punto de vista de nuestra ética social y de la honradez exigible a una persona, un perfecto mal bicho. Si las alusiones a las narices atribuidas a los conversos y su horror al tocino se suceden a lo largo de la novela en unos capítulos de lectura sabrosa, sus poemas satíricos y burlescos (412 sin contar los que contienen hirientes befas de algunos de sus colegas) compendian un vasto muestrario de racismo, antisemitismo, misoginia y homofobia que no perdonan a nadie con excepción de los militares y de los curas de misa y olla."
 De este mundo empiezan a amaros es porque van a convertiros en carne de cañón”. Viaje al fin de la noche (1932). Louis Ferdinand-Céline (1894-1961).


"Sin duda alguna, la posición antisemita de Céline nos sitúa ante un personaje despreciable desde el punto de vista moral, pero eso nada nos dice de su altura artística. Dos de las novelas de este autor, Muerte a crédito y Viaje al fondo de la noche lo sitúan entre los nombres más importantes de la literatura francesa del siglo XX (junto a Marcel Proust y Albert Camus). Y eso es, a mi juicio, innegable."
 São Paulo, Brasil 22 MAR 2011


¿NO EXISTE LA FELICIDAD?

» Hermann Hesse  (1877-1962) Escritor suizo, de origen alemán
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» Jean Paul Sartre  (1905-1980) Filósofo y escritor francés
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» Johann W. Goethe  (1749-1832) Poeta y dramaturgo alemán


"Buscamos la felicidad, pero sin saber dónde, como los borrachos buscan su casa, sabiendo que tienen una."
-Voltaire
1694-1778. Seudónimo de François Marie Arouet. Filósofo y escritor francés.


» Epicteto  (50-135) Filósofo grecolatino

mandala jung

Jung marca como causas de la felicidad. Probablemente sea recomendable que esta búsqueda se haga de manera tranquila sin tener que hipotecar nada a cambio.

1. Buena salud física y mental.
2. Buenas relaciones personales y de intimidad, tales como las de la pareja, la familia y las amistades.
3. La facultad para percibir la belleza en el arte y en la naturaleza.
4. Razonables estándares de vida y trabajo satisfactorio.
5. Una visión filosófica o religiosa que permita lidiar de manera satisfactoria con las vicisitudes de la vida.
http://pijamasurf.com/2014/03/las-5-causas-de-la-felicidad-segun-carl-jung/

EDWARD HOPPER. RETROALIMENTACIÓN DE PINTURA Y CINE





EDWARD HOPPER. RETROALIMENTACIÓN DE PINTURA Y CINE

Escrito por Florencia Dupont el 

Por Leonardo Rayo   I.  
El cine siendo una disciplina mas moderna, toma como referencia a aquellas artes que le preceden en el tiempo. Es un hecho que el cine se ha inspirado en la obra de pintores que han dado un papel fundamental a la luz, como lo son Vermeer, Caravaggio, Rembrandt, y no solo para los directores de fotografía si no también para los mismo directores los cuales ven la identificación de un encuadre, el enfoque visual, una mirada concreta o una puesta en escena.
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El cine nacido a finales del siglo XIX, muy rápidamente asimiló las características de sus antecesores para adaptarla a las necesidades técnicas que la requerían, como lo son las composiciones barrocas, las perspectivas renacentistas, iluminación tenebrista (Häxan,1922), encuadres expresionistas con escenarios angulosos por donde deambulan los siniestros personajes.
Así también, el cine encontró en los lienzos una gran cantidad de información sobre los usos y las épocas de las sociedades que deseaba retratar, encontrando una manera fidedigna de retomar las historia y épocas pasadas, como sucede en películas como Intolenacia de D.W. Griffith de 1916 .
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La influencia de la pintura en el cine es física y concreta, incluyendo, en muchos casos la reproducción del lienzo en el mismo fotograma, o bien haciendo de la pintura la base argumental del film, como en La Kermesse Heroica de Jacques Feyder en 1935, o Los Sueños de Akira Kurosawa.
jovenes de la perlaUna referencia aun mas explicita seria llamado el “cuadro vivo”, un giño artístico consistente en la reproducción  de un cuadro a través de decorados, vestuario y posición de los actores ante la cámara, como lo es en La Joven de la Perla, película de Peter Webber en 2003 y el cuadro de Vermeer de 1665.                                        Así también, en muchos casos la creación de conceptos e ideas se acogen a las coordenadas artísticas de los cuadros de época, siendo esta una influencia pictórica mas difícil de percibir ya que buscan retratar el concepto mismo de la obra siendo en muchos casos mas interesante, y en algunos casos los mismos realizadores no son consientes de que sus imágenes son deudoras de algún pintor o corriente artística anteriores a su obra.   II.  
“…El propósito y la finalidad de toda obra literaria consiste en recrear el mundo que me rodea como si fuera el reflejo de mi mundo interior. Todo esta revestido, relacionado, moldeado y reconstruido, de una formal personal y original…”
Goethe

Esta definición a la obra literaria se podrá aplicar en todo orden artístico, desde la pintura al cine, y es por eso que Hopper es tan importante para la pintura y la creación de imágenes contemporáneas, ya que él puso de manifiesto que las imágenes que en primera instancia parten de la realidad, de las cosas que nos rodean, pero que sin embargo son la expresión mas interna, proveniente de un mundo propio e íntimo. Hopper concebía los escenarios y protagonistas de sus cuadros como personajes de una película, es por eso que al ver una obra de Hopper nos encontramos con una narrativa interna dentro de la quietud del cuadro. De otro modo, el cine lo podemos construir desde la fotografía y arte de  las misma locaciones, pero aun así, lo mas difícil de lograr, es encontrar y reflejar el mundo interno de los personajes.
Una mujer al sol, Edward HopperSigamos a esa mujer en el otoño de sus vida, ha hecho el equipaje y mientras contempla la tarde ya se siente lejos, buscará a alguien o  quizás mejor permanecerá sola. Esa mujer, madre, amiga, esposa, que toma café mientras unos ojos extraños la miran sin verla, mientras piensa en todo aquello que  ha dejado atrás. Es educada distinguida, su apariencia es perfecta, siempre ha sabido mantenerse serena, ahora dueña de su vida, detiene el tiempo y piensa en si misma, como caen las hojas caen también sus sueños.      
El intricado universo femenino, siempre ha sido una de las mayores fuentes de inspiración para las todas las bellas artes, ese momento de intimidad el cual podemos robar de las musas que ha fascinado a escritores músicos y cineastas. El pintor estadounidense Edward Hopper a la cabeza de una larga lista de artistas nos ha dejado la imagen de una mujer sin nombre, ensimismada y absorta ante la luz, una imagen poderosa la cual nos hace sentir el deseo de conocer e intrincarse en el mundo de secretos que guarda bajo esa mirada hacia la expectativa de un mundo mejor, como lo es en Una mujer al sol.
Es así como Hopper hace de la mujer la representación de un sentimiento de opresión y alienación del mundo en el que vive.
hopper automataEn Autómata, vemos una gran ventana tras la mujer, la cual no tiene muchos detalles en su rostro pero que transmite  una carga emocional reflejada en el solo hecho de la inclinación del mismo rostro, demostrando que no es el rostro, sino mas bien la situación y el ambiente que se crea para detonar un reflejo de identificación en nuestras propias emociones.
En Habitación de hotel, vemos a una mujer abstraída, que está pensando, se ha pausado ese momento, similar a nuestra vida cuando después de bañarnos pensamos en el día, quedando en un estado de suspenso, ensimismado ante la vida, que no tiene que ver precisamente con un estado melancólico, sino con estar ensimismado, de salir de ese apabullamiento de salir del orden lógico, del flujo continuo y estructurado del día para dar edward-hopper-hotel-room1931pie a un descanso y reflexión de nosotros mismos, o simplemente a pensar.  No el solo hecho de pensar o reflexionar sobre algo sino sobre nosotros mismos. Hopper se interesa por la mujer, ya que logra entregar señales significativas e interesantes para reflejar la carga emocional, siendo esta su guía para transmitir sus emociones hacia una realidad interna que se exterioriza.
Esta guía también se transmitirá en los escenarios recurridos por Hopper, esas estaciones de servicio en desoladas carreteras trenes que atraviesan una zona árida e inhóspita, faros que imponen su perfil en altas colinas, moteles, cafeterías en las que los protagonista no chocan sus miradas y por fin tras mucho recorrer y lejana a nuestro mundo, aparece la gran ciudad cosmopolita.
Los paisajes urbanos pintados por Hopper transmiten desasosiego como si se tratara de ciudades fantasmales, donde de alguna forma, aunque la calle este vacía nos sentimos observados por algo o por alguien.
Las primeras horas de una mañana de domingo (1930)
En Las primeras horas de una mañana de domingo, donde la colorida barra de barbería pasa a ser el personaje principal, observado minuciosamente por las ventanas aletargadas y los rincones oscuros, pasando a ser una pequeña barra  a la cual le atribuimos vida, sentimiento y distinción del entorno en que se encuentra, el cual mantienen una inestabilidad para todo el que observe, generando este suspenso e intranquilidad, observada por estas ventanas entre abiertas. Dentro de las pinturas de Hopper nos da la sensación de que los escenarios y las construcciones no están construidas bajo algo, una base sólida, como los mismos personajes que habitan en ellos, los cuales mantiene una inestabilidad que es clave dentro de sus trabajo.
             hopper halcones    edward-hopper-pennies from heaven
Edward_Hopper_-_Domingo,_1926Hopper logró capturar la psicología de los personajes, de los lugares y de una época característica de la Norteamérica de 1950, transformándose en un referente e icono de la modernidad, es así como se identifica a Hopper dentro de la perspectiva e identidad norteamericana, que no refleja el sueño americano sino que es una vuelta a la realidad, los personajes son héroes humanizados, que ya no creen en la Norteamérica que se les invento, y que sufren de realidad o se encuentran en el estado de suspenso reflexión sobre su propia existencia y soledad, no encontrando una identificación con lo que los rodea, siendo extraños dentro de su realidad, desarraigados del espacio, generando una sensación de tristeza absorta que no alcanzamos a entender y a demostrar con todo nuestra emoción, sino que se queda dentro. Personajes perdidos en la ciudad, donde las grandes luces de la ciudad no iluminan a las personas dando la sensación de personas solas tanto externamente como en su interioridad, generando un extraña sensación y pensamiento del nuevo espíritu americano, crea una intemporalidad, un tiempo vacío, el cual ya queda demostrado hopper-el-loop-del-puente-manhattan-1928-óleo-sobre-lienzo-88x152cm-addison-gallery-of-americantanto en sus personajes como en los espacios, congelando un momento en el espacio que de alguna manera pide una acción o se encuentra en un estado de estático y detenidomostrándonos la situación angustiosa que viven estos personajes, demostrándolo la estructura y la arquitectura vacía de las ciudades norteamericanas, eliminando todo aquellos objetos cotidianos, dejando solo el vacío de los elementos característicos de un espacio y de una vida. En cuanto mas elimina aquellos elementos de una vida provinciana, mas se acerca a lo universal de un mundo contemporáneo.

Edward-Hopper-Excursión-a-la-filosofíaAsí se podría decir que Hopper representa tanto o de mejor manera el concepto norteamericano que el mismo Pollock,  el cual representa el arte moderno como la expresión de los objetivos contemporáneos de la época, demostrándolo con su pintura abstracta. Pero en este sentido, podríamos decir que la pintura abstracta, en su último viaje la eliminación nos lleva a prescindir de las formas, lo cual también se ve representado por Hopper en su condición de figurativo ya que como se ha señalado, también tiene mucho de esto en sus obras, haciendo que solo se vea color, formas y líneas. Aunque como sabemos, siendo Hopper uno de los fundadores de la revista _habitacion_junto_al_mar_largeReality,rechaza el arte abstracto y a sus contemporáneos de la escuela de Nueva York como William Kooning y Mark Rothko o Jackson Pollock, quienes admiraron algunas de sus obras.
El pintor de los enigmas cotidianos de las ausencias, de los seres solitarios que habitan la gran ciudad y sobre todo el pintor de la luz y del silencio se ha convertido en el referente para muchos fotógrafos, cineastas y pintores como Luc tuymas en su obra Mayhem, Neo Rauch  con Gold, Gonzalo Sicre o Ángelo Mateo en Charris revolución.
“ …he tratado de pintar la luz blanca en vez de amarilla, ya que muchos pintores tiene la costumbre de pintar la luz amarilla, pero esta luz no es amarilla solo si es amanecer o atardecer, el resto del día se trata de una luz blanca…”
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Es así como un pintor tan preocupado por la captación de luz en sus cuadros, no podía pasar desapercibido como un referente obligado en el cine. Un as de luz que penetra de forma oblicua y afilada a cada escenario, colándose por una ventana o desde un tubo fluorescente arrojando esa luz fría y eléctrica, expresando una atmosfera de incomunicación y aislamiento total que ha fascinado a los mas grandes directores de fotografía como Vittorio Estoraro o Eduardo Serra.
el conformistaSiendo esta luz un protagonista mas de estas obras, a diferencia de Caravaggio el cual la sombra ha de ser su personaje. Es así como Hooper define con gran precisión los haces de luz que entran en su cuadro, generando verdaderas barras de iluminación, siendo una gran influencia del cine norteamericano de los años cuarenta, mas conocido como cine negro. Con sus obras los artistas narran, reflexiona y transmite esos sentimientos que le inquietan y atormentan, y tratando de una personalidad reservada y retraída como la de Edward Hopper el estudio de su arte resulta revelador.
“… supongo que en mis cuadros me represento a mi mismo, lo mas importante de un cuadro no se puede definir, no se puede explicar…”  
Hopper crece en un pequeño pueblo norteamericano de la época victoriana, y al trasladarse a New York, logra ver de manera distinta el entorno que le rodea, el cual se manifiesta como una gran ciudad moderna llena de impersonalidad y alienación. Hopper logra capturar esa esencia haciendo de voyeur, dice él mismo en sus entrevistas que le gustaba mirar desde las elevadas vías del tren hacia los apartamentos de la gente, especialmente de noche cuando las lámparas estaban encendidas y se podía ver el interior de los cuartos a través de las ventanas, entrando en las vidas ajenas y en los mementos íntimos de la sociedad norteamericana, experiencia que repetimos constantemente cuando asistimos al cine y deseamos ver la vida y los secretos que encierran los protagonistas mas allá de la pantalla.
peeping tom filmLo que Hopper entendió sobre la pintura y la forma de hacer cine, es que éste se conforma a través de la aparente realidad, es una construcción. Así también Hopper en sus pinturas, toma elementos de la realidad para generar su propia ficción, esta idea ha repercutido en los cineastas, que han entendido que las metáforas visuales transforman los conceptos externos en algo interno de los personajes, en un mundo propio e intimo.
Esto a su vez se ve complementado con la totalidad del cuadro, la luz, el color y la distancia que separa a las figuras, todos estos elementos van definiendo las características del personaje y a su vez una narrativa, y este es el lenguaje del cual se quiere nutrir el cine. En este sentido podemos ver a Hopper desde muchas perspectivas, siendo su estilo uno de los mas recurrentes dentro del cine americano, esto se debe a que representa un mundo totalmente singular y aislado, incluso en sus mismas localizaciones hay una sensación de inmensa soledad que afecta a los cuadros y que adquiere sentido a la hora de representar la imagen americana del siglo XX en el cine. El afamado director Todd Haynes es consiente de la influencia de Hopper dentro de sus largometrajes y en el de otros directores.
inland empireLynch logra captar dentro de sus películas la sensación de aislamiento, algo espeluznante que ocurre dentro de escenarios normales o cotidianos, y esto se logra presencia en la mayoría de los cuadros de Hopper: lo grotesco, lo surreal, esa pesadilla durmiendo en las esquinas del cuadro, y que de alguna manera derrumba la visión del voyeur el cual al descubrir lo que esta mirando, se encuentra en mundo atractivo pero extraño a la vez, en la sensación de que nunca debería haber estado aquí, pero que te obliga a posicionarte como espectador de un lado o del otro. Logrando así, tanto en los cuadro como en las realizaciones influenciadas por Hopper, la realidad idílica de la américa que se ve asechada por lo oculto, por una realidad que evoca a la superstición y a la religión y a todas las tradiciones americanas que sobreviven en las comunidades mas aisladas, logrando sentir la inseguridad y locura dentro de los mismos personajes.
casa-junto-a-la-via-del-tren-edward-hopper-1925Hitchcock se ve influenciado no solo por los encuadres y composiciones, sino por algo inherente que va mas allá de lo puramente visual. Como Hopper, Hitchcocok observa a sus personajes, en el placer voyerista de mirar sin ser vistos, como en la ventana indiscreta, en la cual estamos en un constante visión de un cuadro con influencia Hooperianas, así como también en vértigo y en psicosis, demostrando que hasta la misma casa de la madre de Norman es la representación de La casa junto  a las vías del tren, siendo ésta una de las primeras obras de Hopper en ser vendidas al museo de arte moderno de New York. Esta obra pintada en 1925 es uno de los mejores ejemplo de cómo Hopper dotó a sus arquitecturas de personalidad propia envolviéndolas de un halo de abandono haciéndolas parecer mas que un hogar en una constante amenaza representando lo aislado, siniestro y decadente.
Edward Hopper después de volver de París en 1913 se instala en un estudio en Madison Square junto con su esposa Joe Nivison Hooper, con la cual recorrían en auto, durante largas temporadas, las extensas carreteras de los estados unidos, desde Nuevo México hasta Coten Massachusetts donde instalaron su casa de verano. Durante estos largos viajes, la pareja de artistas dejo plasmado tras el pincel la road movie de sus vivas por Norteamérica. Colinas, acantilados, atardeceres, interminables carreteras, casas junto a vías, imágenes que nos hablan con nostalgia de la América profunda que se ve representada constantemente en la pantalla grande.
badlandsMalas tierras, de Terrence Malick es la representación de este sentimiento de aislamiento para luego ponerlo en movimiento, la película road movie nos muestra la soledad de dos personas que solo pueden sobrevivir manteniéndose en movimiento, siendo como unos extraños dentro del mundo, demostrando una rivalidad entre los personajes y el mundo que les rodea. La soledad esta presente dentro de la visión de la Norteamérica sínica, pero al mismo tiempo compasivo y conmovedor.
far-from-heavenTodd Haynes, ha sabido representar la vulnerabilidad de los personajes, los cuales se encuentran en una especie de burbuja claustrofóbica que logra aplastar sus vidas, es el caso de Lejos del cielo de 2002 y Safe de 1995.
Esta temática, ya enunciada por Douglas Sirk en Solo el cielo lo sabe, en la cual, al igual que Hopper, el melodrama gira en torno a la mujer la cual es aplastada moralmente por el doble discurso de una clase media norteamericana, en donde nos se les permite tomar las riendas de sus vidas, sintiéndose encarceladas en el mundo que les rodea, y es así como en una prisión, solo-el-cielo-lo-sabe-2es como se muestran en la pantalla, tras cortinas, ventanas, puertas, esculpidas en un contraste de luz y sombra como en el cine negro estas historias aparentemente triviales, se transformaron en una oportunidad para criticar la cultura superficial de consumo, reutilizando muchos de sus propios sueños, objetivos y fantasías, encontrando de manera concisa  e implícita de hablar y transformar esos conceptos extremadamente vacíos en la bases del sueño americano. Cada cuadro, cada fotograma representa la claustrofobia que sienten los personajes femeninos atrapados en preciosos vestidos, pero que en el fondo están solas, remarcado por el mismo bienestar social que dicen tener.
Es así como el cine de melodrama tendrá que ver mucho con la pintura de Hopper, representado tanto en sus personajes como en el escenario en el que interactúan, comprendiendo el verdadero fondo de la sociedad norteamericana, a su vez representado por pequeños detalles resaltados con colores primarios como lo son: las pequeñas  barras de las barberías, la pequeña cafetería, las farmacias, etc, que configuran el espacio americano, y que siguen presente en el paisaje. Hopper hacia muchas localizaciones hasta encontrar la perspectiva adecuada para sus historias, al igual que un director de cine que recorre el set de rodaje con un visor de cámara para obtener el encuadre adecuado para su toma, y desde que punto visual quiere narrar su historia. Así mismo, Hopper era muy meticuloso a la hora de construir una imagen. Para realizar Cine de New YorkHopper recorrió cinco salas de cine diferentes para lograr la perspectiva adecuada, haciendo mas cincuenta bocetos para este cuadro, logrando así un resultado particular del cuadro sin representar ningún cine en particular. hopper-new-york-movie1939En este cuadro nuestra atención no está en la pantalla de cine, sino en la soledad de la chica bajo la luz roja, detrás de las cortinas que van hacia el exterior, que por alguna razón se encuentra abatida e ensimismada, lo cual aterriza el glamour de la sala, hacia algo mas cercano y cotidiano.
La relación de Hopper con la vida moderna fue muy ambigua, siendo el cine uno de los aspectos que mas le interesaban de esta modernidad, cuando no se le ocurría qué pintar, asistía a los cine a empaparse de aquellas películas, ocurriendo una especie de feedback artístico, ya que se nutria de lo que veía en el cine, no solo dentro de las temática sino también en el estilo que representaban aquellas películas. Es así como se puede apreciar que las pinturas de Hopper tienen un lenguaje muy cinematográfico, por lo cual inspiraría a los distintos cineastas, es el caso de Elia Kasan, el cual aseguró que Hopper era unos de los pintores que mas le había inspirado dentro de sus realizaciones, sin saber que Hopper a su vez era fanático de sus películas.
Hopper encuentra un referente dentro de sus películas favoritas, es el ejemplo de Marti de Delbert Mann, la cual inspiró la pintura de la pareja que esta en el cuadro la luz del sol en Bromstock, otro referente es la película los niños del paraíso de Marcel Carne, la cual dio vida a su último cuadro los dos comediantes, en el cual se representaba a él  y a Joe como dos actores del arte de la comedia saludando en el escenario, representando el cine en la pintura y la pintura en cine. Dos Comediantes (1965) última pintura          los niños del paraiso III.  
Hopper con sus lienzos intentaba sugerir mas que mostrar, una cualidad que le conecta con toda una corriente cinematográfica, cuyo principio se basa en renunciar a lo explicito, apelando así, a la imaginación del espectador. Esos rostros que miran hacia algo o alguien situado fuera de los márgenes del cuadro, nos recuerdan que esos altos momentos de tensión en los que un sonido o una sombra nos indican la presencia de algo fuera plano. El contraste entre la candidez del hogar y el mundo sórdido, enfermo y amenazante del exterior se encuentra en los cuadros y en las películas que representaron las obras de Hopper, representadas en general en el cine negro norteamericano, con esos rincones suburbanos que agradaban al Hopper mas cinéfilo. Tomando como referencia para uno de sus cuadros mas connotados, Los asesinos de 1927 escrita por Hemingway inspiró a Hopper a uno de sus mas afamados cuadros como lo es Halcones de la noche , que a su vez sirvió como referencia para realizar la representación cinematográfica de Forajidos, de Robert Siodmark en el año 1946. Entendiendo así que Hopper es la esencia no contemplada del cine negro en la pintura, y que tiene que ver con la soledad urbana, escenas sombrías, claros oscuros, extraños, encuentros en la noche, palidez en el rostro y labios muy bien pintados. Lo importante es entender que estos elementos recrean los estados psicológicos de los personajes, estos elementos hablan de la alienación y de la paranoia en la ciudad, esa especie de pérdida de valores y estilo de vida de épocas pasadas, creando autómatas, seres que se encontraban mas lejos unos de otros, generando así un retrato del siglo XX norteamericano, representando el lado mas oscuro del sueño americano generando en el espectador cierto desasosiego.
Con todos estos elementos que Hopper utilizó fue creando esa especie de narración con final abierto, que permite al espectador completar él mismo la historia. Estas imágenes que provienen del interior, aunque utilizaran elementos del mundo exterior para manifestarse.
Esta intertextualidad en la pintura y la puesta en escena cinematográfica, entre el gran arte y el arte del entretenimiento demuestra que no existen fronteras entre ambos medios de expresión.

http://www.revista.escuelacine.cl/edward-hopper-retroalimentacion-de-pintura-y-cine/

"La soledad es el hecho más profundo de la condición humana."

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“La soledad es el hecho más profundo
de la condición humana.
El hombre es el único ser que sabe que está solo.”
Octavio Paz
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El consumo de antidepresivos ha crecido mucho en los últimos años.

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Algo mas ...

"Estudios en el Reino Unido llevados a cabo en las últimas décadas muestran de manera consistente que los adultos mayores se sienten solos o muy solos."

"La organización Campaing to End Loneliness indica que la mitad de todos los adultos mayores, unos 5 millones, afirman que la televisión es su principal compañía."

Sin embargo, la soledad no solo afecta a personas mayores de 65 años. También incide en jóvenes entre los 18 y los 24 años.

Mientras la soledad en los adultos mayores puede generarse por problemas de salud o la pérdida de la pareja, en el caso de los jóvenes se puede producir a consecuencia de la pérdida del empleo, irse de la casa o tener un bebé.

"La soledad es la diferencia que existe entre el deseo de contactar a la gente y las relaciones que en realidad uno tiene", afirma la profesora Vanessa Burholt, del Centre of Innovative Ageing de la Universidad Swansea."


La soledad es un problema de salud pública que debe ser tratado con urgencia, según afirma Laura Ferguson, directora de la organización Campaing to End Loneliness (Campaña para terminar con la soledad) con sede en el Reino Unido, que se encarga de combatir el problema en ese país. 

"Se ha encontrado que existe un vínculo con la muerte temprana. El factor de riesgo es similar a fumar y peor que la obesidad".

Llegar a la vejez trae más soledad


"Las personas que se sienten solas suelen tener peor salud que aquellas que se encuentran acompañadas. De esta manera, algunos estudios han demostrado que la soledad hace que se vivan menos años y con más enfermedades, de forma que podría ser un factor de riesgo para la salud tan perjudicial como la obesidad o el sedentarismo."


"La pintura de Hopper se caracteriza por disponer imágenes desoladas, en sus escenarios típicamente norteamericanos y con expresiva inmovilidad de sus personajes; que lo convirtieron en un intérprete inigualable de su cultura.
En escenarios despojados y anónimos, los personajes de Hopper existen en un extraño estatismo, plenos de narratividad. Rodrigo Fresán, un joven escritor argentino contemporáneo, lo definió alguna vez como un cuentista que pinta y admitió ser una fuerte influencia a la hora de escribir."

"Hopper, fue el gran pintor estadounidense, cuya obra marcó un hito en la historia del realismo americano; pues logró plasmar en su arte esa sensibilidad particular del siglo XX en Estados Unidos, que se caracteriza por el aislamiento, la soledad y la melancolía."

En Soir Bleu, de 1914, tenemos un cuadro pintado con una pincelada muy suelta.  El fondo del cuadro es totalmente azul, con dos tonos de azul; a este fondo se lo podrían dar varias interpretaciones, bien podría ser pintado en la pared de un bar, incluida la barandilla, representando una terraza al lado del mar, o bien que sea una terraza, ya que la luz parece exterior.  Encima del fondo azul hay una lámparas que animan el color apagado del cuadro. El local está frecuentado por prostitutas, proxenetas, clientes y un pierrot.  Justo delante del señor de la boina hay una columna que deja en segundo plano la parte izquierda del cuadro y nos centra en la derecha.  Hay siete personajes en total, de los que tres estás de espaldas, de los que destaca el señor del uniforme.  De los que están de frente al observador destaca el pierrot, y también la prostituta que está de pie, ésta parece estar sacada de un cuadro típicamente impresionista.  A destacar la mezcla de clases sociales: trabajadores, artistas, clase alta y la prostituta.

 
En 1931 pintó Habitación de hotel (Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid, España) donde se entrecruzan varios de los motivos recurrentes en Hooper, el del hotel, el de la figura aislada en un interior y el del viajero. Continuó trabajando dentro de ese estilo durante toda su vida, refinándolo y perfeccionándolo, sin abandonar jamás sus principios básicos. La mayoría de las obras tienen como escenario el estado de Nueva York o Nueva Inglaterra, tanto los paisajes naturales como los urbanos son sencillos e íntimos, calles desiertas, teatros medio vacíos, estaciones de gasolina, vías de ferrocarril, hoteles. Una de sus obras más conocidas, Los halcones de la noche(1942, Instituto de Arte de Chicago), muestra un café por la noche, con unos pocos clientes que no se hablan, bajo una despiadada luz eléctrica. Aunque su obra se mantuvo al margen de las principales corrientes abstractas del siglo XX, su estilo simple y esquemático fue uno de los que influyó en la vuelta al arte figurativo posterior y en el Pop Art. Murió el 15 de mayo de 1967 en Nueva York.
 
Gas (Gasolina), pintado en 1940 por un Hopper famoso, ha sido interpretado por Dolores Mitchell como una polémica inversión de la lógica del anuncio publicitario: el empleado está solo y triste; ningún vehículo se detiene en la estación de servicio; el bosque que aparece al otro lado de la carretera se muestra oscuro y poco tranquilizador.  La gasolinera se diría que es como una avanzadilla que señalaría un espacio no delimitado de la civilización, espacio que ha de imponerse ante el de la naturaleza.  Además aquí se ve el logotipo de la marca “Mobilgas”, en otras obras se puede ver el de “Ford”, lo cual lo implica aún más con la publicidad y su sistema de signos.

En 1925 pintó La casa cercana a la estación (Museo de Arte Moderno, MOMA, Nueva York), obra clave del arte estadounidense que marca la madurez de su estilo. El modo sólido y directo de marcar formas y ángulos sobre el lienzo y la utilización resuelta de luces y sombras se mantienen dentro de la línea de su obra anterior, pero el espíritu que marcaba el tema esencial de la obra era nuevo, expresaba una atmósfera de aislamiento total y de soledad casi sobrecogedora.
http://practicarte.wordpress.com/2011/05/23/edward-hopper/

La soledad de Edward Hopper

"El carácter circunspecto y puritano del pintor neoyorquino Edward Hopper (1882-1967) lo dotó para atisbar sobre el lienzo un sentido de identidad cuajante propio de su país a la altura de su época. Con caballete de cajón y óleo en tubos exprimibles, al uso de sus congéneres ribereños, a él en cambio le tocó eslabonar por fuerza ese sentido desde la más sola de las soledades, la que se sufre en el seno de la gran ciudad. Hasta hoy en cualquier urbe de su nación se encuentran planos dignos de olvido que bien pudieron prestarse para sus manchas de luz y de sombras." (Por Egberto Almenas)
                                            [Edward Hopper. Sunday Morning, 1930, óleo sobre lienzo]
[Edward Hopper. Night Windows, 1928, óleo sobre lienzo]

                                       [Edward Hopper. Sun in an Empty Room, 1963, óleo sobre lienzo]